Uma história verídica completamente incrível como o cinema tanto preza, mas também uma obra de superação através do esporte, bem como uma ode à amizade e, por fim, ao encontro de duas grandes atrizes americanas. A dupla é magnífica e nos mostra com precisão e humanidade o que é ser amigo há décadas e essa é a grande vantagem de um filme de sucesso. Sem esquecer Rhys Ifans, muito bom no papel do sensato capitão do barco. Somos, informados do feito extraordinário e nunca antes visto da nadadora profissional Diana Nyad, que posteriormente se tornou jornalista desportiva. Com mais de sessenta anos, em 2011, ela decidiu tentar nadar novamente de Key West na Flórida a Cuba depois de ter falhado na década de 1970. São 165 km e desta vez sem gaiola de tubarão e sem qualquer ajuda, exceto a do corpo e da mente. Além deste desafio incrível, e mesmo que tenha que tentar novamente várias vezes, aqui perfeitamente transcrito, pintamos também o retrato de uma mulher teimosa, de caráter e da sua amizade inabalável com a sua fiel parceira de toda a vida que se tornará a sua treinadora nesta aventura. O único problema que podemos ver em sua narração vem de flashbacks estranhos inseridos com muita frequência durante os momentos de natação. Talvez com a intenção de ventilar estas sequências no mar ou de dar substância adicional a Diana Nyad, evocando um momento doloroso do seu passado, elas acabam por se revelar apenas pesadas e irrelevantes. Deixando isso de lado, “Nyad” é conduzido rapidamente com uma bela noção de ritmo e tensão. Cada travessia de Nyad leva-nos à coragem para saber se terá sucesso ou não (para quem não sabe o resultado deste desafio). "Nyad" se apresenta inicialmente como uma história de coragem, auto-sacrifício, perseverança, mas também de amizade. Como ela mesma diz, é um esforço de equipe com Bonnie, sua melhor amiga, que cuidou dela e a levou ao seu limite, mas também com todos que participaram dessa jornada maluca. Provavelmente você também tem que ser um pouco maluco e gostar de sofrer para fazer isso consigo mesmo, pois essa luta contra a mãe natureza não é fácil com as condições climáticas, mas também com tudo que povoa as águas a ponto de tornar esse ambiente hostil. “Nyad” também poderia ter funcionado tão bem como documentário, já que a história também é técnica. Não se trata de um simples esforço físico, mas de uma preparação cuidadosa em todos os níveis. Devo admitir que as diferentes tentativas estragam um pouco a experiência. A sensação de descoberta e sobretudo a adrenalina vão diminuindo gradativamente. É como ver a mesma repetição de um movimento até que seja executado com perfeição, à medida que toda a equipe melhora e o equipamento. De qualquer forma, é um conto formidável que merece ser contada graças à autorrealização e superação que se apresenta.
Conhecer o significado do título original, "May December", não é absolutamente essencial quando se caminha para a exibição deste filme, mas, inegavelmente, ainda traz uma curiosidade: Nos Estados Unidos, esta expressão é usada para descrever um relacionamento amoroso entre duas pessoas de idades muito diferentes. A idade do mais novo é equiparada ao mês de maio, em plena primavera, enquanto a do mais velho é equiparada a dezembro, último mês do ano, aquele que marca a chegada do inverno. "Segredos de um Escândalo" se apresenta com seus maiores pontos fortes, desvendando temas de trauma, desenvolvimento interrompido, manipulação, exploração, verdade e empatia. Esta é a chave para o que faz funcionar como uma história humana antes de ser uma análise. É uma história surpreendentemente sombria e agourenta, deixando muito pouco espaço para qualquer alegria depois que os créditos rolam. Mesmo os momentos que deveriam representar os mais felizes da vida de qualquer pessoa são prejudicados pelo horror coletivo dos acontecimentos passados. Isso é obviamente intencional, já que a realidade do que aconteceu com Joe lentamente se infiltra na mente do espectador na mesma proporção que penetra na dele. Deste ângulo, Segredos de um Escândalo encontra os suas maiores virtudes, pois procura ir além das conversas completamente unilaterais para mergulhar na mentalidade de alguém que viu estas circunstâncias trágicas como completamente normais durante a maior parte da sua vida. Tudo isso é contado de maneira brilhante por meio de comentários sobre a indústria que encantou esse estilo de vida por tanto tempo. O estudo psicológico dos personagens é convincente e as revelações sobre a personalidade de Gracie que chegam aos poucos prendem a atenção e mantêm o mistério. Vamos arranhando sua personalidade aos poucos e como a personagem é fascinante, o interesse do espectador é sempre alimentado. E os jogos de espelhos entre as duas atrizes (no filme) são admiravelmente bem prestados. Descobrimos então essa história mergulhando na preparação de um papel delicado com Elizabeth, que tenta apontar a “verdade” para melhor encarnar Gracie. Uma atriz que leva seu trabalho a sério com uma espécie de mimetismo perturbador que toma conta de uma situação obscura. O personagem de Portman irradia má-fé. Uma figura camaleônica cujas verdadeiras emoções são impossíveis de ler. Acabamos nos perguntando até onde isso pode chegar. Além do lado doentio da história, existe um contraste interessante entre a imagem da família perfeita e a origem imoral desta relação. Isso resulta em um estudo de personagem complexo e ambíguo, com um desenvolvimento de personagem à medida que Elizabeth se aprofunda cada vez mais em seu compromisso. Mas cada momento incrivelmente angustiante deste filme mostra que não há uma resposta simples sobre como alguém pode contar uma história como essa para a tela. Com o realizador optando por enquadrar isso através de uma história sobre uma atriz tentando estabelecer uma grande inovação ao contar uma história inspirada no caso de Mary Kay Letourneau para a tela, parece que fomos levados a entender como a indústria do entretenimento apenas alimentaria os tablóides e especulação a ponto de ultrapassar uma fronteira ética. E é aí que talvez reside o brilho de Segredos de um Escândalo, não é saber a resposta, mas mostrar quão pouco podemos realmente saber sobre o que realmente está acontecendo nos bastidores.
"Alguns viram isso como uma tragédia, outros, um milagre." Trinta anos depois de “Alive” com Ethan Hawke, que não foi o primeiro, porém a mais conhecida adaptação, é a vez do realizador espanhol Juan Antonio Bayona abordar uma das histórias de sobrevivência mais insanas do nosso tempo, a dos sobreviventes dos Andes. Uma nova adaptação que pretende estar ainda mais próxima da realidade e começa com o casting que aqui é muito mais coerente do que na versão americana. Proposta da Espanha para a cerimônia do Oscar de 2024, o filme retrata essa incrível história com muita modéstia e muito respeito. Não há voyeurismo mórbido, apesar do que são forçados a fazer, e não há tensão ou argumento para criar drama. Com os personagens com nomes reais, esta é uma verdadeira homenagem às vítimas e sobreviventes. Uma história de coragem, resiliência e solidariedade para um filme comovente, notavelmente corporificado e visualmente impressionante, sejam as cenas de desastre ou a beleza das paisagens naturais. “Uma história extraordinária que envolve pessoas comuns”. Não heróis, mas seres de carne e osso, confrontados com a escolha do canibalismo. Se as cenas do acidente e das avalanches são de tirar o fôlego, é mais pela resistência, pelo sofrimento e pelo pacto entre os vivos, com a aquiescência implícita dos mortos, que dão alma a um filme que redefine os contornos dos filmes de sobrevivência com uma dimensão visceral. Ninguém além dos seus atores saberão o que realmente aconteceu lá naquela montanha, mas A Sociedade da Neve soube, sem dúvida, chegar o mais perto possível da verdade, com igual uso de virtuosismo e sobriedade, auxiliado por uma trupe de atores notáveis, mais envolvente do que isso é difícil. Em última análise, é uma homenagem comovente a essas pessoas que viveram o inferno na neve por quase 3 meses, e àquelas que infelizmente não sobreviveram. Este filme enfatiza o lado humano e exala realismo. Quando sabemos que eles filmaram no local real do acidente, isso adiciona um lado comovente ao trabalho que causa arrepios na espinha (sem trocadilhos). Não é entretenimento para todos, mas definitivamente vale a pena dar uma olhada, pois deixa uma impressão duradoura e transcreve essa história de maneira excelente. O ano de 2024 está começando de forma magnífica.
O talento de Malick como contador de histórias revela toda a sua prudência e magnificência neste trabalho de candura lírica infinitamente formidável sob o pretexto de um filme de guerra. Aqui o realizador explora o ser humano e a sua natureza, confrontado com uma violência totalmente aberrante num cenário paradisíaco. Sem deixar de oferecer uma cena de batalha incrivelmente comovente, claramente não é isso que lhe interessa, preferindo o diretor deter-se nos momentos de latência, aqueles antes e depois da batalha, colocando os personagens de volta às suas questões. É esta forma de confundir o contraste de tudo isto com o horror da guerra que chama a atenção porque leva o gênero para além de tudo o que já vimos. A verdadeira força do filme de Malick é abordar a guerra e a sua loucura de uma forma comovente e acima de tudo não se deter num simples conflito entre os EUA e o Japão, mas mostrar-nos o horror da guerra contra a natureza. Não existe algo para lisonjear o ego de ninguém, mas retrata a humanidade, as suas escolhas, a sua natureza e até a sua consciência. Obviamente, você não fica entediado, é cativante e fascinante do começo ao fim. Malick filma a guerra da forma mais sublime possível, usando suntuosos planos de rastreamento e uma câmera próxima ao chão que nos faz sentir como se estivéssemos rastejando ao lado dos soldados na grama alta. Para um filme de guerra, ele se desenvolve bem lentamente, mas eu simplesmente aproveitei por quase 3 horas, que passaram muito rapidamente. Toda a primeira hora é cheia de tensão, apresentando-nos personagens muito variados. A diversidade das personalidades dos soldados e a qualidade do elenco são surpreendentes. Cada personagem tem uma reação diferente à guerra, e cada um é representado por um grande ator. A narração nos permite identificar muitos soldados, incluindo o idealista Jim Caviezel, o excelente Sean Penn e outros atores comoventes como John Cusack, Ben Chaplin, Adrien Brody e Nick Nolte. A natureza é sublimada pela câmera, com suas cenas sublimes e longos movimentos de câmera. O contraste entre o talho que se prepara e a calmaria reconfortante da esplêndida vegetação é comovente, acrescentando a quantidade certa de poesia a esta obra contemplativa. O que poderia ser melhor do que a música de Hanz Zimmer para acompanhar esta trágica odisseia. Malick quer nos mostrar a loucura dos homens e a destruição da natureza que ela causa, o que ele mostrará mais à frente. Além da Linha Vermelha é, portanto, uma prequela filosófica com poesia onde menos esperávamos.
Uma radiografia de um fenômeno social que se destaca certamente pela sua originalidade de oferecer um filme de antecipação sobre o homem e a tecnologia, na verdade digo "antecipação" mas isso já não é justo pois a nossa sociedade já está ancorada naquilo que o filme nos mostra, a sua inteligência e a delicadeza da sua observação conduzem à trágica história de um homem solitário. A solidão é o futuro das grandes cidades, e o drama antecipatório que o realizador oferece aproveitando esta brilhante drama para oferecer uma obra comovente, engraçada e acima de tudo engenhosa. Interpretado habilmente por Joaquin Phoenix, o seu personagem Theodore Twombly é um herói fácil de identificar. Carismático, culto, estético e ainda assim está sozinho. As fortes atuações de Amy Adams, Olivia Wilde e Scarlett Johansson, que apenas concede sua voz ao programa de computador pelo qual Theodore se apaixona, também contribuem para a força do longa-metragem, que regularmente transita do humor para o drama. São notáveis as curtas aparições das duas primeiras, enquanto Johansson empresta sua voz única a Samantha, cujo olhar ingênuo. Uma voz sexy e vibrante. "Ela" é um filme romântico, mas evita as armadilhas mais recorrentes do gênero, o que o torna imprevisível, estranho mas revelador das falhas atuais de uma sociedade. O final é desconcertante, pois o seu âmbito filosófico excede o seu âmbito dramático. Um dos filmes mais notáveis de 2013 e 2014. A sua delicadeza, o talento dos seus intérpretes e a força das suas emoções tornam-no essencial, e sem estas poucas redundâncias que afetam o último terço do filme. É uma fábula colorida, cuidadosa e antecipatória, tão perspicaz que se torna flagrantemente realista e até pessimista. “Ela” se tornou um marco, isso é certo. Comovente, inteligente e sutil, este filme nos faz vivenciar uma verdadeira montanha-russa emocional: passamos do riso às emoções em um instante, e o apego aos personagens é quase instantâneo. Um filme de alcance universal que nos dá uma boa dose de sinceridade e também uma certa reflexão filosófica sobre as relações amorosas.
