Uma mulher de jaleco branco entra no quadro com algumas caixas, das quais ela tira todos os tipos de objetos diferentes. Ela nos presenteia com um saco de nozes, latas de Coca-Cola e copos de drink, mas também drogas pesadas e vários tipos de dildos. Com cara séria ela mostra tudo. Estes são os objetos encontrados na cena do crime, onde vários homens foram deliberadamente injetados com sangue infectado com HIV. Em Feast, o diretor Tim Leyendekker mergulha nesse caso controverso que foi amplamente noticiado, na Europa, em 2007.
Naquele ano, três homens foram acusados de drogar, agredir e infectar vários homens com HIV durante as festas de sexo que organizavam. Tornou-se um processo controverso sobre o qual toda a Holanda tinha uma opinião. Os perpetradores foram retratados como monstros, mas as pessoas também tinham dúvidas sobre a inocência das vítimas. O que eles realmente faziam nessas festas? E eles mesmos não estavam cientes do modo como se expunham?
Leyendekker ficou fascinado com a história e decidiu investigar os diferentes aspectos do caso. Feast não é um documentário, mas uma reconstrução excêntrica com um toque experimental: o filme aborda questões filosóficas, reconstrói cenas, e dá-lhes, sempre, uma pitada estranha, e até permite que uma bióloga de plantas fale sobre tulipas infectadas.
Esses diferentes capítulos são intercalados com imagens ampliadas de pele, fotos sóbrias de estradas rurais (quase) desertas e lapsos de tempo artísticos. O conjunto forma uma colagem de interpretações de um crime multifacetado.
Feast é construído em um cenário forte que o atrai completamente para a história. Em algumas cenas não fica claro se os falantes estão seguindo um roteiro ou improvisando, enquanto outras partes recebem um tom teatral. O diretor deixa seus personagens filosofarem sobre o amor, viver juntos e voltar para casa, mas também confronta os supostos perpetradores e as vítimas, sejam elas culpadas ou não.
Em Feast, o sexo e o poder estão muito presentes, mesmo que de maneira invisível, mas a narrativa de poder é mais complexa e, portanto, mais interessante. Ainda assim, o filme ocasionalmente flutua entre seus múltiplos pontos de vista.
A verdade é fluida, mostra Leyendekker em seu filme, e você nunca a entenderá completamente. Embora possa parecer óbvio neste caso quem está certo e errado, isso não significa que as questões que o evento levanta devem ser ignoradas. O filme dá muito espaço para isso e propõe uma profunda reflexão sobre conviver com HIV.
Bem-vindos à Escola para Homossexuais St. Sebastian onde a cultura LGBTQIA+ faz parte do currículo e dar pinta é uma atividade extra. Este é um lugar fantástico. Nas cenas de abertura, os alunos fumam maconha, dão uns amassos com os namorados, se entregam à moda não-binária e andam de skate pelos corredores.
O filme sueco, de Ylva Former, baseado no romance de Kristofer Folkhammar, tem muitos conceitos intelectualmente desafiadores. O uso da teoria crítica é evidente e a homossexualidade masculina é a norma.
As aulas de Educação Física são todas de dança, ginástica e luta livre que estão mais perto de abraçar. Mas o foco de sua atividade é preparar sua tese de final de ano enquanto competem para liderar a Procissão de Inverno, uma mistura de baile e regresso à casa.
Há o bem vestido e rigoroso professor Magister (Johan Ehn), que tem um relacionamento secreto de BDSM com, o Adonis de cabelos dourados da escola, Charles (Christian Arnold), mas sai mais ou menos devastando quando um trauma de seu passado é lembrado.
Há o zelador Frank (Jani Blom), que atinge uma obsessão doentia pelo Mestre, e olha com amargura para a jovem geração de gays que tem condições completamente diferentes da sua.
São os dois casais Paul (Johan Charles) e Noak (Nino Forss) e Tim (Simon Kling) e Fred (Joel Valois), que compõem o grupinho descolado da escola, mas começam a se dividir pela competição interna, que começa antes da Procissão de Inverno.
E há também o batedor de carteiras Chad (Elis Monteverde Burrau), que atua como uma espécie de símbolo para que hierarquias e mecanismos opressores surjam mesmo nos ambientes supostamente mais abertos e acolhedores.
Os tópicos que eles escolhem para suas apresentações finais são um catálogo de estudos LGBTQIA+, por exemplo, Noções de Irmandade expressas em Filmes de Bromance Contemporâneos ou Cultura Gay Underground na década de 1950. Na preparação para isso, eles debatem a natureza da solidão e do erotismo, as limitações e exigências da amizade e do casamento como ferramentas para reduzir o trabalho emocional. É uma miscelânea de Estudos Culturais.
Mais dramaticamente rica é a crítica criada pelo arco da história. Há um contraponto feito entre as duas gerações. Há os professores, que sofreram homofobia e vergonha enquanto cresciam, lutando para criar espaços gays seguros. Depois, há os jovens que agora conseguem ser eles mesmos nesses espaços.
Os professores, tendo vivenciado a ‘união da opressão’, descobrem que o que eles criaram é o inferno porque são dinossauros que não são bem-vindos nesses novos espaços. Enquanto os jovens agora se veem forçados a competir com seus pares sobre quem recebe atenção e validação social.
Escrito e dirigido por Inés María Barrionuevo, co-escrito por Andrés Aloi, em Camila Sairá Esta Noite, quando sua avó fica gravemente doente, Camila(Nina Dziembrowski), é forçada a se mudar para Buenos Aires, deixando para trás uma escola pública liberal de ensino médio para uma instituição privada tradicional.
Fazer um filme sobre adolescentes que um público mais amplo possa desfrutar não é uma tarefa fácil, mas o longa está à altura desse desafio. Ele consegue capturar de forma impressionante a juventude de sua história sem sobrecarregar o tom, mantendo uma atmosfera convincente e sincera.
A paleta recai mais sobre tons pastéis e suaves, mantendo o visual aterrado. Ele se move de maneira reflexiva. Inés María Barrionuevo adiciona uma sensação de mistério quase ao fundo, há mais nessa história do que apenas o que vemos. Ela tem um estilo habilidoso em sua direção, é apaixonante do início ao fim.
A diretora não gasta tempo tropeçando em si mesmo para trazer à tona a orientação sexual de Camila, simplesmente combina naturalmente com a história. Bem construída, a personagem é muito agradável de assistir, inteligente e experiente, mas também vulnerável e curiosa.
Nina Dziembrowski traz uma personalidade grande, mas fundamentada para Camila, ela é extrovertida, mas não arrogante. Ela tem a certa qualidade imprudente da juventude, mas é confiante e socialmente consciente, recusando-se a se curvar aos modos patriarcais e antiquados de sua nova escola.
Ela está cercada por um grupo de grandes personagens, ela tem uma química excelente com seu interesse amoroso, bem como os novos amigos que ela faz. Adriana Ferrer também é ótima como mãe, não se envolve muito, o foco é muito em Camila, mas os poucos momentos que elas têm são genuinamente tocantes. Ela traz uma emoção sincera, além de explorar como os pais podem tentar esconder sua luta dos filhos.
Do conflito mãe-filha aos tormentos das primeiras emoções amorosas, a história é constantemente alimentada com uma encenação ao serviço das suas personagens, as questões sociais do seu tempo num ímpeto tão excitante quanto sutil neste retrato de uma juventude argentina.
Camila Sairá Esta Noite é um excelente exemplo de como contar uma história adolescente, mergulhada nas questões sociais da juventude. É filmado com um estilo impressionantemente atraente que prende sua atenção do início ao fim. É emocional, político, romântico e encantador.
Marc Ferrer apresenta uma homenagem irreverente ao mítico giallo italiano, especialmente o cinema de Darío Argento com ¡Corten. O diretor explora esse gênero através de uma abordagem que extrai sua força do absurdo e com um sentimento underground. Portanto, poderia ser classificado, em diversas ocasiões, como uma constante paródia. Com isso, a história não busca uma lógica avassaladora, ou uma reflexão profunda, mas ser uma vitrine de pura comédia e nonsense
Marcos, interpretado pelo próprio Ferrer, é um diretor de cinema mal sucedido, que está imerso nas filmagens de seu novo filme, um queer giallo, quando uma série de assassinatos terríveis começa a acontecer em Barcelona, e todos eles parecem ser rastreados até ele.
¡Corten! combina gêneros tão distantes quanto terror e comédia, sobre um diretor vampirizado pelo cinema que, apesar de desprezado por causa de seus filmes, precisa continuar fazendo-os para viver. Seu último projeto é um queer giallo e como ele sinceramente diz ao apresentador em um talk show se um ator é ruim, isso é simplesmente ruim, mas se todos os atores de um filme são ruins, isso é estilo.
Marcos logo tem problemas maiores do que a probabilidade de seu próximo filme fracassar. Um giallo da vida real está ocorrendo em Barcelona - uma série de assassinatos cometidos por uma figura de luvas pretas - e as vítimas são todas as pessoas com quem Marcos esteve recentemente em contato.
¡Corten! tem tudo a ver com estilo, desde as mini persianas rosa choque no escritório de Marcos até o enquadramento simétrico do superintendente de polícia e a estranha coleção de coisas em sua mesa. As convenções de Giallo estão por toda parte, tanto no filme que Marcos está fazendo, quanto no “mundo real” do filme que Ferrer está fazendo. Várias performances de drag estão incluídas.
O melhor de ¡Corten! é o elenco pois sem eles grande parte da produção não se sustentaria. Para começar, a icônica drag espanhola, La Prohibida faz um trabalho espetacular, um exercício de rir de si mesma e do conceito de diva, que une a essência da vítima dos giallos italianos.
Por outro lado, Samantha Hudson demonstra por que ela é um fenômeno em seu país, já que, com poucas cenas, sua personalidade característica é facilmente percebida. Ela protagoniza um dos grandes e debochados momentos do filme ao interpretar a impagável canção Por España!.
¡Corten! não pretende ser um filme que preste atenção aos detalhes e tenha um acabamento profissional, mas é o mais trash possível, regozijando-se no subversivo e imundo mundo de John Waters, como marca registrada. Deve-se valorizar que mantenham essa linha
O absurdo das mortes e como é abordado pela equipe técnica é um incentivo para os amantes dessas produções, mas poderia até ter dado um passo além, como é o caso dos efeitos com ketchup e sêmen falso.
¡Corten! é uma produção que parodia e homenageia o giallo que tem como bandeira o baixo orçamento. Portanto, o underground navega ao longo do filme. Não há necessidade de buscar maior compreensão e puramente se divertir. Uma série de assassinatos envoltos em um filme underground e trash, conseguindo saber rir de si mesmo.
Décadas antes de RuPaul's Drag Race e Paris Is Burning (1990), e um ano antes de Stonewall, este documentário de 1968 deu à maioria do público seu primeiro olhar sobre a cultura drag. Tendo como pano de fundo o concurso de beleza Miss All-America Camp, de 1967, The Queen foi um dos primeiros filmes a se concentrar em uma subcultura retratando uma competição.
A abordagem improvisada do diretor Frank Simon, apresenta pela primeira vez Jack Doroshow, o experiente artista drag que organizou a competição e a conduz sob o nome de Flawless Sabrina. Em suas próprias palavras, Sabrina é “toda essa coisa de mãe de bar mitzvah.”
À medida que avançam em direção ao grande evento, até o mais mundano dos homens se transforma em uma bela mulher com a ajuda de uma peruca, maquiagem, um vestido e a ajuda de suas colegas concorrentes. A maioria das drag queens são cativantes e solidárias até que a vencedora seja coroada, momento em que Crystal LaBeija, fundadora da lendária House of LaBeija, pula em Doroshow, alegando que a coisa toda foi armada.
Miss Crystal, uma esplêndida criatura hispânica que explode de frustração e raiva quando descobre que a competição lhe escapou. Mas todos os outros artistas também têm sua capital de simpatia, jovens homossexuais das ruas de Nova York, das áreas nobres da Costa Leste reunidos em Manhattan para um concurso de drag queens. O diretor Frank Simon os deixa falar sobre suas histórias, suas relações com seus pais, seus amores, seus sonhos e seus sofrimentos.
A presença tranquilizadora da Flawless Sabrina, que os protege como uma verdadeira mãe, é um dos elementos mais comoventes do filme. Antes de brilhar temporariamente no palco do teatro um tanto decadente alugado para a competição, suas jornadas foram obviamente duras e atormentadas: jogadas na rua por suas famílias, excluídas de suas faculdades ou demitidas de seus empregos, elas encontram na comunidade drag a liberdade de identidade que lhes faltava.
The Queen é uma cápsula do tempo um registro da cena drag quando o cross-dressing fora do palco ainda era ilegal em Nova York. De fato, Doroshow foi preso enquanto promovia o filme na Times Square. A maioria dos verdadeiros shows de drag eram realizados em bares gays em bairros afastados em grandes cidades como Nova York, São Francisco, Chicago e Atlanta, que se tornaram centros gays.
Foi considerado um avanço em 1967 que Doroshow reservou um local importante, a Prefeitura de Nova York, para sua competição. Ele pode ter se safado porque o evento foi anunciado como "um acontecimento satírico", com a venda de ingressos beneficiando a Associação de Distrofia Muscular.
As drag queens da década de 1960 modelaram seus looks quase inteiramente em velhas estrelas de Hollywood, com uma concorrente chamada Harlow. Mario Montez, estrela de Andy Warhol, um dos jurados, é nomeado pela exótica protagonista como Maria Montez, proporcionando entretenimento no show.
Depois de décadas do filme ficar fora de circulação, o roteirista e cineasta Shade Rupe chamou a atenção do vice-presidente sênior de Kino Lorber, Bret Wood. Sob um acordo com o co-produtor original do filme, Si Litvinoff, o distribuidor deu à The Queen uma restauração 4k usando o negativo original da câmera e o reeditou em cinemas selecionados.
A última parte de The Queen é inesquecível: Miss Crystal,
que acaba de perder a coroa para Miss Harlow e vê seu ego posto à prova, lança-se nos bastidores em uma cena digna de Bette Davis. Gritos, traições e ameaças irrompem na direção da extravagante organizadora da competição e da tímida vencedora, que o tomam por sua classificação em uma explosão de frustração épica. Cinco minutos infernais e hilariantes
que provam que uma drag queen enfurecida sozinha pode ser mais intimidante do que um policial armado.
Dois jovens amigos, Martin (Mateus Almada) e Tomaz (Mauricio Barcellos), partem juntos de Porto Alegre, para Capão da Canoa, no litoral sul do país. É o lugar onde o avô de Martin morreu recentemente e onde ainda vivem os parentes que ele não vê há anos. Tomaz sabe que será um momento difícil para Martin, mas isso não significa que eles não possam se divertir também.