5ª e última parcela da saga “Planeta dos Macacos”. A história se passa alguns anos depois da revolta dos macacos que se libertaram da escravidão humana e depois da guerra nuclear que destruiu parte da humanidade. Depois de libertar os macacos, César construiu sua própria comunidade. Sempre pacífico, ele tenta fazer com que os macacos e os sobreviventes humanos coexistam. Mas o General Aldo não vê as coisas dessa forma e gostaria de exterminar os humanos. Logo surge outra ameaça: humanos mutantes devido à radioatividade nuclear querendo exterminar definitivamente os macacos. A batalha parece inevitável. Uma batalha crucial no futuro dos macacos e dos humanos que poderá fazer com que César mude definitivamente o seu ponto de vista em relação aos homens. Esta 5ª parte não é nada má no geral e conclui bastante bem a saga. O orçamento parece ter diminuído porque ainda sentimos falta de recursos em relação às outras obras, principalmente nos cenários e na maquiagem. Mas ainda é muito assistível. Não há episódio que não desperte a curiosidade e a vontade de ver mais entre cada obra. E este filme não foge a todas estas regras, este filme termina de uma forma muito gratificante ou não, dependendo da interpretação do final que é realmente excelente e fecha na perfeição esta série que terá realmente deixado a sua marca no cinema. Este episódio mostra a última batalha ou não dos macacos em sua revolta. Achei a história tão interessante e cativante como sempre; a conflito final realmente brilhante e as muitas reviravoltas que há neste filme, especialmente em relação aos macacos que se rebelam contra sua raça. E o que é ótimo nesta saga e neste filme mostra isso bem no final é que esta história, desde o início, não seria um loop infinito e sem fim, um pouco como em O Exterminador do Futuro: o mistério e o fascínio permanecem inteiros. Cenário realmente concreto que nos terá feito levantar muitas questões e até ao final nunca seremos, cabe a você interpretar o final que é muito interrogativo e isso é ótimo porque cabe ao espectador interpretar de acordo com a visão que ele tem do filme e que podemos dizer que é um ótimo final porque cabe a você ver as coisas. O círculo se completou, mas este encerramento de uma das sagas mais emocionantes da ficção científica com um final que faz você pensar. Uma obra que mostrou toda a sua riqueza e fascínio, uma série de filmes que revolucionou o cinema no seu género.
Os Descendentes é mais um filme profundamente humano de Alexander Payne. Uma pequena maravilha do cinema independente americano onde há um enredo mais rico do que parece e, em torno deste pequeno núcleo familiar uma hilariante galeria de personagens, liderada por um soberno George Clooney que, neste paraíso havaiano, se diverte trazendo humor e emoção autêntica ao personagem do pai de família. Ele é um indivíduo complexo, cheio de nuances, que evita diversas armadilhas fáceis e que acaba por entregar uma interpretação de precisão que tem defeitos e que tenta se orientar em um mundo de loucuras, emoções agridoces e surpresas. Estamos longe de ser cartões postais neste drama familiar clássico, mas muito emocionante. Isso nos faz pensar além de nossos pensamentos habituais. O que é fascinante é estudar o comportamento e observar gradativamente como cada pessoa reajusta seus sentimentos e se reposiciona em relação ao outro. É uma precisão que acerta e nos cativa. Esse mecanismo de sentimentos é muito bem encerada e nos transporta para um round movie familiar. Tantas cenas fortes e comoventes, gestos e olhares cheios de significado. Alguns momentos, em particular, são terrivelmente inteligentes e precisos, como quando Matt tem uma discussão com Sid no meio da noite apenas para descobrir nele uma grande dor, quando o pai e suas duas filhas observam em silêncio o avô durante a visitação, porta aberta, que acaricia delicadamente a filha. Embora fundamentalmente dramática, esta história consegue ser engraçada na maioria das vezes, o que equilibra e ilustra tudo muito bem. O realizador não tem pressa, garante uma encenação discreta e detalhada, usa a voz extensivamente off e canções havaianas. O Havaí é um personagem por si só. Paisagens exuberantes majestosas, mar azul, roupas frescas, em agradável contraste com os tormentos internos. O tom tragicômico é irresistível, e a emoção vem à tona naturalmente, calmante. É sobre luto, identidade e delegação, e, em última análise, Os Descendentes é profundamente cativante e realista, um daqueles filmes que, casualmente, tira o coração e faz você querer estar mais presente para seus entes queridos.
Um resumo da humanidade como dificilmente se encontra no cinema americano. Alguns farão a ligação com Sociedade dos Poetas Mortos (1989), mas eu não aderi a esta referência. O filme é feito de pequenos toques de cor como uma pintura impressionista. E ao longo da história, eventos pequenos e leves, como emulsões de tinta, constroem a imagem de uma história que é sutil, comovente e cheia de significado. Alexander Payne é um cineasta nostálgico. Com Os Rejeitados ele apresenta uma homenagem ao cinema dos anos 70, que abre com longos créditos que reproduzem de forma idêntica os da época. Tem a mesma colorimetria dessaturada, o mesmo som crepitante, a mesma grafia até a indicação de copyright que indica 1971. O Natal para aqueles que ficaram numa escola burguesa é apresentado como algo incrivelmente humano. Estas pessoas abandonadas esquecerão as suas diferenças para encontrar o mínimo denominador comum da sua condição humana. Com ingredientes tão díspares, a maionese não era garantia. Mas no final é um momento de doce cumplicidade que surge entre o professor mal-humorado, o aluno incomodado e a cozinheira inconsolável. Para encarnar este conto de fadas moderno, Paul Giamatti é absolutamente surpreendente na sua veracidade como um professor misantrópico que se esconde atrás de citações latinas para esconder a verdadeira angústia. Ele merece o Oscar dez vezes por esse papel, mais sutil do que seu lado bruto sugere. É um papel tão internalizado que o homem desperta compaixão. E diante dele, o rosto esbofeteado do aluno revela uma personalidade esfolada, evoluindo positivamente ao longo da experiência de vida. Finalmente, tal como o Sociedade dos Poetas Mortos, o espectador poderia ser levado a aprender uma lição de vida com o filme: nunca faça julgamentos definitivos sobre os outros; não coloque os outros em caixas, porque correm o risco de sair como um incêndio. É um “filme para se sentir bem” que beira os lugares-comuns, mas sabe evitá-los a tempo e consegue nos emocionar. Para todos aqueles nostálgicos de uma determinada forma de filmar, de determinados cenários, vocês ficarão encantados. Além disso, a história é muito comovente e com toda a modéstia sentimos o vínculo que se cria entre os protagonistas, todos tomados por motivos diversos por uma melancolia ora anestesiante, ora que leva à insolência e à raiva. Em suma, um filme de rara delicadeza.
É tão difícil tirar a nostalgia da equação ao rever um filme da minha infância. Não posso ser o único crítico que luta com tal coisa. Mas, não sou jornalista. A objetividade não está necessariamente no meu intuito metafórico. Só posso escrever sobre A Guerra do Hambúrguer de uma forma: com o coração. Encomendado para filmar simultaneamente com a série Kenan & Kel, A Guerra do Hambúrguer pode razoavelmente ser considerado um filme derivado daquele programa em particular. Kenan Thompson e Kel Mitchell são uma dupla clássica. A química deles sempre foi palpável durante os quatro anos de duração do programa, e a Nickelodeon Movies apostou mais uma vez na dupla, com uma boa porção de hambúrgueres, batatas fritas e uma disputa entre fast foods. A história segue Ed, o idiota bem-intencionado que trabalha na caixa registradora, e Dexter, o preguiçoso egocêntrico que consegue um emprego de verão para pagar o que deve por bater no carro de seu professor. O filme é aquele tropo clássico dos anos 80 do jovem lutando contra a grande corporação, que no caso é um Mondo Burger que abre do outro lado da rua. Embora a premissa seja super anos 80, passei o filme inteiro apontando para coisas que eram anos 90. Uma das coisas mais interessantes deste filme é o personagem Ed. Faz sentido para ele existir apenas dentro do mundo do Good Burger, já que é disso que se trata, mas o filme o mostra como um estranho espírito da loja. Dexter é mostrado indo para a escola, tendo amigos fora do trabalho e ainda tem um momento bastante comovente em que fala sobre seu pai ter abandonado a família. A única vez que vemos Ed fora do trabalho é no começo e ele até toma banho com seu uniforme de trabalho. Ele também literalmente nunca fica sem o chapeuzinho de papel que eles usam. A representação de Ed não é tão “estúpida”, mas sim como um alienígena ou um robô que interpreta tudo literalmente. Em vez de o humor rir do cara tonto, é rir de como ele distorce as frases da pessoa que está falando. Na verdade, às vezes é muito inteligente. Devo dizer que adorei rever esse filme muito mais do que pensei que adoraria. Na verdade, eu o recomendo para as pessoas, mesmo que elas não tenham familiaridade com o seriado cômico. O roteiro é cheio de energia e não se leva muito a sério. Eles escapam com uma dança em um hospital psiquiátrico usando o poder de George Clinton da banda Funkadelic. É uma cena desconcertante, mas bem interpretada, onde todos simplesmente concordam e funciona. 27 anos depois, A Guerra do Hambúrguer ainda é divertido, talvez tenhamos ficado muito envolvidos no mundo e das responsabilidades adultas para lembrar o quanto damos risadas com “Grape Nose Boy” na primeiro vez que vemos. De qualquer forma, é bobo e engraçado, perfeito para clarear a mente e rir.
Joel e Ethan Coen nos levam a uma cidade perto do Mississippi com uma agradável atmosfera de jazz e blues. É no porão da linda casa da Sra. Munson que o Professor Dorr decide se estabelecer com um grupo eclético de indivíduos para colocar em prática um plano de assalto a um cassino. Um cenário basicamente clássico que os realizadores conseguiram transformar num filme agradável, divertido e de muito valor cinematográfico. É acima de tudo um filme relaxante que merece ser visto e ser classificado como um dos grandes filmes dos irmãos Coens. Um dos maiores acertos deste filme está inegavelmente na escolha de seus personagens com um elenco perfeitamente equilibrado. Tom Hanks (cínico e manipulador com seus tiques e carisma próprios) e sua turma nos divertem do início ao fim. As desventuras do grupo, as tentativas de passar despercebido e sobretudo o apetite egoísta de cada um, configuram uma aventura emocionante mas ao mesmo tempo leve. Só criticaria alguns pontos fracos do cenário em relação a personagem da Sra. Munson e suas reações a certas situações um tanto estranhas e até incoerentes. O mesmo vale para o plano dos criminosos que considero carente de dinamismo e tensão durante sua implementação, o que é uma pena, pois poderia ter sido tão cômico. A encenação inventiva, os diálogos, o humor e esta belíssima trilha sonora que mistura blues e gospel na linha de E Aí, Meu Irmão, Cadê Você? (2000), fazem deste filme um satisfatório entretenimento. Perfeitamente calibrado para nos manter em suspense sem interrupção, em torno de uma grande variedade de atores. Uma comédia tragicômica contundente que nos encanta.
Todo mundo já ouviu falar, perto ou longe, da famosa marcha pelos direitos civis de 28 de agosto de 1963, onde uma gigantesca multidão pacífica veio de todos os cantos dos Estados Unidos para fazer uma campanha por empregos e liberdade para todos. Mas, acima de tudo e oficiosamente, protestando contra a segregação racial. Foi ao final dessa manifestação histórica que Martin Luther King soltou a famosa frase “Eu tenho um sonho”. O que é menos conhecido é que um dos principais instigadores e ponta de lança deste evento vem de um activista afro-americano chamado Bayard Rustin. Um homem que ficou um pouco nas sombras por causa de sua orientação sexual, sendo Rustin quase abertamente homossexual, o que, claro, não caiu bem na época, sendo a igualdade para orientação sexual uma batalha que virá décadas depois. Um homem nascido na época errada com o duplo castigo que este retrato tenta reabilitar e realçar. Não é propriamente um filme biográfico, pois cobre apenas alguns meses da vida dessa personalidade polêmica na luta pela igualdade racial. Conhecemo-la melhor, através do que podemos chamar de retrato, através do prisma da organização desta marcha, cuja ideia lhe voltou mas que os manuais de história um tanto esqueceram. Aqui está um longa-metragem que pretende, de forma um tanto didática, esclarecer as coisas. E o maior ponto forte deste trabalho é, sem dúvida, a atuação impecável de Colman Domingo no papel-título. Totalmente investido neste papel delicado, ele se destaca no elenco com suas brincadeiras, seu carisma e sua imensa energia. O ator que provavelmente será citado na cerimônia de premiação lhe presta uma vibrante homenagem com uma atuação de grande importância. Por outro lado, não podemos negar que o filme é relativamente acadêmico tanto no conteúdo quanto na forma. Além de algumas fantasias interessantes, como o treinamento de policiais afro-americanos e os preparativos para a marcha final ou algumas belas cenas em preto e branco que iluminam o passado do personagem, nada de transcendente em termos de encenação. O realizador do igualmente simpático mas não inesquecível A Voz Suprema do Blues (2020), que também evocou a causa da população afro-americana, mantendo-se consensual e sábio a este nível. Lamentei especialmente que o filme se concentre mais na marcha em si e na questão dos direitos civis, que já foi vista mil vezes em filmes e muitas vezes mais impactante, do que no perfil sexual de Rustin. Como se o roteiro fosse cauteloso demais para levar esse aspecto de frente, relegando-o a uma subtrama bastante superficial. Isto pode resultar uma certa frustração, pois foi sobretudo esta condição que colocou obstáculos no caminho deste homem e dos seus projectos. Em última análise, Rustin é um filme interessante e informativo mas não tão desenvolvido quanto se desejava sobre os lados mais cativantes da vida deste homem. Porém, era importante trazer algumas coisas de volta à luz e assim foi feito.