No entanto, enquanto a viagem é principalmente sobre Martin, Tomaz fica calado sobre uma parte de si mesmo, mas à medida que os dois adolescentes passam mais tempo juntos, a tensão sexual cresce a ponto de eles terem que confrontar se há apenas amizade entre eles.
Com sotaque gaúcho, o filme, dos diretores Filipe Matzembacher e Marcio Reolon, se interessa pelas silenciosas mudanças nos mundos emocionais dos dois jovens e adentra profundamente a esfera dos adolescentes.
Há uma naturalidade e espontaneidade entre Martin e Tomaz, sendo a obra um olhar bem estudado de duas pessoas que se conhecem extremamente bem, mas que estão crescendo e percebendo que estão mudando .
Quando eles chegam ao ponto em que o subtexto erótico começa a transbordar, é tratado com ternura e bastante sensualidade. De fato, há uma vantagem sexy em todo o filme, apresentando os jovens como seres sexualmente carregados que ainda precisam lidar com problemas sérios e adultos.
Esses becos emocionais sem saída estão lentamente se desfazendo. É uma época confusa, um jovem se aproximando da idade adulta. Perguntas começam a surgir, questões pessoais que podem nunca ter sido exploradas, pois todos se esforçam para se encaixar na norma social. Temas de inocência e identidade pessoal são abundantes em todo o longa.
O filme é um emocionante e cru coming-of-age. Desde o início, os diretores criam um rico tom atmosférico. Os longos olhares contemplativos de ambos os personagens principais são pontos focais inteligentes através dos quais o espectador pode se identificar.
Jogos de reflexões e silêncios sensíveis banhados no som de um mar onipresente, minimalismo, estética do frio, o frescor de uma interpretação não profissional oferecem a este primeiro longa-metragem, dos diretores do premiado Tinta Bruta(2018), um tratamento diferente dos filmes gays sobre amadurecimento.
El Perfecto David é uma história de amadurecimento dos tempos modernos, tensa e poética. O filme reflete com precisão a transição de um jovem de 18 anos para a masculinidade, tentando se encaixar em seu novo mundo adulto, quando os objetivos de vida, sexualidade e relacionamentos geralmente ainda são um pouco vagos e, às vezes, estão indo na direção errada.
O roteirista e diretor argentino Felipe Gomez Aparicio, junto com Leandro Custo, se basearam em experiências pessoais para contar a história da busca de um jovem pelo corpo pleno,, com temas de perfeição, controle e codependência – questões que afetam muitos dos jovens de hoje.
Depois de terminar um treino, o jovem fisiculturista David (Mauricio di Yorio) relutantemente posa para sua mãe Juana (Umbra Colombo), uma artista plástica, e ela passa os dedos em seu peito e ombros, notando pontos de melhora. É um estranho momento de intimidade corporal que parece quase sexual, mas os exames de Juana no corpo de seu filho são tratados com um cálculo imparcial em seu olhar investigativo..
David é um jovem estudante e, embora já tenha um corpo bonito, não está satisfeito e é obsessivamente levado a ficar cada vez maior, preparando-se para uma competição de musculação. Ele é auxiliado e incentivado por sua mãe obsessiva, seu instrutor de ginástica e colegas fisiculturistas.
David tem uma relação muito próxima, quase estranha, com sua mãe artista, Juana, que mede seus músculos todos os dias e observa seu progresso, empurrando-o para ficar cada vez maior – a clássica mãe insistente que busca o filho perfeito. Ela usa moldes de gesso do corpo de David para criar esculturas.
O comportamento de Juana não tem filtro - suas mãos se demorando nos músculos do filho, um pouco mais do que o necessário durante sua medição diária dele, e cenas íntimas como ela raspando suas axilas, aumentam a sensação geral de suspense.
Há uma história intrigante aqui sobre a obsessão descuidada de Juana em criar um corpo perfeito para David e as perigosas consequências de suas atividades artísticas – o impacto físico, mental e emocional na saúde e autoestima de David. Mesmo a relação entre os dois oferece uma dimensão psicológica estimulante, uma estranha relação guiada por artista e obra, onde ela o vê não como seu filho, mas como um corpo a ser usado como argila para moldar seus desejos artísticos.
O protagonista parece confuso sobre sua sexualidade, masturbando-se com pornografia gay uma noite enquanto se entrega a um encontro com uma colega de classe (Antonella Ferrari) que termina em constrangimento quando ele não consegue ser excitado por seu toque feminino, em outra.
David é excelentemente interpretado pelo novato Mauricio Di Yorio, de 18 anos, que nunca havia atuado antes de assumir esse papel. Ele dá uma performance muito sutil e bem trabalhada, refletindo com precisão a insegurança desajeitada que a maioria dos homens de sua idade sente.
O longa tem um tom frio e escuro, e muitas vezes é filmado em sombras. A atmosfera deve muito à iluminação soturna do diretor de fotografia Adolpho Veloso e a corrente de suspense geralmente inquietante é trazida à vida pela excelente trilha sonora do compositor Ezequiel Flehner. Enquanto refletimos qual o limite da arte, constantemente sentimos que algo ruim está prestes a acontecer.
A estreia na direção de Billy Porter é uma história moderna de amadurecimento sobre o último ano de uma garota trans no ensino médio. Tudo é Possível segue Kelsa (Eva Reign), uma colegial confiante com um grupo sólido de amigos, uma mãe solidária (Renee Elise Goldsberry), um ódio pela palavra "corajosa" e uma paixão por qualquer coisa relacionada a animais.
Na esperança de eventualmente encontrar um emprego em fotografia da vida selvagem, primeiro ela precisa navegar pela situação complicada que é seu último ano no ensino médio. Uma garota trans, Kelsa sente que gênero é tudo o que alguém vê quando olha para ela e quer mostrar ao mundo que ela é mais do que apenas isso.
Quando conhecemos a personagem principal, ela está criando um de seus muitos vídeos no YouTube onde fala sobre sua vida como uma pessoa trans. Através do diálogo com sua mãe solteira, seus amigos e seu interesse amoroso imediato Khal(Abubkar Ali), montamos o quebra-cabeça de sua jornada trans até agora; não foi um passeio fácil.
Infelizmente, quando Kelsa começa a namorar Khal, isso abre uma fenda em sua escola, pois os amigos de ambas as partes envolvidas mostram seus verdadeiros sentimentos. É uma lufada de ar fresco, então, que este filme cruze nossos caminhos e celebre a trajetória ruidosa de uma jovem trans em uma escola secundária dos EUA.
Tudo é Possível é fofo, otimista e o romance é crível, assim como a relação do casal com seus pais e familiares, mas também tem seus momentos de drama. Um momento vê Kelsa expulsa dos vestiários femininos devido a "preocupações", enquanto outro vê Khal entrar em uma briga com um amigo por suas próprias inseguranças. Os pontos da história não são revolucionários, mas destacam os egos das pessoas que não querem ser feridos quando algo muda em suas vidas.
Aceitar a si mesmo e aqueles ao seu redor não é algo que vem naturalmente para qualquer um, mas Tudo é Possível atinge as maiores complexidades de ser uma mulher transgênero que também é negra. Sob o olhar brincalhão de Billy Porter, o elenco tem espaço para se divertir com o roteiro e trazer um nível de ternura para os mais emocionais e batidas vulneráveis também.
No começo dos anos 2000, o realizador francês François Ozon mostrou sua devoção pelo mestre do Novo Cinema Alemão, Rainer W. Fassbinder, adaptando Gotas D’Água em Pedras Escaldantes, uma de suas peças nunca encenadas. Desta vez, Ozon celebra Fassbinder em uma versão livre de As Lágrimas Amargas de Petra Von Kant(1972), que funde a essência dos dois artistas.
O filme de Fassbinder se passa inteiramente no apartamento de uma estilista que tem um relacionamento emocionalmente abusivo com sua assistente, e então concebe um amor louco e desesperado por uma bela jovem que a trai abertamente. Ozon faz alguns desses personagens homens, mas apenas alguns deles.
Ao trocar o gênero e a profissão do protagonista, de estilista para cineasta, Ozon e o ator Denis Menochet, em uma performance tour de force, personificam o próprio Fassbinder, inclusive em maneirismos e compulsões. Peter von Kant é uma criatura fascinante e excêntrica, um homem condenado à autodestruição por sua próprio egocentrismo melancólico.
Em Colônia, da década de 1970, o filme abre com Karl (Stéfan Crépon), o assistente submisso e humilhado de Peter Von Kant. Ambos coexistem em uma espécie de unidade complementar no microcosmo ornamentado que é o apartamento, praticamente a única locação do filme. Karl atende tudo e absolutamente tudo o que seu mestre manda.
Assim como na primeira versão, a dinâmica que crepita sob esse cotidiano do assistente, se baseia em uma lógica sadomasoquista, aqui desprovida de sensualidade e que, no entanto, é impossível conceber de outra forma.
Um dia a atriz e cantora Sidonie, maravilhosamente interpretada por Isabelle Adjani, em alusão à Ingrid Caven, apresenta seu amigo Peter ao jovem Amir(Khalil Gharbia), por quem o diretor se apaixona e sucumbe.
Amir, o inexperiente e tímido objeto de desejo, representa o reverso do perturbado Von Kant: um garoto atlético, sem instrução e órfão; banal e hedonista, mas faminto de ser, de existir na retina da lente, na memória coletiva. Von Kant promete o mundo a Amir, em troca de seu corpo e declara um amor histérico por ele.
Os dois se enredam, diante dos olhares indiscretos de Karl, em uma relação tórrida que oscila entre os papéis de pai-filho e mestre-aprendiz. O voraz Amir logo se rebela contra o status quo e condena o dominante Von Kant a uma espiral de loucura no meio da manhã. Cocaína e gim-tônica estão constantemente presentes, enquanto a delicadeza da câmera assiste, com recursos técnicos sofisticados, um desenvolvimento teatral, que possui belíssimos momentos musicais.
O jovem Amir, é uma alusão inconfundível a El Hedi Ben Salem, que não só interpretou o imigrante marroquino Ali, em O Medo Devora a Alma(1974), mas também foi amante e parceiro de Fassbinder. Hanna Schygulla, que vive a modelo Karin no original de 1972, por quem Petra von Kant se apaixona perdidamente, aparece aqui lindamente como a mãe do diretor-estrela.
Von Kant é sua própria obra, que substitui o mundo feminino e perucas por enormes cartazes POP, fotos e mais fotos, câmaras e reinterpreta aquela estética decadente dos tons dourados de Gustav Klimt por uma tonalidade dos vermelhos pop saturados de Pedro Almodóvar.
Seu apartamento é riquíssimo em detalhes, cobertos de obras de arte, pôsteres e uma mítica devoção à São Sebastião. Ele vive um estilo de vida barroco que combina com suas origens bávaras. Entre anjos de Caravaggio e sofás exuberantes ele cede aos seus vícios e luxúrias.
A dinâmica é definitivamente diferente agora que há homens e mulheres na tela: é menos claustrofóbico, embora igualmente teatral. Von Kant sussurra, delira, blasfema, ruge e uiva, rola sobre camas e sofás, bebe dia e noite e se enfurece em seus aposentos. Neste personagem, o gênio e a loucura não estão apenas intimamente relacionados, eles dançam juntos ao som das canções.
Os traços cômicos e paródicos de Von Kant logo se deformam para uma conjunção autodestrutiva, uma histeria de copos contra a parede e destruição de móveis que nem mesmo a visita de sua filha (Aminthe Audiard), uma adolescente caricatural, nem a da própria mãe podem parar.
Peter Von Kant ama a vida e o amor, e sofre de ambos igualmente. Assim como ele finge querer viver o amor como liberdade, ele se apega às pessoas ao seu redor. Ele desconta seu mau humor em Karl, uma presença impressionantemente encenada, usando apenas expressões faciais e gestos.
Com sua homenagem sempre divertida, François Ozon reverencia não só ao diretor alemão, mas também a cultura cinematográfica. Amantes do cinema vão adorar as inúmeras alusões à clássicos da história da sétima arte que percorrem o longa. Ao mesmo tempo, Peter Von Kant não é uma reverência cega à Fassbinder, mas um tributo irônico.
O musical é uma adaptação do curta-metragem vencedor do Oscar, Trevor, dirigido por Peggy Rajski, produzido por Randy Stone e escrito por Celeste Lecesne. Inspirou a organização sem fins lucrativos The Trevor Project, agora a mais importante organização mundial de prevenção de suicídio e saúde mental para jovens LGBTQIA+.
A demonstração cativante de coragem de Trevor(Holden Hagelberger) é capturada em cada momento do musical que dá vida à história de muitos adolescentes gays vítimas de bullying. Trevor tem treze anos e sonha em ser um artista. Ele está tentando terminar seu último ano do ensino médio e lidar com os valentões que o incomodam desde a infância.
A diversidade do elenco torna cada performance mais acessível e mantém sua atenção focada e investida em ambas as histórias que estão sendo contadas. O musical faz maravilhas como uma vitrine espetacular para as histórias LGBTQIA+.
Trevor: O Musical é edificante e empoderador que educa as pessoas sobre a importância da aceitação e da bondade. A peça segue a história de vida desse personagem, apresentando um elenco adolescente cativante e uma trilha animada inspirada em Diana Ross, que aparece em diversos momentos.
O filme pode oferecer mais do que apenas uma história sobre auto-aceitação e apoio. Ele faz isso de maneiras que aqueles que não estão familiarizados com o material de origem, ou com produções teatrais ao vivo, mantenham o interesse.
A obra não remexe em tristeza ou tragédia, mas celebra a coragem de Trevor e o impacto que seu ativismo de curta duração teve em sua escola. No final, como a mensagem é esperança para uma comunidade mais ampla de estudantes, ela alcança um equilíbrio eficaz entre pedir ação e mostrar os efeitos positivos de não desistir.
Feast
2.5 2Uma mulher de jaleco branco entra no quadro com algumas caixas, das quais ela tira todos os tipos de objetos diferentes. Ela nos presenteia com um saco de nozes, latas de Coca-Cola e copos de drink, mas também drogas pesadas e vários tipos de dildos. Com cara séria ela mostra tudo. Estes são os objetos encontrados na cena do crime, onde vários homens foram deliberadamente injetados com sangue infectado com HIV. Em Feast, o diretor Tim Leyendekker mergulha nesse caso controverso que foi amplamente noticiado, na Europa, em 2007.