“A Árvore da Vida” é uma obra metafísica especial. Centrado num cenário bastante clássico, porém, muito enigmático, o quinto filme de Terrence Malick aventura-se onde menos esperávamos. Construído em flashback/flash-forward, “A Árvore da Vida” é um labirinto no qual é difícil ver com clareza. Este labirinto representa os pensamentos e memórias de Jack, arquiteto de uma metrópole nos Estados Unidos. Descobrimos o homem e sua infância difícil, preso entre uma mãe amorosa e sensível e um pai muito rígido. Jack nutre muita raiva de seus pais e desconta seu ressentimento em seus dois irmãos mais novos. Junto com suas memórias, Jack se questiona sobre o mundo ao seu redor. Malick traz esse longo questionamento ao espectador. Advento da terra, surgimento da vida, erupções vulcânicas, apocalipse, Malick vagueia e acompanha o espectador numa viagem lírica e dramática. Se este aspecto filosófico mas também religioso, sequências de pura criação, são seguramente as grandes divergências levantadas pelo público contra o filme, são também os mais ambiciosos possíveis e provocam uma contradição total com a intimidade que se pode ter dentro do pequeno família reclusa no Texas. E ainda assim as duas sequências têm importância semelhante, mas em registros muito diferentes. Um peculiar, próximo da nossa espécie, e outro muito mais onisciente. A família do Texas é uma das únicas entidades do filme que nos liga à ordem humana. Malick descreve muito bem a relação pai-filho. Uma relação especial, complicada mas essencial porque dá origem a novas gerações de homens. Com Malick, esses novos homens são torturados pelo remorso, apaixonados por uma violência, por uma ambição de vitória e por um poder transmitido de pai para filho. Jack é o primeiro de seus irmãos e o jovem não consegue se desenvolver por causa dessa relação paterna conflitante. Neste mundo muito masculinizado de Terrence Malick, o papel da mãe é um retrocesso. Mas o realizador é dotado de sensibilidade e provoca grandes momentos de felicidade entre os filhos e a mãe, por mais carinhosa que seja, mas incapaz de protegê-los de um marido impulsivo. Malick atua de forma íntima e se permite um drama familiar profundamente realista. Realismo acentuado por atuações extraordinárias dos atores. Brad Pitt lidera seu papel de pai autoritário. O ator interpreta uma atuação sincera, pessoal e dotada de uma sensibilidade incrível. Seu filho Jack, é o segundo personagem de maior sucesso. O menino também está cheio de dor, melancolia e nos toca particularmente (assim como seus irmãos mais novos). Jessica Chastain também desempenha um papel muito importante nesta representação de sucesso da família. A atriz personifica perfeitamente uma mulher aterrorizada, submissa, mas também hipersensível. Finalmente encontramos também Sean Penn, no papel do adulto Jack. Uma interpretação muito boa para um papel mais secundário. Dizem que é incompreensível? É simplesmente um filme sobre sensibilidade, despertar para a beleza (interna/externa), família e questionar o destino humano. Ainda precisamos de um mínimo de abertura para deixar a luz malickiana entrar em nossas mentes. E não entendo como podemos ficar entediados com a parte da “evolução do mundo”, porque as tomadas e a música são magníficas e não prejudicam a história. Para mim, cada imagem, cada palavra deste filme teve significado. Não é uma questão de cultura ou de inteligência que fará com que você o aprecie. Sua mensagem deve te fazer refletir, apelar para o fundo do seu coração, caso contrário, é certo, apesar das belíssimas imagens, esta obra-prima não terá nada para lhe contar.
Uma comédia ambiciosa de ficção científica que domina a dosagem com seu delírio de se levar a sério e que realmente funciona bem. Somos presenteados com uma paródia de filmes de invasores com humor eficaz e bem equilibrado com cenas engraçadas e por vezes trash mas não muito, poderiam ter feito ainda mais, porém não me incomodou. Além disso, os personagens apresentados são engraçados de acompanhar e os atores parecem estar se divertindo e nós também, aliás, encontramos o humor típico dos filmes com Ben Stiller e sempre funciona bem. O elenco de estrelas muitas vezes se mostra adepto de energizar tudo. Seja pelo humor de Stiller e Vince Vaughn, frequentadores assíduos deste tipo de filme, pela loucura de Jonah Hill ou pela peculiaridade do britânico Richard Ayoade. Isso ocorre porque o filme oferece uma mistura bastante refrescante entre comédia e filme de ação. Pequena nota adicional para a produção que é muito simpática e cuidadosa, misturando clichês do gênero e bons efeitos especiais, bom figurino, principalmente dos alienígenas. É um objeto cinematográfico que raramente vemos. O humor, que cai tanto na vulgaridade como na violência gratuita, é eficaz, mas acima de tudo, bem entregue por um quarteto em plena forma. As piadas se sucedem, mas nem sempre fazem rir e a previsibilidade dos acontecimentos cansa mais do que diverte. Porém, certas passagens acabam por ser simpáticas, o ambiente geral cheira anos 80 e o final explosivo atesta o amor do realizador pelo género, mesmo que não seja necessariamente suficiente. Em última análise, esse filme é onde o humor escorrega, eles se aprofundam na ideia e no universo e isso é muito raro nesse tipo de filme; aqui está a história de uma invasão extraterrestre mesclada com a iniciativa banal de um homem para proteger sua vizinhança. Nada inesquecível, mas mantém os olhos ocupados.
Wish irá mais uma vez dividir a comunidade entre aqueles que o odiaram e aqueles que o apreciaram. Pela minha parte, admito ter a sensação de ter ficado querendo mais. Existem tantos elementos muito bons quanto outros que pesam nesta nova Disney. Era suposto restaurar a imagem do Mickey durante os seus cem anos. O filme apresenta seus altos e baixos. A primeira parte é um pouco redundante na minha opinião e tem dificuldade de se desenvolver. O ritmo é um pouco lento e o enredo realmente não decola. Se partirmos de um conceito muito bom, temos a impressão de que ele continua subexplorado. Sentimento que tive do início ao fim. O foco está na personagem de Asha, mas há pouco em jogo. Os personagens secundários também são relegados a segundo plano (muito apresentados e não explorados o suficiente como a família ou amigos de Asha). Uma parte inútil na hora de descobrir a estrela com os animais da floresta. Este tempo gasto leva a uma perda de tempo para explicar o que se segue. O foco nos desejos para mim não é suficientemente explorado. Por exemplo, para o personagem do avô que sem dúvida se beneficiaria com um pouco mais de explicação sobre seu passado e o que o levou a desejar esse desejo específico. Um dos pontos forte da animação é o personagem Magnífico que é o novo antagonista amigável e apresenta muitas referências de muitos dos vilões e vilãs escritos da Disney. Sua personalidade é equilibrada e cheia de nuances. Sua própria crença em ser o fiador do bem e agir com demagogia para seduzir seu povo é muito fundamentada. Isso ecoa as tristes notícias que vemos no mundo. Até que ponto uma pessoa convencida de fazer o bem liderará o seu povo e não se deterá diante de nada para satisfazer as suas ambições e vingar as suas próprias? Gostei do fato do Magnífico não ser um pilatra apenas por ser mau. Realmente temos o peso do passado que influencia toda a sua personalidade e ele também tem lados muito bons, o que o torna uma espécie de anti-herói. Para mencionar a cinematografia do filme. Há mais e menos. Acredito que misturar 2D e 3D às vezes funciona. Mas às vezes não é extremamente bonito. As duas técnicas não parecem coexistir em harmonia como vimos na saga Spider-verse. Notaremos também uma trilha sonora como o resto do filme com algumas boas e outras nem tanto. Por fim, apreciei a cultura em que o filme se baseia. Nomeadamente o período da Idade Média. Arquitetura mudéjar, caldo intercultural ligado à Rota da Seda (Asha Hispano-Árabe/Africana). A coexistência das três religiões como acontecia antes da Inquisição espanhola contra os judeus e da guerra contra os árabes. As três culturas que coexistiam bem naquela época. Talvez as referências a este período pudessem ter sido mais destacadas como é o caso de Encanto (2021), mas por outro lado é totalmente respeitável. Para um entretenimento nada desagradável de assistir durante sua projeção, mas uma nova produção padronizada já mais ou menos esquecida poucas horas depois de sair do cinema. Em suma, nada de realmente novo sob o sol da Disney com este belo e pequeno desenho animado, e é ainda mais uma pena para o filme que supostamente simboliza os 100 anos dos Estúdios Disney e sua magia atemporal.
A premissa básica por trás de O Sobrevivente não era novidade para o público, mesmo quando foi lançado, trazendo uma sensibilidade diferente na sua ideia onde o indivíduo é contra a sociedade, inserido num mundo onde eventos desportivos televisionados podem facilmente resultar em morte. Se você não está familiarizado com o enredo, O Sobrevivente se passa em uma distopia de um futuro próximo, onde o colapso econômico precipitou a ascensão de um estado totalitário que, quando não massacra seus cidadãos empobrecidos, os apazigua por meio de um reality show aterrorizante. Schwarzenegger interpreta um piloto policial que, depois de se recusar a disparar sua arma contra uma multidão de cidadãos inocentes e desarmados, é forçado a lutar por algumas centenas de quarteirões de uma paisagem urbana infernal repleta de escombros, enquanto enfrenta perseguidores vestidos com fantasias bizarras, um oponente com taco de hóquei afiado, outro de lança-chamas, um cara gordo que dirige um carrinho elétrico, canta ópera e usa um moicano, vestindo um terno feito de Lite-Brites armados que dispara rajadas de eletricidade azul mortal. São dançarinos vestidos de fio dental, adotados de tecnologia futurística lo-fi, explosivos, mortes horríveis e liderados por um vilão apresentador do game show: The Running Man e um enredo estilo videogame que impulsiona o filme em direção a uma conclusão previsível, mas gratificante. Com alguns amigos, o personagem de Schwarzenegger, deve salvar o EUA da tirania, entregando algum código de computador a Mick Fleetwood (da banda Fleetwood Mac) para que seu grupo de combatentes pela liberdade possa sequestrar o satélite de televisão e transmitir a verdade ao povo. Assim, libertando-os. O Sobrevivente usa iluminação, cenas foscas, cenografia e locais bem explorados para criar uma futura Los Angeles economicamente dividida e crível. E a questão é que nada disso é tão complexo quando você sabe o que está vendo. Já vi esse filme dezenas de vezes e até revê-lo, nunca tinha percebido o quão abrangedor ele realmente é. No entanto, apesar das suas inúmeras falhas, ainda dou-lhe uma classificação acima da média, porque a crítica de O Sobrevivente à televisão e à sociedade do entretenimento, por mais desajeitada que seja, é muito relevante hoje. Em particular na forma como os meios de comunicação mentem ou disfarçam a verdade do público de forma tão flagrante. Nos anos 80, as pessoas (pelo menos os roteiristas do filme) pensavam que bastaria mostrar um vídeo mostrando a verdade para que o público entendesse que estavam mentindo para eles. Na era dos Internet, sabemos que a mídia só precisa dizer uma palavra para desacreditar qualquer discurso ou vídeo que desmantele a propaganda televisiva: “conspiração”. Em última análise, O Sobrevivente apresenta uma história edificante que reforça a misantropia inevitável de observadores atentos da sociedade humana.
O 31° filme do Universo Cinematográfico Marvel e o terceiro filme "solo" com o personagem Homem-Formiga e a Vespa. Esta terceira obra das aventuras de Scott Lang é uma ópera espacial insana e cheia de originalidade. Os cenários do mundo quântico e de sua população são simplesmente estonteantes. Visualmente épico, todas as cenas de combate e chaves da história são de uma beleza incomparável, misturadas com uma trilha sonora musical imperial, claramente pensei que estava presenciando uma versão melhorada de “Vingadores: Ultimato” pois tudo é monstruoso. Michael Douglas e Michelle Pfeiffer são impecáveis, se divertem em seus papéis e isso transparece na tela, Paul Rudd ainda é o cara mais legal do planeta de Homem-Formiga, e Evangeline Lilly como Vespa e a jovem Cassie também são agradáveis e todos os outros personagens são muito corretos, como ator convidado final como uma cereja no topo do bolo, Bill Murray nos dá uma atuação cômica, mas esquecível e dispensável. Kang é carismático e impressionante, interpretado por Jonathan Majors, seu personagem é muito satisfatório e acima de tudo muito convincente, supostamente quase nos fará esquecer Thanos. É muito promissor para o futuro dos eventos e finalmente sabemos aonde essa saga está nos levando. E o cúmulo do ridículo vai para Modok, trollista à perfeição e divinamente tratado, ou seja, de forma humorística. A MCU e o Homem-Formiga não oferecem nenhuma singularidade? Vá contar isso aos designers que saíram da imaginação para esse filme bem ritmado, com muitos efeitos especiais e um pouco de humor. Cenas malucas repletas de fantasias, casas orgânicas vivas, o humanoide com cabeça de brócolis, uma criatura obcecada por buracos que parece um polvo feito de geleia rosa, as formigas futuristas que criaram sua própria cidade de alta tecnologia, o mundo quântico em geral com sua fauna e flora cheia de cor e vida esses personagens secundários incríveis. Universo subatômico totalmente inexplorado do tipo Star Wars, muito bem ritmado, bem equilibrado entre humor e seriedade. Não é original? Bobagem! Um ótimo entretenimento que não é pior do que a maioria das novidades da Marvel.
As melhores amigas PJ e Josie são lésbicas consideradas "feias e sem talento" na Rockbridge Falls High. A dupla decide que chegou a hora de acabar com o celibato involuntário enquanto discute suas paixões pelas populares líderes. Sem querer, a dupla trama um plano para perseguir suas paixões em nome da autodefesa, iniciando um clube da luta com a ajuda de sua nova amiga, Hazel. Bottoms pode não se inclinar para o absurdo total de sua ideia, mas o filme não tem medo de ser cruel. Esta é uma premissa brilhante para um filme adolescente, um gênero que tem se tornado cada vez mais saturado por plataformas de streaming. Embora a maioria possa chegar a um acordo unânime de que a comédia é o gênero mais difícil de alcançar, eu diria que tudo o que é realmente necessário é escrever e atuar de forma autêntica. A comédia é subjetiva, então o que pode ser engraçado para um é sem humor para outro. Depois de um início que nos lembra uma versão feminina dessas comédias onde as protagonistas querem perder a virgindade antes da faculdade, “Bottoms" surpreende pelo seu lado transgressor e também pelo seu frescor, mas apreciei especialmente o grupo de meninas com personagens cativantes, embora a escalação de Sennott e Edebiri, de 28 anos, como “adolescentes feias” exija uma suspensão significativa da descrença, são comediantes e atrizes talentosas, mas há uma curiosa falta de piadas reais no roteiro e momentos que parecem improvisados. Fora isso, o conjunto do filme é bem escolhido. De resto, é muito caótico e desarticulado com estereótipos muito acentuados que criam uma espécie de histeria coletiva como se não fosse real. Mas é bom ver um filme adolescente (algo já raro hoje). O filme é claramente ambientado em alguma versão hiperestilizada da realidade e poderia ter se saído bem ao se inclinar ainda mais para o absurdo. O cenário é salpicado de cenas surpreendentes, você pode se perguntar por que há um estudante do ensino médio mantido em uma jaula no fundo de uma sala de aula ou reconhecendo o time de futebol sentado como A Última Ceia no almoço em frente a uma recriação de A Criação de Adão. Esses floreios certamente servem para dar corpo ao mundo de Bottoms, mas há uma sensação de desconexão entre a sobrecarga sensorial e alguns dos momentos mais fundamentados do filme. Isso poderia ser relavado se Bottoms conseguisse ser subversivo ou interessante de outras maneiras, mas o filme rapidamente se torna uma comédia romântica convencional, atingindo ritmos previsíveis na trama apenas para acrescentar um terceiro ato selvagem e sangrento que surge do nada e, como resultado, parece imerecido. É uma pena, porque o mundo precisa desesperadamente de mais comédias e filmes sobre a maioridade, e a equipe criativa aqui é claramente ambiciosa e talentosa, mas Bottoms é muito confuso e sinuoso para dar um nocaute. O falso ritmo é compensado por encenações virtuosas e mesmo que não seja hilário, é uma boa comédia.
Visualmente de grande mestria, impulsionado pela sua estética um tanto vintage, com a fotografia sendo assimilada ao filme. Seu impressionante cenário, é um trabalho visualmente impecável para quem gosta desse tipo de universo e desses efeitos estilísticos. Oferecendo-nos inúmeras cenas que impressionam, ao mesmo tempo que ancora a sua história entre os ultra-ricos britânicos. Tudo se inicia como um filme universitário, ao assumir o controle do gênero, acabando por desenrolar uma história onde obsessão, luxúria e até códigos de invasão domiciliar se unem. Inteligentemente ambientado em meados dos anos 2000, antes dos smartphones inteligentes e dos excessos da Internet serem comuns, convida-nos à prestigiada Universidade de Oxoford, onde dois adolescentes se conhecerão: um aristocrata muito rico, e um jovem e tímido bolsista. Através deste último, somos submersos durante um verão em 2006, no cotidiano de uma rica família britânica. A crítica, até mesmo a sátira, aos ultra-ricos está presente, mas abre reflexões, embora encante e se mostre muito relevante. No entanto, seria errado acreditar que este filme será um filme estudantil ou um filme adolescente britânico. E mesmo que uma crítica aos ricos pareça ser o tema, há (muitas) outras coisas escondidas em “Saltburn”. Um estudo de personagens e comportamento, um filme sobre manipulação, uma obra sobre o desejo de ser outra pessoa, ou mesmo apenas desejo e um falso romance amigável. O filme é bom, mas a estética supera a história. É cheio de inconsistências, mas achei o cenário fantástico, as festas malucas, os grandes personagens e o estilo muito refrescantes, mas a substância da história me decepcionou. Por enquanto, não é à toa que dizem que o que conta é o caminho percorrido e não o destino, porque gostei de ver este filme, mas a última parte, que foi demasiadamente previsível. Um pequeno e mal escondido, alusão ao fim iminente do mundo em frente à estátua de Belzebu. O humor negro inglês tem sua própria maneira de lidar com a sociopatia. Confuso e magistral. Sem lógica e pouco convincente.
Feito durante uma época em que o caos superficial não estava nem perto de ser desaprovado, o pouco conhecido No Limite da Loucura é um lembrete de como a música costumava ser divertida. Claro, não estou dizendo que a música não é mais divertida, mas o mundo da música apresentado neste filme não é o mesmo em que vivemos. Promovendo a convergência do rock'n'roll clássico, glam rock, new wave, blues e punk, o realizador apresenta um universo onde esses estilos distintos podem se misturar e prosperar sob o mesmo ambiente. Apresentando a história chocantemente simplista do famoso Saturn Theatre, sendo ameaçado por um novato no mundo da produção, comicamente malvado no momento em que eles estavam prestes a lançar um grande show de Ano Novo em 1983. Este turbulento filme se concentra principalmente em Neil Allen ( Marv, um dos bandidos de Esqueceram de Mim 1 e 2) e sua luta desesperada para manter uma aparência de sanidade enquanto a variedade excêntrica de atos lentamente começa a aparecer no teatro. Como este filme conhece as regras da comédia, Electric Larry, o robô mágico das fadas das drogas, que entrega as mercadorias sempre que necessário. Cada ato musical chega ao show em seu estilo único: um grupo de hippies liderado pelo Capitão Cloud chega cedo, mas também um pouco atrasado (eles pensaram que era 31 de dezembro de 1968); uma banda de blues chamada King Blues, também chega ao show um glam rocker levemente depravado chamado Reggie Wanker ( Se você acha que o personagem de Malcolm McDowell não será totalmente maluco, você não sabe nada sobre Malcolm McDowell, seu personagem é um riff de Mick Jagger. Ele está entediado com todas as fãs e drogas que consegue; e Auden (Lou Reed), um cantor folk metafísico, ele diz ao motorista de táxi para seguir a "rota panorâmica" (ele ainda está trabalhando em uma música). Este é um filme bastante insano, mas é aquele estilo de insanidade de transição entre os anos 70 para 80. Caso ainda não tenha ficado claro, a principal “brincadeira” do filme é a presença no elenco de atores como músicos e músicos como atores, é um crédito do filme que essa piada nunca canse. O problema de tentar escrever sobre é que muitas dessas piadas são piadas físicas ou visuais. Você precisa vê-los se desenrolar para apreciá-los totalmente. Às vezes, isso é tudo que você precisa para fazer com que 90 minutos pareçam um tempo bem gasto. E essa é uma ótima maneira de curtir a virada do ano. Olhando para trás e esperando que o que fizemos tenha sido um tempo bem gasto e, como sempre, esperando um ano melhor pela frente. Certamente desejo a todos um feliz, seguro e animado Ano Novo.
Bradley Cooper, conhecido por sua estreia na comédia, rapidamente evoluiu para um aclamado ator e diretor, presença constante nas temporadas do Oscar. Com “Maestro”, ele busca provar que o sucesso de seu primeiro filme, “Nasce Uma Estrela” (2018), não foi fruto do acaso. Nesta cinebiografia sobre o lendário maestro, compositor, e pianista norte-americano Leonard Bernstein, famoso por seu trabalho no musical Amor, Sublime Amor (1961), o realizador investiga a dualidade de Bernstein, tanto profissional quanto pessoal. Assim como Blonde (2022) e Oppenheimer (2023), o filme reaproveita a mistura de cor e preto e branco para enfatizar melhor a profundidade de seus personagens, enquanto mistura os planos. O desempenho de Carey Mulligan é aclamado como um dos melhores de sua carreira, ao lado de Bradley Cooper, que investiu notavelmente em seu papel. O tratamento maduro que Bernstein dá à bissexualidade também deve ser elogiado. Embora o filme possa ser criticado por não explorar suficientemente a carreira de Bernstein, oferece um retrato íntimo e comovente do casal. A história é totalmente centrada nos dois, então tudo relacionado à carreira do músico é pouco mencionado e muitas vezes de forma indireta, por isso às vezes fica difícil entender a importância do mítico maestro. Cooper demonstra notável mestria, optando por uma primeira parte a preto e branco e formato 4:3, que dá a impressão de estar suspenso no tempo como se nada existisse por perto com Leonard que age livremente e sem se preocupar com o olhar dos outros, o que parecia um pouco confuso para a época. Apreciei essa parte principalmente pela qualidade da direção e essa impressão de redescobrir o que fazia o encanto na Era de Ouro de Hollywood. A segunda parte está mais próxima da cinebiografia clássica que simplesmente relata os fatos mesmo que haja um pouco mais de emoção pela natureza dos fatos. Em suma, “Maestro” é um filme complexo e ambicioso, cativante apesar de algumas falhas, e marca um marco significativo na carreira de Bradley Cooper.
Em seu sexto filme, o mestre da animação nos leva à Itália entre guerras para acompanhar um solitário piloto de hidroavião com cabeça de porco ajudando pessoas em dificuldades, mas que aos poucos se encontrarão confrontados com piratas pirados. Miyazaki coloca "Porco Rosso" num contexto muito mais realista do que a maioria dos filmes feitos antes, onde apenas a "maldição" do herói é fantástica (maldição que não é realmente um elemento explorado por Miyazaki). Situado entre as duas guerras no território italiano, onde o contexto político, económico e social era complexo, o seu filme aborda de forma subtil e muitas vezes se aprofunda vários temas que são raros de encontrar em animação como a guerra e seus absurdos, fascismo (o termo "Porco Rosso", que significa "Porco Vermelho", foi um insulto dirigido aos oponentes do regime de Mussolini na época (e mais precisamente aos comunistas) ou o lugar da mulher nesta sociedade, bem como algumas referências bem feitas como o carismático piloto italo-americano Donald Curtis, sendo um caçador de recompensas, querendo ser ator e depois presidente. Aqui também é uma homenagem à aviação e à sua história, paixão oculta de Miyazaki, esse interesse vem de seu pai que trabalhou neste setor industrial. Sentimos claramente o criador dividido entre a visão romântica da aviação de outrora, e a mais realista que associa avião e exército porque na altura não existia praticamente aviação civil. Para além das referências, homenagens ou temas abordados, Miyazaki conta-nos sobretudo uma história fascinante e cativante, assim como a galeria de personagens que retrata. Começando por este aviador solitário e caçador de recompensas, ex-Força Aérea Italiana, vivendo de acordo com suas próprias leis, bastante elegante e seguro de si e da garota que conhecerá quando tiver que consertar seu avião, uma designer, apaixonada pelo trabalho e sempre despreocupada e confiante. Hayao Miyazaki realiza escolhas, com as quais nos identificamos facilmente, onde deve escolher entre o amor, a sua paixão, a sua vida e os seus problemas. Cativante do começo ao fim, ele também dá uma dimensão melancólica, poética e poderosa ao seu filme, cheio de emoções mas sem falta de humor, muito pelo contrário. Os desenhos são absolutamente caprichados, assim como certas cenas como ataques aéreos ou simples paisagens que Miyazaki é sublime. A música é, mais uma vez, criteriosamente escolhida. Pessoalmente, mais uma vez encantado com o universo de Miyazaki, aqui mais “adulto” mas ainda assim muito requintado com uma história cativante e personagens igualmente cativantes.
Mamonas Assassinas foi um estouro repentino e absoluto que dominou o Brasil pelo curto período de oito meses. O trágico fim dos jovens foi amargamente sentido a nível nacional. Perder talentos jovens demais que sequer tiveram a oportunidade de respirar o sucesso que faziam é triste de uma forma indizível. Aqui confia-se que o grande sucesso da banda e a nostalgia que a mantém viva seria um permissivo ou mesmo uma garantia que o projeto será bem recebido, e essa certeza parece significar que um certo empenho para que mantenha-se uma qualidade artística aceitável seja dispensável. Um disco é um disco. Um teatro-musical é o que é. Um filme, portanto, é outra coisa diferente das demais. O realizador parece não ter compreendido o que tinha em mãos como missão e não soube fazer o que era esperado, ou seja, fazer cinema. Mamonas Assassinas: O Filme nem parece um filme. Parece algo ainda a ser finalizado, tamanha sua desorganização e estrutura de ritmo que não apresentam liga alguma. Talvez seu pior equívoco seja o desperdício de perceber que existia uma história imensa a ser contada, e que é pontuada diversas vezes, mas que foi deixada de lado para focar no lado lúdico da banda. Muitas das grandes viradas do grupo, composições de músicas, mudanças de nome e de relacionamentos, funcionam apenas como vírgulas entre as cenas dos 5 integrantes no palco, sem grande desenvolvimento. O diretor traça de forma linear a história de vida de Dinho, Bento, Júlio, Sérgio e Samuel e de suas trajetórias como banda, e tudo que está ao redor deles é uma representação genérica de pessoas e circunstâncias, que no início até soa inocente, mas torna-se gradativamente incômoda: as famílias, as mulheres, o empresário, tudo é construído da forma mais negativamente preconcebida possível. A distribuição de importância dos demais membros da banda é nitidamente desproporcional. Enquanto Samuel e Sérgio tem sua vida bem exposta, Dinho é quase um conto de fadas onde tudo simplesmente dá certo. Os restantes dos integrantes, Júlio e Bento, não somam sequer 10 minutos de tela de suas vidas privadas. Soa explícito e ingrato que o legado de Mamonas Assassinas tenha se transformado somente numa máquina de gerar dinheiro, com o tamanho de descompromisso cinematográfico deste projeto. Infelizmente o diretor se apega totalmente na nostalgia e no carisma de Ruy Brissac para entregar um clipe misturado com um dramalhão horrível, estereotipado e muitas vezes soa mais como uma homenagem repetida do Domingo Legal ou do Domingão do Faustão. Porque filme, de fato, não é.