Naquele ano, três homens foram acusados de drogar, agredir e infectar vários homens com HIV durante as festas de sexo que organizavam. Tornou-se um processo controverso sobre o qual toda a Holanda tinha uma opinião. Os perpetradores foram retratados como monstros, mas as pessoas também tinham dúvidas sobre a inocência das vítimas. O que eles realmente faziam nessas festas? E eles mesmos não estavam cientes do modo como se expunham?
Leyendekker ficou fascinado com a história e decidiu investigar os diferentes aspectos do caso. Feast não é um documentário, mas uma reconstrução excêntrica com um toque experimental: o filme aborda questões filosóficas, reconstrói cenas, e dá-lhes, sempre, uma pitada estranha, e até permite que uma bióloga de plantas fale sobre tulipas infectadas.
Esses diferentes capítulos são intercalados com imagens ampliadas de pele, fotos sóbrias de estradas rurais (quase) desertas e lapsos de tempo artísticos. O conjunto forma uma colagem de interpretações de um crime multifacetado.
Feast é construído em um cenário forte que o atrai completamente para a história. Em algumas cenas não fica claro se os falantes estão seguindo um roteiro ou improvisando, enquanto outras partes recebem um tom teatral. O diretor deixa seus personagens filosofarem sobre o amor, viver juntos e voltar para casa, mas também confronta os supostos perpetradores e as vítimas, sejam elas culpadas ou não.
Em Feast, o sexo e o poder estão muito presentes, mesmo que de maneira invisível, mas a narrativa de poder é mais complexa e, portanto, mais interessante. Ainda assim, o filme ocasionalmente flutua entre seus múltiplos pontos de vista.
A verdade é fluida, mostra Leyendekker em seu filme, e você nunca a entenderá completamente. Embora possa parecer óbvio neste caso quem está certo e errado, isso não significa que as questões que o evento levanta devem ser ignoradas. O filme dá muito espaço para isso e propõe uma profunda reflexão sobre conviver com HIV.
The Schoolmaster Games
2.6 3Bem-vindos à Escola para Homossexuais St. Sebastian onde a cultura LGBTQIA+ faz parte do currículo e dar pinta é uma atividade extra. Este é um lugar fantástico. Nas cenas de abertura, os alunos fumam maconha, dão uns amassos com os namorados, se entregam à moda não-binária e andam de skate pelos corredores.
O filme sueco, de Ylva Former, baseado no romance de Kristofer Folkhammar, tem muitos conceitos intelectualmente desafiadores. O uso da teoria crítica é evidente e a homossexualidade masculina é a norma.
As aulas de Educação Física são todas de dança, ginástica e luta livre que estão mais perto de abraçar. Mas o foco de sua atividade é preparar sua tese de final de ano enquanto competem para liderar a Procissão de Inverno, uma mistura de baile e regresso à casa.
Há o bem vestido e rigoroso professor Magister (Johan Ehn), que tem um relacionamento secreto de BDSM com, o Adonis de cabelos dourados da escola, Charles (Christian Arnold), mas sai mais ou menos devastando quando um trauma de seu passado é lembrado.
Há o zelador Frank (Jani Blom), que atinge uma obsessão doentia pelo Mestre, e olha com amargura para a jovem geração de gays que tem condições completamente diferentes da sua.
São os dois casais Paul (Johan Charles) e Noak (Nino Forss) e Tim (Simon Kling) e Fred (Joel Valois), que compõem o grupinho descolado da escola, mas começam a se dividir pela competição interna, que começa antes da Procissão de Inverno.
E há também o batedor de carteiras Chad (Elis Monteverde Burrau), que atua como uma espécie de símbolo para que hierarquias e mecanismos opressores surjam mesmo nos ambientes supostamente mais abertos e acolhedores.
Os tópicos que eles escolhem para suas apresentações finais são um catálogo de estudos LGBTQIA+, por exemplo, Noções de Irmandade expressas em Filmes de Bromance Contemporâneos ou Cultura Gay Underground na década de 1950. Na preparação para isso, eles debatem a natureza da solidão e do erotismo, as limitações e exigências da amizade e do casamento como ferramentas para reduzir o trabalho emocional. É uma miscelânea de Estudos Culturais.
Mais dramaticamente rica é a crítica criada pelo arco da história. Há um contraponto feito entre as duas gerações. Há os professores, que sofreram homofobia e vergonha enquanto cresciam, lutando para criar espaços gays seguros. Depois, há os jovens que agora conseguem ser eles mesmos nesses espaços.
Os professores, tendo vivenciado a ‘união da opressão’, descobrem que o que eles criaram é o inferno porque são dinossauros que não são bem-vindos nesses novos espaços. Enquanto os jovens agora se veem forçados a competir com seus pares sobre quem recebe atenção e validação social.
Camila Sairá Esta Noite
3.3 2Escrito e dirigido por Inés María Barrionuevo, co-escrito por Andrés Aloi, em Camila Sairá Esta Noite, quando sua avó fica gravemente doente, Camila(Nina Dziembrowski), é forçada a se mudar para Buenos Aires, deixando para trás uma escola pública liberal de ensino médio para uma instituição privada tradicional.
Fazer um filme sobre adolescentes que um público mais amplo possa desfrutar não é uma tarefa fácil, mas o longa está à altura desse desafio. Ele consegue capturar de forma impressionante a juventude de sua história sem sobrecarregar o tom, mantendo uma atmosfera convincente e sincera.
A paleta recai mais sobre tons pastéis e suaves, mantendo o visual aterrado. Ele se move de maneira reflexiva. Inés María Barrionuevo adiciona uma sensação de mistério quase ao fundo, há mais nessa história do que apenas o que vemos. Ela tem um estilo habilidoso em sua direção, é apaixonante do início ao fim.
A diretora não gasta tempo tropeçando em si mesmo para trazer à tona a orientação sexual de Camila, simplesmente combina naturalmente com a história. Bem construída, a personagem é muito agradável de assistir, inteligente e experiente, mas também vulnerável e curiosa.
Nina Dziembrowski traz uma personalidade grande, mas fundamentada para Camila, ela é extrovertida, mas não arrogante. Ela tem a certa qualidade imprudente da juventude, mas é confiante e socialmente consciente, recusando-se a se curvar aos modos patriarcais e antiquados de sua nova escola.
Ela está cercada por um grupo de grandes personagens, ela tem uma química excelente com seu interesse amoroso, bem como os novos amigos que ela faz. Adriana Ferrer também é ótima como mãe, não se envolve muito, o foco é muito em Camila, mas os poucos momentos que elas têm são genuinamente tocantes. Ela traz uma emoção sincera, além de explorar como os pais podem tentar esconder sua luta dos filhos.
Do conflito mãe-filha aos tormentos das primeiras emoções amorosas, a história é constantemente alimentada com uma encenação ao serviço das suas personagens, as questões sociais do seu tempo num ímpeto tão excitante quanto sutil neste retrato de uma juventude argentina.
Camila Sairá Esta Noite é um excelente exemplo de como contar uma história adolescente, mergulhada nas questões sociais da juventude. É filmado com um estilo impressionantemente atraente que prende sua atenção do início ao fim. É emocional, político, romântico e encantador.
¡Corten!