Vinte e três anos após o sucesso do primeiro “A Fuga das Galinhas”, os criadores de “Wallace e Gromit” estão de volta com esta sequência divertida e maluca. Tínhamos uma memória nostálgica e quase ultrapassada de “A Fuga das Galinhas”. Esta entidade britânica especializada em Claymation (ou animação quadro a quadro com plasticina) surpreendeu o mundo com sua técnica de animação. Uma sequência teria sido lógica, mas a Aardman Studios abandonou a ideia em favor de outros projetos originais como “Shaun: O Carneiro” de 2015. Mas sequências tardias tornaram-se comuns (aleatoriamente “Blade Runner 2049”) e até no campo da animação isso é possível como vimos com a excelente sequência “Os Incríveis 2”. A Netflix produziu, portanto, uma segunda parcela que tem uma visão oposta ao primeiro, contando uma aventura de infiltração em vez de exfiltração. Em primeiro lugar, a animação parece ter permanecido ao mesmo nível de 2000. Não é desagradável dada a técnica específica utilizada, mas por isso já não é surpreendente aqui. Como se a Aardman Animations tivesse permanecido estagnada, exceto por algumas pequenas melhorias aqui e ali. A história é realmente básica, assim como a moral familiar da história e suas questões bastante básicas. “A Fuga das Galinhas: A Ameaça dos Nuggets” gira, portanto, em torno do resgate de Molly, a galinha nascida da união de Ginger e Rocky. Poucos personagens novos, uma narrativa o mais linear possível e nenhuma surpresa a não ser esta pequena carga crítica à criação em massa que acaba por ser muito simpática. A partir desta ideia, a única atração que obteremos será este cenário semelhante aos da série “Round 6” que prende as galinhas hipnotizadas numa espécie de realidade tendenciosa e felicidade artificial. E não podemos mais considerar as histórias fáceis e as implausibilidades tão grandes quanto uma galinha recheada de grãos. Claro que estamos em um filme de família, mas ainda assim. O número de vezes que essas galinhas escapam como num passe de mágica ou, pelo contrário, ficam estupidamente presas não dá para contar nas duas mãos. Tanto que chega a ser cansativo e o resultado disso tudo parece predeterminado, sem surpresa. Por fim, o humor infelizmente não é adornado com nenhum segundo grau ou nível de leitura que possa satisfazer os espectadores mais adultos. Às vezes é até constrangedor e muito infantil. Quanto ao retorno da Sra. Tweedy não é sem relevância, mas suas lamentações e seu escárnio a cada ação parecem vir diretamente do comportamento de uma vilã vulgar de desenho animado televisivo e parecem vir de outra época. Assim, consolamo-nos com o ritmo frenético de tudo isto, o prazer de ver novamente estas galinhas de plasticina e algumas sequências rapidamente divertidas, mas dificilmente é bem sucedido ou satisfatório no geral. Espero que o filme agrade ao maior número de pessoas possível, pois ainda tem algumas qualidades: é muito bonito com uma animação soberba, e estamos muito satisfeitos por ver novamente os nossos galináceos preferidos, continua a ser um belo entretenimento.
Entre as tradições natalinas transmitidas ao longo dos anos, houve um clássico de sucesso de Hollywood que serviu de base para todas as adaptações deste feriado na tela: "De Ilusão Também Se Vive", que apresenta o relato mais inteligente da festa: Além dos seus contornos comerciais (embora evite demonizá-lo porque isso não é necessário). A história é muito simples, um homem com muitas surpresas que finge ser o Papai Natal (o filme brinca habilmente com o fato de nunca o confirmar explicitamente) que influencia toda uma cruzada de diferentes personagens com diferentes credulidades em magia e encantamento. Dando uma guinada completamente inesperada ao colocar sobre a mesa de forma totalmente concreta a responsabilidade jurídica por uma eventualidade tão louca como a existência do Papai Noel. Apresentando de forma definitiva e da forma mais engenhosa uma moralidade muito ingênua, mas básica, será tão importante provar algo absurdo quando tudo o que este pede é acreditar nisso? Assim, o filme vai além do sentimentalismo do Natal ao nos apresentar comentários um pouco mais reflexivos. Bem, a encenação não é extraordinária, é muito padrão a “era de ouro de Hollywood”. Observe que o clássico natalino será objeto de um remake (menos bem-sucedido) em 1994, com Richard Attenborough no papel de Papai Noel! Este conto tingido de poesia constante retrata uma mensagem altamente simbólica sobre o significado da partilha no Natal e que traz de volta um elemento fundamental desta celebração, o Natal não precisa de uma figura comprovada cuja aura seja conferida pela opinião para transmitir os seus valores e não há necessidade de negá-los.
NYAD
3.7 156Uma história verídica completamente incrível como o cinema tanto preza, mas também uma obra de superação através do esporte, bem como uma ode à amizade e, por fim, ao encontro de duas grandes atrizes americanas. A dupla é magnífica e nos mostra com precisão e humanidade o que é ser amigo há décadas e essa é a grande vantagem de um filme de sucesso. Sem esquecer Rhys Ifans, muito bom no papel do sensato capitão do barco.
Somos, informados do feito extraordinário e nunca antes visto da nadadora profissional Diana Nyad, que posteriormente se tornou jornalista desportiva. Com mais de sessenta anos, em 2011, ela decidiu tentar nadar novamente de Key West na Flórida a Cuba depois de ter falhado na década de 1970. São 165 km e desta vez sem gaiola de tubarão e sem qualquer ajuda, exceto a do corpo e da mente. Além deste desafio incrível, e mesmo que tenha que tentar novamente várias vezes, aqui perfeitamente transcrito, pintamos também o retrato de uma mulher teimosa, de caráter e da sua amizade inabalável com a sua fiel parceira de toda a vida que se tornará a sua treinadora nesta aventura.
O único problema que podemos ver em sua narração vem de flashbacks estranhos inseridos com muita frequência durante os momentos de natação. Talvez com a intenção de ventilar estas sequências no mar ou de dar substância adicional a Diana Nyad, evocando um momento doloroso do seu passado, elas acabam por se revelar apenas pesadas e irrelevantes. Deixando isso de lado, “Nyad” é conduzido rapidamente com uma bela noção de ritmo e tensão. Cada travessia de Nyad leva-nos à coragem para saber se terá sucesso ou não (para quem não sabe o resultado deste desafio).
"Nyad" se apresenta inicialmente como uma história de coragem, auto-sacrifício, perseverança, mas também de amizade. Como ela mesma diz, é um esforço de equipe com Bonnie, sua melhor amiga, que cuidou dela e a levou ao seu limite, mas também com todos que participaram dessa jornada maluca. Provavelmente você também tem que ser um pouco maluco e gostar de sofrer para fazer isso consigo mesmo, pois essa luta contra a mãe natureza não é fácil com as condições climáticas, mas também com tudo que povoa as águas a ponto de tornar esse ambiente hostil.
“Nyad” também poderia ter funcionado tão bem como documentário, já que a história também é técnica. Não se trata de um simples esforço físico, mas de uma preparação cuidadosa em todos os níveis. Devo admitir que as diferentes tentativas estragam um pouco a experiência. A sensação de descoberta e sobretudo a adrenalina vão diminuindo gradativamente. É como ver a mesma repetição de um movimento até que seja executado com perfeição, à medida que toda a equipe melhora e o equipamento. De qualquer forma, é um conto formidável que merece ser contada graças à autorrealização e superação que se apresenta.
Segredos de um Escândalo
3.5 333 Assista AgoraConhecer o significado do título original, "May December", não é absolutamente essencial quando se caminha para a exibição deste filme, mas, inegavelmente, ainda traz uma curiosidade: Nos Estados Unidos, esta expressão é usada para descrever um relacionamento amoroso entre duas pessoas de idades muito diferentes. A idade do mais novo é equiparada ao mês de maio, em plena primavera, enquanto a do mais velho é equiparada a dezembro, último mês do ano, aquele que marca a chegada do inverno.
"Segredos de um Escândalo" se apresenta com seus maiores pontos fortes, desvendando temas de trauma, desenvolvimento interrompido, manipulação, exploração, verdade e empatia. Esta é a chave para o que faz funcionar como uma história humana antes de ser uma análise. É uma história surpreendentemente sombria e agourenta, deixando muito pouco espaço para qualquer alegria depois que os créditos rolam. Mesmo os momentos que deveriam representar os mais felizes da vida de qualquer pessoa são prejudicados pelo horror coletivo dos acontecimentos passados. Isso é obviamente intencional, já que a realidade do que aconteceu com Joe lentamente se infiltra na mente do espectador na mesma proporção que penetra na dele. Deste ângulo, Segredos de um Escândalo encontra os suas maiores virtudes, pois procura ir além das conversas completamente unilaterais para mergulhar na mentalidade de alguém que viu estas circunstâncias trágicas como completamente normais durante a maior parte da sua vida. Tudo isso é contado de maneira brilhante por meio de comentários sobre a indústria que encantou esse estilo de vida por tanto tempo.
O estudo psicológico dos personagens é convincente e as revelações sobre a personalidade de Gracie que chegam aos poucos prendem a atenção e mantêm o mistério. Vamos arranhando sua personalidade aos poucos e como a personagem é fascinante, o interesse do espectador é sempre alimentado. E os jogos de espelhos entre as duas atrizes (no filme) são admiravelmente bem prestados.
Descobrimos então essa história mergulhando na preparação de um papel delicado com Elizabeth, que tenta apontar a “verdade” para melhor encarnar Gracie. Uma atriz que leva seu trabalho a sério com uma espécie de mimetismo perturbador que toma conta de uma situação obscura. O personagem de Portman irradia má-fé. Uma figura camaleônica cujas verdadeiras emoções são impossíveis de ler. Acabamos nos perguntando até onde isso pode chegar.
Além do lado doentio da história, existe um contraste interessante entre a imagem da família perfeita e a origem imoral desta relação. Isso resulta em um estudo de personagem complexo e ambíguo, com um desenvolvimento de personagem à medida que Elizabeth se aprofunda cada vez mais em seu compromisso. Mas cada momento incrivelmente angustiante deste filme mostra que não há uma resposta simples sobre como alguém pode contar uma história como essa para a tela. Com o realizador optando por enquadrar isso através de uma história sobre uma atriz tentando estabelecer uma grande inovação ao contar uma história inspirada no caso de Mary Kay Letourneau para a tela, parece que fomos levados a entender como a indústria do entretenimento apenas alimentaria os tablóides e especulação a ponto de ultrapassar uma fronteira ética.
E é aí que talvez reside o brilho de Segredos de um Escândalo, não é saber a resposta, mas mostrar quão pouco podemos realmente saber sobre o que realmente está acontecendo nos bastidores.
A Sociedade da Neve
4.2 724 Assista Agora"Alguns viram isso como uma tragédia, outros, um milagre." Trinta anos depois de “Alive” com Ethan Hawke, que não foi o primeiro, porém a mais conhecida adaptação, é a vez do realizador espanhol Juan Antonio Bayona abordar uma das histórias de sobrevivência mais insanas do nosso tempo, a dos sobreviventes dos Andes. Uma nova adaptação que pretende estar ainda mais próxima da realidade e começa com o casting que aqui é muito mais coerente do que na versão americana. Proposta da Espanha para a cerimônia do Oscar de 2024, o filme retrata essa incrível história com muita modéstia e muito respeito. Não há voyeurismo mórbido, apesar do que são forçados a fazer, e não há tensão ou argumento para criar drama.
Com os personagens com nomes reais, esta é uma verdadeira homenagem às vítimas e sobreviventes. Uma história de coragem, resiliência e solidariedade para um filme comovente, notavelmente corporificado e visualmente impressionante, sejam as cenas de desastre ou a beleza das paisagens naturais.
“Uma história extraordinária que envolve pessoas comuns”. Não heróis, mas seres de carne e osso, confrontados com a escolha do canibalismo. Se as cenas do acidente e das avalanches são de tirar o fôlego, é mais pela resistência, pelo sofrimento e pelo pacto entre os vivos, com a aquiescência implícita dos mortos, que dão alma a um filme que redefine os contornos dos filmes de sobrevivência com uma dimensão visceral. Ninguém além dos seus atores saberão o que realmente aconteceu lá naquela montanha, mas A Sociedade da Neve soube, sem dúvida, chegar o mais perto possível da verdade, com igual uso de virtuosismo e sobriedade, auxiliado por uma trupe de atores notáveis, mais envolvente do que isso é difícil.
Em última análise, é uma homenagem comovente a essas pessoas que viveram o inferno na neve por quase 3 meses, e àquelas que infelizmente não sobreviveram. Este filme enfatiza o lado humano e exala realismo. Quando sabemos que eles filmaram no local real do acidente, isso adiciona um lado comovente ao trabalho que causa arrepios na espinha (sem trocadilhos). Não é entretenimento para todos, mas definitivamente vale a pena dar uma olhada, pois deixa uma impressão duradoura e transcreve essa história de maneira excelente. O ano de 2024 está começando de forma magnífica.
Além da Linha Vermelha
3.9 382 Assista AgoraO talento de Malick como contador de histórias revela toda a sua prudência e magnificência neste trabalho de candura lírica infinitamente formidável sob o pretexto de um filme de guerra. Aqui o realizador explora o ser humano e a sua natureza, confrontado com uma violência totalmente aberrante num cenário paradisíaco. Sem deixar de oferecer uma cena de batalha incrivelmente comovente, claramente não é isso que lhe interessa, preferindo o diretor deter-se nos momentos de latência, aqueles antes e depois da batalha, colocando os personagens de volta às suas questões.
É esta forma de confundir o contraste de tudo isto com o horror da guerra que chama a atenção porque leva o gênero para além de tudo o que já vimos. A verdadeira força do filme de Malick é abordar a guerra e a sua loucura de uma forma comovente e acima de tudo não se deter num simples conflito entre os EUA e o Japão, mas mostrar-nos o horror da guerra contra a natureza.
Não existe algo para lisonjear o ego de ninguém, mas retrata a humanidade, as suas escolhas, a sua natureza e até a sua consciência. Obviamente, você não fica entediado, é cativante e fascinante do começo ao fim. Malick filma a guerra da forma mais sublime possível, usando suntuosos planos de rastreamento e uma câmera próxima ao chão que nos faz sentir como se estivéssemos rastejando ao lado dos soldados na grama alta. Para um filme de guerra, ele se desenvolve bem lentamente, mas eu simplesmente aproveitei por quase 3 horas, que passaram muito rapidamente. Toda a primeira hora é cheia de tensão, apresentando-nos personagens muito variados. A diversidade das personalidades dos soldados e a qualidade do elenco são surpreendentes. Cada personagem tem uma reação diferente à guerra, e cada um é representado por um grande ator.
A narração nos permite identificar muitos soldados, incluindo o idealista Jim Caviezel, o excelente Sean Penn e outros atores comoventes como John Cusack, Ben Chaplin, Adrien Brody e Nick Nolte. A natureza é sublimada pela câmera, com suas cenas sublimes e longos movimentos de câmera. O contraste entre o talho que se prepara e a calmaria reconfortante da esplêndida vegetação é comovente, acrescentando a quantidade certa de poesia a esta obra contemplativa.
O que poderia ser melhor do que a música de Hanz Zimmer para acompanhar esta trágica odisseia. Malick quer nos mostrar a loucura dos homens e a destruição da natureza que ela causa, o que ele mostrará mais à frente. Além da Linha Vermelha é, portanto, uma prequela filosófica com poesia onde menos esperávamos.
Ela
4.2 5,8K Assista AgoraUma radiografia de um fenômeno social que se destaca certamente pela sua originalidade de oferecer um filme de antecipação sobre o homem e a tecnologia, na verdade digo "antecipação" mas isso já não é justo pois a nossa sociedade já está ancorada naquilo que o filme nos mostra, a sua inteligência e a delicadeza da sua observação conduzem à trágica história de um homem solitário.
A solidão é o futuro das grandes cidades, e o drama antecipatório que o realizador oferece aproveitando esta brilhante drama para oferecer uma obra comovente, engraçada e acima de tudo engenhosa. Interpretado habilmente por Joaquin Phoenix, o seu personagem Theodore Twombly é um herói fácil de identificar. Carismático, culto, estético e ainda assim está sozinho. As fortes atuações de Amy Adams, Olivia Wilde e Scarlett Johansson, que apenas concede sua voz ao programa de computador pelo qual Theodore se apaixona, também contribuem para a força do longa-metragem, que regularmente transita do humor para o drama. São notáveis as curtas aparições das duas primeiras, enquanto Johansson empresta sua voz única a Samantha, cujo olhar ingênuo. Uma voz sexy e vibrante.
"Ela" é um filme romântico, mas evita as armadilhas mais recorrentes do gênero, o que o torna imprevisível, estranho mas revelador das falhas atuais de uma sociedade. O final é desconcertante, pois o seu âmbito filosófico excede o seu âmbito dramático. Um dos filmes mais notáveis de 2013 e 2014. A sua delicadeza, o talento dos seus intérpretes e a força das suas emoções tornam-no essencial, e sem estas poucas redundâncias que afetam o último terço do filme.
É uma fábula colorida, cuidadosa e antecipatória, tão perspicaz que se torna flagrantemente realista e até pessimista. “Ela” se tornou um marco, isso é certo. Comovente, inteligente e sutil, este filme nos faz vivenciar uma verdadeira montanha-russa emocional: passamos do riso às emoções em um instante, e o apego aos personagens é quase instantâneo. Um filme de alcance universal que nos dá uma boa dose de sinceridade e também uma certa reflexão filosófica sobre as relações amorosas.
A Batalha do Planeta dos Macacos
3.2 127 Assista Agora5ª e última parcela da saga “Planeta dos Macacos”. A história se passa alguns anos depois da revolta dos macacos que se libertaram da escravidão humana e depois da guerra nuclear que destruiu parte da humanidade. Depois de libertar os macacos, César construiu sua própria comunidade. Sempre pacífico, ele tenta fazer com que os macacos e os sobreviventes humanos coexistam. Mas o General Aldo não vê as coisas dessa forma e gostaria de exterminar os humanos. Logo surge outra ameaça: humanos mutantes devido à radioatividade nuclear querendo exterminar definitivamente os macacos. A batalha parece inevitável. Uma batalha crucial no futuro dos macacos e dos humanos que poderá fazer com que César mude definitivamente o seu ponto de vista em relação aos homens.
Esta 5ª parte não é nada má no geral e conclui bastante bem a saga. O orçamento parece ter diminuído porque ainda sentimos falta de recursos em relação às outras obras, principalmente nos cenários e na maquiagem. Mas ainda é muito assistível. Não há episódio que não desperte a curiosidade e a vontade de ver mais entre cada obra. E este filme não foge a todas estas regras, este filme termina de uma forma muito gratificante ou não, dependendo da interpretação do final que é realmente excelente e fecha na perfeição esta série que terá realmente deixado a sua marca no cinema.
Este episódio mostra a última batalha ou não dos macacos em sua revolta. Achei a história tão interessante e cativante como sempre; a conflito final realmente brilhante e as muitas reviravoltas que há neste filme, especialmente em relação aos macacos que se rebelam contra sua raça. E o que é ótimo nesta saga e neste filme mostra isso bem no final é que esta história, desde o início, não seria um loop infinito e sem fim, um pouco como em O Exterminador do Futuro: o mistério e o fascínio permanecem inteiros. Cenário realmente concreto que nos terá feito levantar muitas questões e até ao final nunca seremos, cabe a você interpretar o final que é muito interrogativo e isso é ótimo porque cabe ao espectador interpretar de acordo com a visão que ele tem do filme e que podemos dizer que é um ótimo final porque cabe a você ver as coisas.
O círculo se completou, mas este encerramento de uma das sagas mais emocionantes da ficção científica com um final que faz você pensar. Uma obra que mostrou toda a sua riqueza e fascínio, uma série de filmes que revolucionou o cinema no seu género.
Os Descendentes
3.5 1,3K Assista AgoraOs Descendentes é mais um filme profundamente humano de Alexander Payne. Uma pequena maravilha do cinema independente americano onde há um enredo mais rico do que parece e, em torno deste pequeno núcleo familiar uma hilariante galeria de personagens, liderada por um soberno George Clooney que, neste paraíso havaiano, se diverte trazendo humor e emoção autêntica ao personagem do pai de família. Ele é um indivíduo complexo, cheio de nuances, que evita diversas armadilhas fáceis e que acaba por entregar uma interpretação de precisão que tem defeitos e que tenta se orientar em um mundo de loucuras, emoções agridoces e surpresas. Estamos longe de ser cartões postais neste drama familiar clássico, mas muito emocionante. Isso nos faz pensar além de nossos pensamentos habituais.
O que é fascinante é estudar o comportamento e observar gradativamente como cada pessoa reajusta seus sentimentos e se reposiciona em relação ao outro. É uma precisão que acerta e nos cativa. Esse mecanismo de sentimentos é muito bem encerada e nos transporta para um round movie familiar.
Tantas cenas fortes e comoventes, gestos e olhares cheios de significado. Alguns momentos, em particular, são terrivelmente inteligentes e precisos, como quando Matt tem uma discussão com Sid no meio da noite apenas para descobrir nele uma grande dor, quando o pai e suas duas filhas observam em silêncio o avô durante a visitação, porta aberta, que acaricia delicadamente a filha.
Embora fundamentalmente dramática, esta história consegue ser engraçada na maioria das vezes, o que equilibra e ilustra tudo muito bem. O realizador não tem pressa, garante uma encenação discreta e detalhada, usa a voz extensivamente off e canções havaianas. O Havaí é um personagem por si só. Paisagens exuberantes majestosas, mar azul, roupas frescas, em agradável contraste com os tormentos internos. O tom tragicômico é irresistível, e a emoção vem à tona naturalmente, calmante. É sobre luto, identidade e delegação, e, em última análise, Os Descendentes é profundamente cativante e realista, um daqueles filmes que, casualmente, tira o coração e faz você querer estar mais presente para seus entes queridos.
Os Rejeitados
4.0 321 Assista AgoraUm resumo da humanidade como dificilmente se encontra no cinema americano. Alguns farão a ligação com Sociedade dos Poetas Mortos (1989), mas eu não aderi a esta referência. O filme é feito de pequenos toques de cor como uma pintura impressionista. E ao longo da história, eventos pequenos e leves, como emulsões de tinta, constroem a imagem de uma história que é sutil, comovente e cheia de significado.
Alexander Payne é um cineasta nostálgico. Com Os Rejeitados ele apresenta uma homenagem ao cinema dos anos 70, que abre com longos créditos que reproduzem de forma idêntica os da época. Tem a mesma colorimetria dessaturada, o mesmo som crepitante, a mesma grafia até a indicação de copyright que indica 1971.
O Natal para aqueles que ficaram numa escola burguesa é apresentado como algo incrivelmente humano. Estas pessoas abandonadas esquecerão as suas diferenças para encontrar o mínimo denominador comum da sua condição humana. Com ingredientes tão díspares, a maionese não era garantia. Mas no final é um momento de doce cumplicidade que surge entre o professor mal-humorado, o aluno incomodado e a cozinheira inconsolável. Para encarnar este conto de fadas moderno, Paul Giamatti é absolutamente surpreendente na sua veracidade como um professor misantrópico que se esconde atrás de citações latinas para esconder a verdadeira angústia. Ele merece o Oscar dez vezes por esse papel, mais sutil do que seu lado bruto sugere. É um papel tão internalizado que o homem desperta compaixão. E diante dele, o rosto esbofeteado do aluno revela uma personalidade esfolada, evoluindo positivamente ao longo da experiência de vida. Finalmente, tal como o Sociedade dos Poetas Mortos, o espectador poderia ser levado a aprender uma lição de vida com o filme: nunca faça julgamentos definitivos sobre os outros; não coloque os outros em caixas, porque correm o risco de sair como um incêndio.
É um “filme para se sentir bem” que beira os lugares-comuns, mas sabe evitá-los a tempo e consegue nos emocionar. Para todos aqueles nostálgicos de uma determinada forma de filmar, de determinados cenários, vocês ficarão encantados.
Além disso, a história é muito comovente e com toda a modéstia sentimos o vínculo que se cria entre os protagonistas, todos tomados por motivos diversos por uma melancolia ora anestesiante, ora que leva à insolência e à raiva. Em suma, um filme de rara delicadeza.
A Guerra do Hambúrguer
2.8 294 Assista AgoraÉ tão difícil tirar a nostalgia da equação ao rever um filme da minha infância. Não posso ser o único crítico que luta com tal coisa. Mas, não sou jornalista. A objetividade não está necessariamente no meu intuito metafórico. Só posso escrever sobre A Guerra do Hambúrguer de uma forma: com o coração.
Encomendado para filmar simultaneamente com a série Kenan & Kel, A Guerra do Hambúrguer pode razoavelmente ser considerado um filme derivado daquele programa em particular. Kenan Thompson e Kel Mitchell são uma dupla clássica. A química deles sempre foi palpável durante os quatro anos de duração do programa, e a Nickelodeon Movies apostou mais uma vez na dupla, com uma boa porção de hambúrgueres, batatas fritas e uma disputa entre fast foods.
A história segue Ed, o idiota bem-intencionado que trabalha na caixa registradora, e Dexter, o preguiçoso egocêntrico que consegue um emprego de verão para pagar o que deve por bater no carro de seu professor. O filme é aquele tropo clássico dos anos 80 do jovem lutando contra a grande corporação, que no caso é um Mondo Burger que abre do outro lado da rua. Embora a premissa seja super anos 80, passei o filme inteiro apontando para coisas que eram anos 90.
Uma das coisas mais interessantes deste filme é o personagem Ed. Faz sentido para ele existir apenas dentro do mundo do Good Burger, já que é disso que se trata, mas o filme o mostra como um estranho espírito da loja. Dexter é mostrado indo para a escola, tendo amigos fora do trabalho e ainda tem um momento bastante comovente em que fala sobre seu pai ter abandonado a família. A única vez que vemos Ed fora do trabalho é no começo e ele até toma banho com seu uniforme de trabalho. Ele também literalmente nunca fica sem o chapeuzinho de papel que eles usam. A representação de Ed não é tão “estúpida”, mas sim como um alienígena ou um robô que interpreta tudo literalmente. Em vez de o humor rir do cara tonto, é rir de como ele distorce as frases da pessoa que está falando. Na verdade, às vezes é muito inteligente.
Devo dizer que adorei rever esse filme muito mais do que pensei que adoraria. Na verdade, eu o recomendo para as pessoas, mesmo que elas não tenham familiaridade com o seriado cômico. O roteiro é cheio de energia e não se leva muito a sério. Eles escapam com uma dança em um hospital psiquiátrico usando o poder de George Clinton da banda Funkadelic. É uma cena desconcertante, mas bem interpretada, onde todos simplesmente concordam e funciona.