3.0 2Marc Ferrer apresenta uma homenagem irreverente ao mítico giallo italiano, especialmente o cinema de Darío Argento com ¡Corten. O diretor explora esse gênero através de uma abordagem que extrai sua força do absurdo e com um sentimento underground. Portanto, poderia ser classificado, em diversas ocasiões, como uma constante paródia. Com isso, a história não busca uma lógica avassaladora, ou uma reflexão profunda, mas ser uma vitrine de pura comédia e nonsense
Marcos, interpretado pelo próprio Ferrer, é um diretor de cinema mal sucedido, que está imerso nas filmagens de seu novo filme, um queer giallo, quando uma série de assassinatos terríveis começa a acontecer em Barcelona, e todos eles parecem ser rastreados até ele.
¡Corten! combina gêneros tão distantes quanto terror e comédia, sobre um diretor vampirizado pelo cinema que, apesar de desprezado por causa de seus filmes, precisa continuar fazendo-os para viver. Seu último projeto é um queer giallo e como ele sinceramente diz ao apresentador em um talk show se um ator é ruim, isso é simplesmente ruim, mas se todos os atores de um filme são ruins, isso é estilo.
Marcos logo tem problemas maiores do que a probabilidade de seu próximo filme fracassar. Um giallo da vida real está ocorrendo em Barcelona - uma série de assassinatos cometidos por uma figura de luvas pretas - e as vítimas são todas as pessoas com quem Marcos esteve recentemente em contato.
¡Corten! tem tudo a ver com estilo, desde as mini persianas rosa choque no escritório de Marcos até o enquadramento simétrico do superintendente de polícia e a estranha coleção de coisas em sua mesa. As convenções de Giallo estão por toda parte, tanto no filme que Marcos está fazendo, quanto no “mundo real” do filme que Ferrer está fazendo. Várias performances de drag estão incluídas.
O melhor de ¡Corten! é o elenco pois sem eles grande parte da produção não se sustentaria. Para começar, a icônica drag espanhola, La Prohibida faz um trabalho espetacular, um exercício de rir de si mesma e do conceito de diva, que une a essência da vítima dos giallos italianos.
Por outro lado, Samantha Hudson demonstra por que ela é um fenômeno em seu país, já que, com poucas cenas, sua personalidade característica é facilmente percebida. Ela protagoniza um dos grandes e debochados momentos do filme ao interpretar a impagável canção Por España!.
¡Corten! não pretende ser um filme que preste atenção aos detalhes e tenha um acabamento profissional, mas é o mais trash possível, regozijando-se no subversivo e imundo mundo de John Waters, como marca registrada. Deve-se valorizar que mantenham essa linha
O absurdo das mortes e como é abordado pela equipe técnica é um incentivo para os amantes dessas produções, mas poderia até ter dado um passo além, como é o caso dos efeitos com ketchup e sêmen falso.
¡Corten! é uma produção que parodia e homenageia o giallo que tem como bandeira o baixo orçamento. Portanto, o underground navega ao longo do filme. Não há necessidade de buscar maior compreensão e puramente se divertir. Uma série de assassinatos envoltos em um filme underground e trash, conseguindo saber rir de si mesmo.
A Rainha
3.9 5Décadas antes de RuPaul's Drag Race e Paris Is Burning (1990), e um ano antes de Stonewall, este documentário de 1968 deu à maioria do público seu primeiro olhar sobre a cultura drag. Tendo como pano de fundo o concurso de beleza Miss All-America Camp, de 1967, The Queen foi um dos primeiros filmes a se concentrar em uma subcultura retratando uma competição.
A abordagem improvisada do diretor Frank Simon, apresenta pela primeira vez Jack Doroshow, o experiente artista drag que organizou a competição e a conduz sob o nome de Flawless Sabrina. Em suas próprias palavras, Sabrina é “toda essa coisa de mãe de bar mitzvah.”
À medida que avançam em direção ao grande evento, até o mais mundano dos homens se transforma em uma bela mulher com a ajuda de uma peruca, maquiagem, um vestido e a ajuda de suas colegas concorrentes. A maioria das drag queens são cativantes e solidárias até que a vencedora seja coroada, momento em que Crystal LaBeija, fundadora da lendária House of LaBeija, pula em Doroshow, alegando que a coisa toda foi armada.
Miss Crystal, uma esplêndida criatura hispânica que explode de frustração e raiva quando descobre que a competição lhe escapou. Mas todos os outros artistas também têm sua capital de simpatia, jovens homossexuais das ruas de Nova York, das áreas nobres da Costa Leste reunidos em Manhattan para um concurso de drag queens. O diretor Frank Simon os deixa falar sobre suas histórias, suas relações com seus pais, seus amores, seus sonhos e seus sofrimentos.
A presença tranquilizadora da Flawless Sabrina, que os protege como uma verdadeira mãe, é um dos elementos mais comoventes do filme. Antes de brilhar temporariamente no palco do teatro um tanto decadente alugado para a competição, suas jornadas foram obviamente duras e atormentadas: jogadas na rua por suas famílias, excluídas de suas faculdades ou demitidas de seus empregos, elas encontram na comunidade drag a liberdade de identidade que lhes faltava.
The Queen é uma cápsula do tempo um registro da cena drag quando o cross-dressing fora do palco ainda era ilegal em Nova York. De fato, Doroshow foi preso enquanto promovia o filme na Times Square. A maioria dos verdadeiros shows de drag eram realizados em bares gays em bairros afastados em grandes cidades como Nova York, São Francisco, Chicago e Atlanta, que se tornaram centros gays.
Foi considerado um avanço em 1967 que Doroshow reservou um local importante, a Prefeitura de Nova York, para sua competição. Ele pode ter se safado porque o evento foi anunciado como "um acontecimento satírico", com a venda de ingressos beneficiando a Associação de Distrofia Muscular.
As drag queens da década de 1960 modelaram seus looks quase inteiramente em velhas estrelas de Hollywood, com uma concorrente chamada Harlow. Mario Montez, estrela de Andy Warhol, um dos jurados, é nomeado pela exótica protagonista como Maria Montez, proporcionando entretenimento no show.
Depois de décadas do filme ficar fora de circulação, o roteirista e cineasta Shade Rupe chamou a atenção do vice-presidente sênior de Kino Lorber, Bret Wood. Sob um acordo com o co-produtor original do filme, Si Litvinoff, o distribuidor deu à The Queen uma restauração 4k usando o negativo original da câmera e o reeditou em cinemas selecionados.
A última parte de The Queen é inesquecível: Miss Crystal,
que acaba de perder a coroa para Miss Harlow e vê seu ego posto à prova, lança-se nos bastidores em uma cena digna de Bette Davis. Gritos, traições e ameaças irrompem na direção da extravagante organizadora da competição e da tímida vencedora, que o tomam por sua classificação em uma explosão de frustração épica. Cinco minutos infernais e hilariantes
Beira-Mar
2.7 454Dois jovens amigos, Martin (Mateus Almada) e Tomaz (Mauricio Barcellos), partem juntos de Porto Alegre, para Capão da Canoa, no litoral sul do país. É o lugar onde o avô de Martin morreu recentemente e onde ainda vivem os parentes que ele não vê há anos. Tomaz sabe que será um momento difícil para Martin, mas isso não significa que eles não possam se divertir também.
No entanto, enquanto a viagem é principalmente sobre Martin, Tomaz fica calado sobre uma parte de si mesmo, mas à medida que os dois adolescentes passam mais tempo juntos, a tensão sexual cresce a ponto de eles terem que confrontar se há apenas amizade entre eles.
Com sotaque gaúcho, o filme, dos diretores Filipe Matzembacher e Marcio Reolon, se interessa pelas silenciosas mudanças nos mundos emocionais dos dois jovens e adentra profundamente a esfera dos adolescentes.