27 anos depois, A Guerra do Hambúrguer ainda é divertido, talvez tenhamos ficado muito envolvidos no mundo e das responsabilidades adultas para lembrar o quanto damos risadas com “Grape Nose Boy” na primeiro vez que vemos. De qualquer forma, é bobo e engraçado, perfeito para clarear a mente e rir.
Matadores de Velhinha
3.1 499 Assista AgoraJoel e Ethan Coen nos levam a uma cidade perto do Mississippi com uma agradável atmosfera de jazz e blues. É no porão da linda casa da Sra. Munson que o Professor Dorr decide se estabelecer com um grupo eclético de indivíduos para colocar em prática um plano de assalto a um cassino. Um cenário basicamente clássico que os realizadores conseguiram transformar num filme agradável, divertido e de muito valor cinematográfico. É acima de tudo um filme relaxante que merece ser visto e ser classificado como um dos grandes filmes dos irmãos Coens.
Um dos maiores acertos deste filme está inegavelmente na escolha de seus personagens com um elenco perfeitamente equilibrado. Tom Hanks (cínico e manipulador com seus tiques e carisma próprios) e sua turma nos divertem do início ao fim. As desventuras do grupo, as tentativas de passar despercebido e sobretudo o apetite egoísta de cada um, configuram uma aventura emocionante mas ao mesmo tempo leve.
Só criticaria alguns pontos fracos do cenário em relação a personagem da Sra. Munson e suas reações a certas situações um tanto estranhas e até incoerentes. O mesmo vale para o plano dos criminosos que considero carente de dinamismo e tensão durante sua implementação, o que é uma pena, pois poderia ter sido tão cômico.
A encenação inventiva, os diálogos, o humor e esta belíssima trilha sonora que mistura blues e gospel na linha de E Aí, Meu Irmão, Cadê Você? (2000), fazem deste filme um satisfatório entretenimento. Perfeitamente calibrado para nos manter em suspense sem interrupção, em torno de uma grande variedade de atores. Uma comédia tragicômica contundente que nos encanta.
Rustin
3.3 81 Assista AgoraTodo mundo já ouviu falar, perto ou longe, da famosa marcha pelos direitos civis de 28 de agosto de 1963, onde uma gigantesca multidão pacífica veio de todos os cantos dos Estados Unidos para fazer uma campanha por empregos e liberdade para todos. Mas, acima de tudo e oficiosamente, protestando contra a segregação racial. Foi ao final dessa manifestação histórica que Martin Luther King soltou a famosa frase “Eu tenho um sonho”. O que é menos conhecido é que um dos principais instigadores e ponta de lança deste evento vem de um activista afro-americano chamado Bayard Rustin. Um homem que ficou um pouco nas sombras por causa de sua orientação sexual, sendo Rustin quase abertamente homossexual, o que, claro, não caiu bem na época, sendo a igualdade para orientação sexual uma batalha que virá décadas depois. Um homem nascido na época errada com o duplo castigo que este retrato tenta reabilitar e realçar.
Não é propriamente um filme biográfico, pois cobre apenas alguns meses da vida dessa personalidade polêmica na luta pela igualdade racial. Conhecemo-la melhor, através do que podemos chamar de retrato, através do prisma da organização desta marcha, cuja ideia lhe voltou mas que os manuais de história um tanto esqueceram. Aqui está um longa-metragem que pretende, de forma um tanto didática, esclarecer as coisas. E o maior ponto forte deste trabalho é, sem dúvida, a atuação impecável de Colman Domingo no papel-título. Totalmente investido neste papel delicado, ele se destaca no elenco com suas brincadeiras, seu carisma e sua imensa energia. O ator que provavelmente será citado na cerimônia de premiação lhe presta uma vibrante homenagem com uma atuação de grande importância.
Por outro lado, não podemos negar que o filme é relativamente acadêmico tanto no conteúdo quanto na forma. Além de algumas fantasias interessantes, como o treinamento de policiais afro-americanos e os preparativos para a marcha final ou algumas belas cenas em preto e branco que iluminam o passado do personagem, nada de transcendente em termos de encenação.
O realizador do igualmente simpático mas não inesquecível A Voz Suprema do Blues (2020), que também evocou a causa da população afro-americana, mantendo-se consensual e sábio a este nível.
Lamentei especialmente que o filme se concentre mais na marcha em si e na questão dos direitos civis, que já foi vista mil vezes em filmes e muitas vezes mais impactante, do que no perfil sexual de Rustin. Como se o roteiro fosse cauteloso demais para levar esse aspecto de frente, relegando-o a uma subtrama bastante superficial. Isto pode resultar uma certa frustração, pois foi sobretudo esta condição que colocou obstáculos no caminho deste homem e dos seus projectos.
Em última análise, Rustin é um filme interessante e informativo mas não tão desenvolvido quanto se desejava sobre os lados mais cativantes da vida deste homem. Porém, era importante trazer algumas coisas de volta à luz e assim foi feito.
A Árvore da Vida
3.4 3,1K Assista Agora“A Árvore da Vida” é uma obra metafísica especial. Centrado num cenário bastante clássico, porém, muito enigmático, o quinto filme de Terrence Malick aventura-se onde menos esperávamos. Construído em flashback/flash-forward, “A Árvore da Vida” é um labirinto no qual é difícil ver com clareza. Este labirinto representa os pensamentos e memórias de Jack, arquiteto de uma metrópole nos Estados Unidos. Descobrimos o homem e sua infância difícil, preso entre uma mãe amorosa e sensível e um pai muito rígido. Jack nutre muita raiva de seus pais e desconta seu ressentimento em seus dois irmãos mais novos. Junto com suas memórias, Jack se questiona sobre o mundo ao seu redor. Malick traz esse longo questionamento ao espectador. Advento da terra, surgimento da vida, erupções vulcânicas, apocalipse, Malick vagueia e acompanha o espectador numa viagem lírica e dramática.
Se este aspecto filosófico mas também religioso, sequências de pura criação, são seguramente as grandes divergências levantadas pelo público contra o filme, são também os mais ambiciosos possíveis e provocam uma contradição total com a intimidade que se pode ter dentro do pequeno família reclusa no Texas. E ainda assim as duas sequências têm importância semelhante, mas em registros muito diferentes. Um peculiar, próximo da nossa espécie, e outro muito mais onisciente.
A família do Texas é uma das únicas entidades do filme que nos liga à ordem humana. Malick descreve muito bem a relação pai-filho. Uma relação especial, complicada mas essencial porque dá origem a novas gerações de homens. Com Malick, esses novos homens são torturados pelo remorso, apaixonados por uma violência, por uma ambição de vitória e por um poder transmitido de pai para filho. Jack é o primeiro de seus irmãos e o jovem não consegue se desenvolver por causa dessa relação paterna conflitante. Neste mundo muito masculinizado de Terrence Malick, o papel da mãe é um retrocesso. Mas o realizador é dotado de sensibilidade e provoca grandes momentos de felicidade entre os filhos e a mãe, por mais carinhosa que seja, mas incapaz de protegê-los de um marido impulsivo.
Malick atua de forma íntima e se permite um drama familiar profundamente realista. Realismo acentuado por atuações extraordinárias dos atores. Brad Pitt lidera seu papel de pai autoritário. O ator interpreta uma atuação sincera, pessoal e dotada de uma sensibilidade incrível. Seu filho Jack, é o segundo personagem de maior sucesso. O menino também está cheio de dor, melancolia e nos toca particularmente (assim como seus irmãos mais novos). Jessica Chastain também desempenha um papel muito importante nesta representação de sucesso da família. A atriz personifica perfeitamente uma mulher aterrorizada, submissa, mas também hipersensível. Finalmente encontramos também Sean Penn, no papel do adulto Jack. Uma interpretação muito boa para um papel mais secundário.
Dizem que é incompreensível? É simplesmente um filme sobre sensibilidade, despertar para a beleza (interna/externa), família e questionar o destino humano. Ainda precisamos de um mínimo de abertura para deixar a luz malickiana entrar em nossas mentes. E não entendo como podemos ficar entediados com a parte da “evolução do mundo”, porque as tomadas e a música são magníficas e não prejudicam a história.
Para mim, cada imagem, cada palavra deste filme teve significado. Não é uma questão de cultura ou de inteligência que fará com que você o aprecie. Sua mensagem deve te fazer refletir, apelar para o fundo do seu coração, caso contrário, é certo, apesar das belíssimas imagens, esta obra-prima não terá nada para lhe contar.
Vizinhos Imediatos de 3º Grau
2.8 568 Assista AgoraUma comédia ambiciosa de ficção científica que domina a dosagem com seu delírio de se levar a sério e que realmente funciona bem. Somos presenteados com uma paródia de filmes de invasores com humor eficaz e bem equilibrado com cenas engraçadas e por vezes trash mas não muito, poderiam ter feito ainda mais, porém não me incomodou. Além disso, os personagens apresentados são engraçados de acompanhar e os atores parecem estar se divertindo e nós também, aliás, encontramos o humor típico dos filmes com Ben Stiller e sempre funciona bem. O elenco de estrelas muitas vezes se mostra adepto de energizar tudo. Seja pelo humor de Stiller e Vince Vaughn, frequentadores assíduos deste tipo de filme, pela loucura de Jonah Hill ou pela peculiaridade do britânico Richard Ayoade. Isso ocorre porque o filme oferece uma mistura bastante refrescante entre comédia e filme de ação.
Pequena nota adicional para a produção que é muito simpática e cuidadosa, misturando clichês do gênero e bons efeitos especiais, bom figurino, principalmente dos alienígenas. É um objeto cinematográfico que raramente vemos. O humor, que cai tanto na vulgaridade como na violência gratuita, é eficaz, mas acima de tudo, bem entregue por um quarteto em plena forma. As piadas se sucedem, mas nem sempre fazem rir e a previsibilidade dos acontecimentos cansa mais do que diverte. Porém, certas passagens acabam por ser simpáticas, o ambiente geral cheira anos 80 e o final explosivo atesta o amor do realizador pelo género, mesmo que não seja necessariamente suficiente.
Em última análise, esse filme é onde o humor escorrega, eles se aprofundam na ideia e no universo e isso é muito raro nesse tipo de filme; aqui está a história de uma invasão extraterrestre mesclada com a iniciativa banal de um homem para proteger sua vizinhança. Nada inesquecível, mas mantém os olhos ocupados.
Wish: O Poder dos Desejos
3.0 172 Assista AgoraWish irá mais uma vez dividir a comunidade entre aqueles que o odiaram e aqueles que o apreciaram.
Pela minha parte, admito ter a sensação de ter ficado querendo mais. Existem tantos elementos muito bons quanto outros que pesam nesta nova Disney. Era suposto restaurar a imagem do Mickey durante os seus cem anos.
O filme apresenta seus altos e baixos. A primeira parte é um pouco redundante na minha opinião e tem dificuldade de se desenvolver. O ritmo é um pouco lento e o enredo realmente não decola. Se partirmos de um conceito muito bom, temos a impressão de que ele continua subexplorado. Sentimento que tive do início ao fim. O foco está na personagem de Asha, mas há pouco em jogo. Os personagens secundários também são relegados a segundo plano (muito apresentados e não explorados o suficiente como a família ou amigos de Asha).
Uma parte inútil na hora de descobrir a estrela com os animais da floresta. Este tempo gasto leva a uma perda de tempo para explicar o que se segue. O foco nos desejos para mim não é suficientemente explorado. Por exemplo, para o personagem do avô que sem dúvida se beneficiaria com um pouco mais de explicação sobre seu passado e o que o levou a desejar esse desejo específico.
Um dos pontos forte da animação é o personagem Magnífico que é o novo antagonista amigável e apresenta muitas referências de muitos dos vilões e vilãs escritos da Disney. Sua personalidade é equilibrada e cheia de nuances. Sua própria crença em ser o fiador do bem e agir com demagogia para seduzir seu povo é muito fundamentada. Isso ecoa as tristes notícias que vemos no mundo. Até que ponto uma pessoa convencida de fazer o bem liderará o seu povo e não se deterá diante de nada para satisfazer as suas ambições e vingar as suas próprias? Gostei do fato do Magnífico não ser um pilatra apenas por ser mau. Realmente temos o peso do passado que influencia toda a sua personalidade e ele também tem lados muito bons, o que o torna uma espécie de anti-herói.
Para mencionar a cinematografia do filme. Há mais e menos. Acredito que misturar 2D e 3D às vezes funciona. Mas às vezes não é extremamente bonito. As duas técnicas não parecem coexistir em harmonia como vimos na saga Spider-verse. Notaremos também uma trilha sonora como o resto do filme com algumas boas e outras nem tanto.
Por fim, apreciei a cultura em que o filme se baseia. Nomeadamente o período da Idade Média. Arquitetura mudéjar, caldo intercultural ligado à Rota da Seda (Asha Hispano-Árabe/Africana). A coexistência das três religiões como acontecia antes da Inquisição espanhola contra os judeus e da guerra contra os árabes. As três culturas que coexistiam bem naquela época. Talvez as referências a este período pudessem ter sido mais destacadas como é o caso de Encanto (2021), mas por outro lado é totalmente respeitável.
Para um entretenimento nada desagradável de assistir durante sua projeção, mas uma nova produção padronizada já mais ou menos esquecida poucas horas depois de sair do cinema. Em suma, nada de realmente novo sob o sol da Disney com este belo e pequeno desenho animado, e é ainda mais uma pena para o filme que supostamente simboliza os 100 anos dos Estúdios Disney e sua magia atemporal.