Há uma naturalidade e espontaneidade entre Martin e Tomaz, sendo a obra um olhar bem estudado de duas pessoas que se conhecem extremamente bem, mas que estão crescendo e percebendo que estão mudando .
Quando eles chegam ao ponto em que o subtexto erótico começa a transbordar, é tratado com ternura e bastante sensualidade. De fato, há uma vantagem sexy em todo o filme, apresentando os jovens como seres sexualmente carregados que ainda precisam lidar com problemas sérios e adultos.
Esses becos emocionais sem saída estão lentamente se desfazendo. É uma época confusa, um jovem se aproximando da idade adulta. Perguntas começam a surgir, questões pessoais que podem nunca ter sido exploradas, pois todos se esforçam para se encaixar na norma social. Temas de inocência e identidade pessoal são abundantes em todo o longa.
O filme é um emocionante e cru coming-of-age. Desde o início, os diretores criam um rico tom atmosférico. Os longos olhares contemplativos de ambos os personagens principais são pontos focais inteligentes através dos quais o espectador pode se identificar.
Jogos de reflexões e silêncios sensíveis banhados no som de um mar onipresente, minimalismo, estética do frio, o frescor de uma interpretação não profissional oferecem a este primeiro longa-metragem, dos diretores do premiado Tinta Bruta(2018), um tratamento diferente dos filmes gays sobre amadurecimento.
O Perfeito David
2.7 4El Perfecto David é uma história de amadurecimento dos tempos modernos, tensa e poética. O filme reflete com precisão a transição de um jovem de 18 anos para a masculinidade, tentando se encaixar em seu novo mundo adulto, quando os objetivos de vida, sexualidade e relacionamentos geralmente ainda são um pouco vagos e, às vezes, estão indo na direção errada.
O roteirista e diretor argentino Felipe Gomez Aparicio, junto com Leandro Custo, se basearam em experiências pessoais para contar a história da busca de um jovem pelo corpo pleno,, com temas de perfeição, controle e codependência – questões que afetam muitos dos jovens de hoje.
Depois de terminar um treino, o jovem fisiculturista David (Mauricio di Yorio) relutantemente posa para sua mãe Juana (Umbra Colombo), uma artista plástica, e ela passa os dedos em seu peito e ombros, notando pontos de melhora. É um estranho momento de intimidade corporal que parece quase sexual, mas os exames de Juana no corpo de seu filho são tratados com um cálculo imparcial em seu olhar investigativo..
David é um jovem estudante e, embora já tenha um corpo bonito, não está satisfeito e é obsessivamente levado a ficar cada vez maior, preparando-se para uma competição de musculação. Ele é auxiliado e incentivado por sua mãe obsessiva, seu instrutor de ginástica e colegas fisiculturistas.
David tem uma relação muito próxima, quase estranha, com sua mãe artista, Juana, que mede seus músculos todos os dias e observa seu progresso, empurrando-o para ficar cada vez maior – a clássica mãe insistente que busca o filho perfeito. Ela usa moldes de gesso do corpo de David para criar esculturas.
O comportamento de Juana não tem filtro - suas mãos se demorando nos músculos do filho, um pouco mais do que o necessário durante sua medição diária dele, e cenas íntimas como ela raspando suas axilas, aumentam a sensação geral de suspense.
Há uma história intrigante aqui sobre a obsessão descuidada de Juana em criar um corpo perfeito para David e as perigosas consequências de suas atividades artísticas – o impacto físico, mental e emocional na saúde e autoestima de David. Mesmo a relação entre os dois oferece uma dimensão psicológica estimulante, uma estranha relação guiada por artista e obra, onde ela o vê não como seu filho, mas como um corpo a ser usado como argila para moldar seus desejos artísticos.
O protagonista parece confuso sobre sua sexualidade, masturbando-se com pornografia gay uma noite enquanto se entrega a um encontro com uma colega de classe (Antonella Ferrari) que termina em constrangimento quando ele não consegue ser excitado por seu toque feminino, em outra.
David é excelentemente interpretado pelo novato Mauricio Di Yorio, de 18 anos, que nunca havia atuado antes de assumir esse papel. Ele dá uma performance muito sutil e bem trabalhada, refletindo com precisão a insegurança desajeitada que a maioria dos homens de sua idade sente.
O longa tem um tom frio e escuro, e muitas vezes é filmado em sombras. A atmosfera deve muito à iluminação soturna do diretor de fotografia Adolpho Veloso e a corrente de suspense geralmente inquietante é trazida à vida pela excelente trilha sonora do compositor Ezequiel Flehner. Enquanto refletimos qual o limite da arte, constantemente sentimos que algo ruim está prestes a acontecer.
Tudo é Possível
3.3 16 Assista AgoraA estreia na direção de Billy Porter é uma história moderna de amadurecimento sobre o último ano de uma garota trans no ensino médio. Tudo é Possível segue Kelsa (Eva Reign), uma colegial confiante com um grupo sólido de amigos, uma mãe solidária (Renee Elise Goldsberry), um ódio pela palavra "corajosa" e uma paixão por qualquer coisa relacionada a animais.
Na esperança de eventualmente encontrar um emprego em fotografia da vida selvagem, primeiro ela precisa navegar pela situação complicada que é seu último ano no ensino médio. Uma garota trans, Kelsa sente que gênero é tudo o que alguém vê quando olha para ela e quer mostrar ao mundo que ela é mais do que apenas isso.
Quando conhecemos a personagem principal, ela está criando um de seus muitos vídeos no YouTube onde fala sobre sua vida como uma pessoa trans. Através do diálogo com sua mãe solteira, seus amigos e seu interesse amoroso imediato Khal(Abubkar Ali), montamos o quebra-cabeça de sua jornada trans até agora; não foi um passeio fácil.
Infelizmente, quando Kelsa começa a namorar Khal, isso abre uma fenda em sua escola, pois os amigos de ambas as partes envolvidas mostram seus verdadeiros sentimentos. É uma lufada de ar fresco, então, que este filme cruze nossos caminhos e celebre a trajetória ruidosa de uma jovem trans em uma escola secundária dos EUA.
Tudo é Possível é fofo, otimista e o romance é crível, assim como a relação do casal com seus pais e familiares, mas também tem seus momentos de drama. Um momento vê Kelsa expulsa dos vestiários femininos devido a "preocupações", enquanto outro vê Khal entrar em uma briga com um amigo por suas próprias inseguranças. Os pontos da história não são revolucionários, mas destacam os egos das pessoas que não querem ser feridos quando algo muda em suas vidas.
Aceitar a si mesmo e aqueles ao seu redor não é algo que vem naturalmente para qualquer um, mas Tudo é Possível atinge as maiores complexidades de ser uma mulher transgênero que também é negra. Sob o olhar brincalhão de Billy Porter, o elenco tem espaço para se divertir com o roteiro e trazer um nível de ternura para os mais emocionais e batidas vulneráveis também.
Sangue
2.9 2cadastrado em 25/07/22.
You'll Never Be Alone
3.1 6Forte! Para quem gostou desse fica a dica do argentino Marilyn.
Shit & Champagne
3.0 2Uma bela homenagem ao papai John Waters.
Shit & Champagne
3.0 2Cadastrado em 24/07/22
Keith Haring: Street Art Boy
4.1 2Cadastrado em 23/07/22.
Beira-Mar
2.7 454senti um gostinho de Houve uma vez Dois Verões.
Não, porque me apaixono
2.8 2 Assista AgoraCadastrado em 22/07/22.
Galore
3.5 1Cadastrado em 20/07/22
¡Corten!
3.0 2Cadastrado em 19/07/22.
Dias Selvagens
3.8 72completei a trilogia no dia do aniversário do mestre.
Mía & Moi
3.0 1Cadastrado em 11/07/22.
Peter von Kant
3.2 20 Assista AgoraNo começo dos anos 2000, o realizador francês François Ozon mostrou sua devoção pelo mestre do Novo Cinema Alemão, Rainer W. Fassbinder, adaptando Gotas D’Água em Pedras Escaldantes, uma de suas peças nunca encenadas. Desta vez, Ozon celebra Fassbinder em uma versão livre de As Lágrimas Amargas de Petra Von Kant(1972), que funde a essência dos dois artistas.
O filme de Fassbinder se passa inteiramente no apartamento de uma estilista que tem um relacionamento emocionalmente abusivo com sua assistente, e então concebe um amor louco e desesperado por uma bela jovem que a trai abertamente. Ozon faz alguns desses personagens homens, mas apenas alguns deles.
Ao trocar o gênero e a profissão do protagonista, de estilista para cineasta, Ozon e o ator Denis Menochet, em uma performance tour de force, personificam o próprio Fassbinder, inclusive em maneirismos e compulsões. Peter von Kant é uma criatura fascinante e excêntrica, um homem condenado à autodestruição por sua próprio egocentrismo melancólico.
Em Colônia, da década de 1970, o filme abre com Karl (Stéfan Crépon), o assistente submisso e humilhado de Peter Von Kant. Ambos coexistem em uma espécie de unidade complementar no microcosmo ornamentado que é o apartamento, praticamente a única locação do filme. Karl atende tudo e absolutamente tudo o que seu mestre manda.
Assim como na primeira versão, a dinâmica que crepita sob esse cotidiano do assistente, se baseia em uma lógica sadomasoquista, aqui desprovida de sensualidade e que, no entanto, é impossível conceber de outra forma.
Um dia a atriz e cantora Sidonie, maravilhosamente interpretada por Isabelle Adjani, em alusão à Ingrid Caven, apresenta seu amigo Peter ao jovem Amir(Khalil Gharbia), por quem o diretor se apaixona e sucumbe.
Amir, o inexperiente e tímido objeto de desejo, representa o reverso do perturbado Von Kant: um garoto atlético, sem instrução e órfão; banal e hedonista, mas faminto de ser, de existir na retina da lente, na memória coletiva. Von Kant promete o mundo a Amir, em troca de seu corpo e declara um amor histérico por ele.
Os dois se enredam, diante dos olhares indiscretos de Karl, em uma relação tórrida que oscila entre os papéis de pai-filho e mestre-aprendiz. O voraz Amir logo se rebela contra o status quo e condena o dominante Von Kant a uma espiral de loucura no meio da manhã. Cocaína e gim-tônica estão constantemente presentes, enquanto a delicadeza da câmera assiste, com recursos técnicos sofisticados, um desenvolvimento teatral, que possui belíssimos momentos musicais.
O jovem Amir, é uma alusão inconfundível a El Hedi Ben Salem, que não só interpretou o imigrante marroquino Ali, em O Medo Devora a Alma(1974), mas também foi amante e parceiro de Fassbinder. Hanna Schygulla, que vive a modelo Karin no original de 1972, por quem Petra von Kant se apaixona perdidamente, aparece aqui lindamente como a mãe do diretor-estrela.
Von Kant é sua própria obra, que substitui o mundo feminino e perucas por enormes cartazes POP, fotos e mais fotos, câmaras e reinterpreta aquela estética decadente dos tons dourados de Gustav Klimt por uma tonalidade dos vermelhos pop saturados de Pedro Almodóvar.
Seu apartamento é riquíssimo em detalhes, cobertos de obras de arte, pôsteres e uma mítica devoção à São Sebastião. Ele vive um estilo de vida barroco que combina com suas origens bávaras. Entre anjos de Caravaggio e sofás exuberantes ele cede aos seus vícios e luxúrias.
A dinâmica é definitivamente diferente agora que há homens e mulheres na tela: é menos claustrofóbico, embora igualmente teatral. Von Kant sussurra, delira, blasfema, ruge e uiva, rola sobre camas e sofás, bebe dia e noite e se enfurece em seus aposentos. Neste personagem, o gênio e a loucura não estão apenas intimamente relacionados, eles dançam juntos ao som das canções.
Os traços cômicos e paródicos de Von Kant logo se deformam para uma conjunção autodestrutiva, uma histeria de copos contra a parede e destruição de móveis que nem mesmo a visita de sua filha (Aminthe Audiard), uma adolescente caricatural, nem a da própria mãe podem parar.
Peter Von Kant ama a vida e o amor, e sofre de ambos igualmente. Assim como ele finge querer viver o amor como liberdade, ele se apega às pessoas ao seu redor. Ele desconta seu mau humor em Karl, uma presença impressionantemente encenada, usando apenas expressões faciais e gestos.
Com sua homenagem sempre divertida, François Ozon reverencia não só ao diretor alemão, mas também a cultura cinematográfica. Amantes do cinema vão adorar as inúmeras alusões à clássicos da história da sétima arte que percorrem o longa. Ao mesmo tempo, Peter Von Kant não é uma reverência cega à Fassbinder, mas um tributo irônico.
Pequena Solange
2.3 3 Assista AgoraCadastrado em 01/07/22
Trevor: O Musical
2.8 3 Assista AgoraO musical é uma adaptação do curta-metragem vencedor do Oscar, Trevor, dirigido por Peggy Rajski, produzido por Randy Stone e escrito por Celeste Lecesne. Inspirou a organização sem fins lucrativos The Trevor Project, agora a mais importante organização mundial de prevenção de suicídio e saúde mental para jovens LGBTQIA+.
A demonstração cativante de coragem de Trevor(Holden Hagelberger) é capturada em cada momento do musical que dá vida à história de muitos adolescentes gays vítimas de bullying. Trevor tem treze anos e sonha em ser um artista. Ele está tentando terminar seu último ano do ensino médio e lidar com os valentões que o incomodam desde a infância.
A diversidade do elenco torna cada performance mais acessível e mantém sua atenção focada e investida em ambas as histórias que estão sendo contadas. O musical faz maravilhas como uma vitrine espetacular para as histórias LGBTQIA+.
Trevor: O Musical é edificante e empoderador que educa as pessoas sobre a importância da aceitação e da bondade. A peça segue a história de vida desse personagem, apresentando um elenco adolescente cativante e uma trilha animada inspirada em Diana Ross, que aparece em diversos momentos.
O filme pode oferecer mais do que apenas uma história sobre auto-aceitação e apoio. Ele faz isso de maneiras que aqueles que não estão familiarizados com o material de origem, ou com produções teatrais ao vivo, mantenham o interesse.
A obra não remexe em tristeza ou tragédia, mas celebra a coragem de Trevor e o impacto que seu ativismo de curta duração teve em sua escola. No final, como a mensagem é esperança para uma comunidade mais ampla de estudantes, ela alcança um equilíbrio eficaz entre pedir ação e mostrar os efeitos positivos de não desistir.
As Filhas do Fogo
2.5 25Chegando no catálogo da Mubi.
Learn to Swim
2.5 1Cadastrado em 21/06/22.