O Sobrevivente
3.2 231 Assista AgoraA premissa básica por trás de O Sobrevivente não era novidade para o público, mesmo quando foi lançado, trazendo uma sensibilidade diferente na sua ideia onde o indivíduo é contra a sociedade, inserido num mundo onde eventos desportivos televisionados podem facilmente resultar em morte.
Se você não está familiarizado com o enredo, O Sobrevivente se passa em uma distopia de um futuro próximo, onde o colapso econômico precipitou a ascensão de um estado totalitário que, quando não massacra seus cidadãos empobrecidos, os apazigua por meio de um reality show aterrorizante. Schwarzenegger interpreta um piloto policial que, depois de se recusar a disparar sua arma contra uma multidão de cidadãos inocentes e desarmados, é forçado a lutar por algumas centenas de quarteirões de uma paisagem urbana infernal repleta de escombros, enquanto enfrenta perseguidores vestidos com fantasias bizarras, um oponente com taco de hóquei afiado, outro de lança-chamas, um cara gordo que dirige um carrinho elétrico, canta ópera e usa um moicano, vestindo um terno feito de Lite-Brites armados que dispara rajadas de eletricidade azul mortal. São dançarinos vestidos de fio dental, adotados de tecnologia futurística lo-fi, explosivos, mortes horríveis e liderados por um vilão apresentador do game show: The Running Man e um enredo estilo videogame que impulsiona o filme em direção a uma conclusão previsível, mas gratificante. Com alguns amigos, o personagem de Schwarzenegger, deve salvar o EUA da tirania, entregando algum código de computador a Mick Fleetwood (da banda Fleetwood Mac) para que seu grupo de combatentes pela liberdade possa sequestrar o satélite de televisão e transmitir a verdade ao povo. Assim, libertando-os.
O Sobrevivente usa iluminação, cenas foscas, cenografia e locais bem explorados para criar uma futura Los Angeles economicamente dividida e crível. E a questão é que nada disso é tão complexo quando você sabe o que está vendo.
Já vi esse filme dezenas de vezes e até revê-lo, nunca tinha percebido o quão abrangedor ele realmente é. No entanto, apesar das suas inúmeras falhas, ainda dou-lhe uma classificação acima da média, porque a crítica de O Sobrevivente à televisão e à sociedade do entretenimento, por mais desajeitada que seja, é muito relevante hoje. Em particular na forma como os meios de comunicação mentem ou disfarçam a verdade do público de forma tão flagrante.
Nos anos 80, as pessoas (pelo menos os roteiristas do filme) pensavam que bastaria mostrar um vídeo mostrando a verdade para que o público entendesse que estavam mentindo para eles. Na era dos Internet, sabemos que a mídia só precisa dizer uma palavra para desacreditar qualquer discurso ou vídeo que desmantele a propaganda televisiva: “conspiração”. Em última análise, O Sobrevivente apresenta uma história edificante que reforça a misantropia inevitável de observadores atentos da sociedade humana.
Homem-Formiga e a Vespa: Quantumania
2.8 519 Assista AgoraO 31° filme do Universo Cinematográfico Marvel e o terceiro filme "solo" com o personagem Homem-Formiga e a Vespa. Esta terceira obra das aventuras de Scott Lang é uma ópera espacial insana e cheia de originalidade.
Os cenários do mundo quântico e de sua população são simplesmente estonteantes. Visualmente épico, todas as cenas de combate e chaves da história são de uma beleza incomparável, misturadas com uma trilha sonora musical imperial, claramente pensei que estava presenciando uma versão melhorada de “Vingadores: Ultimato” pois tudo é monstruoso.
Michael Douglas e Michelle Pfeiffer são impecáveis, se divertem em seus papéis e isso transparece na tela, Paul Rudd ainda é o cara mais legal do planeta de Homem-Formiga, e Evangeline Lilly como Vespa e a jovem Cassie também são agradáveis e todos os outros personagens são muito corretos, como ator convidado final como uma cereja no topo do bolo, Bill Murray nos dá uma atuação cômica, mas esquecível e dispensável. Kang é carismático e impressionante, interpretado por Jonathan Majors, seu personagem é muito satisfatório e acima de tudo muito convincente, supostamente quase nos fará esquecer Thanos. É muito promissor para o futuro dos eventos e finalmente sabemos aonde essa saga está nos levando. E o cúmulo do ridículo vai para Modok, trollista à perfeição e divinamente tratado, ou seja, de forma humorística.
A MCU e o Homem-Formiga não oferecem nenhuma singularidade? Vá contar isso aos designers que saíram da imaginação para esse filme bem ritmado, com muitos efeitos especiais e um pouco de humor. Cenas malucas repletas de fantasias, casas orgânicas vivas, o humanoide com cabeça de brócolis, uma criatura obcecada por buracos que parece um polvo feito de geleia rosa, as formigas futuristas que criaram sua própria cidade de alta tecnologia, o mundo quântico em geral com sua fauna e flora cheia de cor e vida esses personagens secundários incríveis. Universo subatômico totalmente inexplorado do tipo Star Wars, muito bem ritmado, bem equilibrado entre humor e seriedade. Não é original? Bobagem! Um ótimo entretenimento que não é pior do que a maioria das novidades da Marvel.
Clube da Luta Para Meninas
3.4 234 Assista AgoraAs melhores amigas PJ e Josie são lésbicas consideradas "feias e sem talento" na Rockbridge Falls High. A dupla decide que chegou a hora de acabar com o celibato involuntário enquanto discute suas paixões pelas populares líderes. Sem querer, a dupla trama um plano para perseguir suas paixões em nome da autodefesa, iniciando um clube da luta com a ajuda de sua nova amiga, Hazel. Bottoms pode não se inclinar para o absurdo total de sua ideia, mas o filme não tem medo de ser cruel.
Esta é uma premissa brilhante para um filme adolescente, um gênero que tem se tornado cada vez mais saturado por plataformas de streaming. Embora a maioria possa chegar a um acordo unânime de que a comédia é o gênero mais difícil de alcançar, eu diria que tudo o que é realmente necessário é escrever e atuar de forma autêntica. A comédia é subjetiva, então o que pode ser engraçado para um é sem humor para outro.
Depois de um início que nos lembra uma versão feminina dessas comédias onde as protagonistas querem perder a virgindade antes da faculdade, “Bottoms" surpreende pelo seu lado transgressor e também pelo seu frescor, mas apreciei especialmente o grupo de meninas com personagens cativantes, embora a escalação de Sennott e Edebiri, de 28 anos, como “adolescentes feias” exija uma suspensão significativa da descrença, são comediantes e atrizes talentosas, mas há uma curiosa falta de piadas reais no roteiro e momentos que parecem improvisados.
Fora isso, o conjunto do filme é bem escolhido. De resto, é muito caótico e desarticulado com estereótipos muito acentuados que criam uma espécie de histeria coletiva como se não fosse real. Mas é bom ver um filme adolescente (algo já raro hoje).
O filme é claramente ambientado em alguma versão hiperestilizada da realidade e poderia ter se saído bem ao se inclinar ainda mais para o absurdo. O cenário é salpicado de cenas surpreendentes, você pode se perguntar por que há um estudante do ensino médio mantido em uma jaula no fundo de uma sala de aula ou reconhecendo o time de futebol sentado como A Última Ceia no almoço em frente a uma recriação de A Criação de Adão. Esses floreios certamente servem para dar corpo ao mundo de Bottoms, mas há uma sensação de desconexão entre a sobrecarga sensorial e alguns dos momentos mais fundamentados do filme. Isso poderia ser relavado se Bottoms conseguisse ser subversivo ou interessante de outras maneiras, mas o filme rapidamente se torna uma comédia romântica convencional, atingindo ritmos previsíveis na trama apenas para acrescentar um terceiro ato selvagem e sangrento que surge do nada e, como resultado, parece imerecido. É uma pena, porque o mundo precisa desesperadamente de mais comédias e filmes sobre a maioridade, e a equipe criativa aqui é claramente ambiciosa e talentosa, mas Bottoms é muito confuso e sinuoso para dar um nocaute. O falso ritmo é compensado por encenações virtuosas e mesmo que não seja hilário, é uma boa comédia.
Saltburn
3.5 862Visualmente de grande mestria, impulsionado pela sua estética um tanto vintage, com a fotografia sendo assimilada ao filme. Seu impressionante cenário, é um trabalho visualmente impecável para quem gosta desse tipo de universo e desses efeitos estilísticos. Oferecendo-nos inúmeras cenas que impressionam, ao mesmo tempo que ancora a sua história entre os ultra-ricos britânicos. Tudo se inicia como um filme universitário, ao assumir o controle do gênero, acabando por desenrolar uma história onde obsessão, luxúria e até códigos de invasão domiciliar se unem.
Inteligentemente ambientado em meados dos anos 2000, antes dos smartphones inteligentes e dos excessos da Internet serem comuns, convida-nos à prestigiada Universidade de Oxoford, onde dois adolescentes se conhecerão: um aristocrata muito rico, e um jovem e tímido bolsista. Através deste último, somos submersos durante um verão em 2006, no cotidiano de uma rica família britânica. A crítica, até mesmo a sátira, aos ultra-ricos está presente, mas abre reflexões, embora encante e se mostre muito relevante. No entanto, seria errado acreditar que este filme será um filme estudantil ou um filme adolescente britânico. E mesmo que uma crítica aos ricos pareça ser o tema, há (muitas) outras coisas escondidas em “Saltburn”. Um estudo de personagens e comportamento, um filme sobre manipulação, uma obra sobre o desejo de ser outra pessoa, ou mesmo apenas desejo e um falso romance amigável.
O filme é bom, mas a estética supera a história. É cheio de inconsistências, mas achei o cenário fantástico, as festas malucas, os grandes personagens e o estilo muito refrescantes, mas a substância da história me decepcionou. Por enquanto, não é à toa que dizem que o que conta é o caminho percorrido e não o destino, porque gostei de ver este filme, mas a última parte, que foi demasiadamente previsível. Um pequeno e mal escondido, alusão ao fim iminente do mundo em frente à estátua de Belzebu. O humor negro inglês tem sua própria maneira de lidar com a sociopatia. Confuso e magistral. Sem lógica e pouco convincente.
No Limite da Loucura
3.5 10Feito durante uma época em que o caos superficial não estava nem perto de ser desaprovado, o pouco conhecido No Limite da Loucura é um lembrete de como a música costumava ser divertida. Claro, não estou dizendo que a música não é mais divertida, mas o mundo da música apresentado neste filme não é o mesmo em que vivemos. Promovendo a convergência do rock'n'roll clássico, glam rock, new wave, blues e punk, o realizador apresenta um universo onde esses estilos distintos podem se misturar e prosperar sob o mesmo ambiente.
Apresentando a história chocantemente simplista do famoso Saturn Theatre, sendo ameaçado por um novato no mundo da produção, comicamente malvado no momento em que eles estavam prestes a lançar um grande show de Ano Novo em 1983. Este turbulento filme se concentra principalmente em Neil Allen ( Marv, um dos bandidos de Esqueceram de Mim 1 e 2) e sua luta desesperada para manter uma aparência de sanidade enquanto a variedade excêntrica de atos lentamente começa a aparecer no teatro.
Como este filme conhece as regras da comédia, Electric Larry, o robô mágico das fadas das drogas, que entrega as mercadorias sempre que necessário. Cada ato musical chega ao show em seu estilo único: um grupo de hippies liderado pelo Capitão Cloud chega cedo, mas também um pouco atrasado (eles pensaram que era 31 de dezembro de 1968); uma banda de blues chamada King Blues, também chega ao show um glam rocker levemente depravado chamado Reggie Wanker ( Se você acha que o personagem de Malcolm McDowell não será totalmente maluco, você não sabe nada sobre Malcolm McDowell, seu personagem é um riff de Mick Jagger. Ele está entediado com todas as fãs e drogas que consegue; e Auden (Lou Reed), um cantor folk metafísico, ele diz ao motorista de táxi para seguir a "rota panorâmica" (ele ainda está trabalhando em uma música).
Este é um filme bastante insano, mas é aquele estilo de insanidade de transição entre os anos 70 para 80. Caso ainda não tenha ficado claro, a principal “brincadeira” do filme é a presença no elenco de atores como músicos e músicos como atores, é um crédito do filme que essa piada nunca canse. O problema de tentar escrever sobre é que muitas dessas piadas são piadas físicas ou visuais. Você precisa vê-los se desenrolar para apreciá-los totalmente. Às vezes, isso é tudo que você precisa para fazer com que 90 minutos pareçam um tempo bem gasto.
E essa é uma ótima maneira de curtir a virada do ano. Olhando para trás e esperando que o que fizemos tenha sido um tempo bem gasto e, como sempre, esperando um ano melhor pela frente. Certamente desejo a todos um feliz, seguro e animado Ano Novo.
Maestro
3.1 260Bradley Cooper, conhecido por sua estreia na comédia, rapidamente evoluiu para um aclamado ator e diretor, presença constante nas temporadas do Oscar. Com “Maestro”, ele busca provar que o sucesso de seu primeiro filme, “Nasce Uma Estrela” (2018), não foi fruto do acaso. Nesta cinebiografia sobre o lendário maestro, compositor, e pianista norte-americano Leonard Bernstein, famoso por seu trabalho no musical Amor, Sublime Amor (1961), o realizador investiga a dualidade de Bernstein, tanto profissional quanto pessoal. Assim como Blonde (2022) e Oppenheimer (2023), o filme reaproveita a mistura de cor e preto e branco para enfatizar melhor a profundidade de seus personagens, enquanto mistura os planos. O desempenho de Carey Mulligan é aclamado como um dos melhores de sua carreira, ao lado de Bradley Cooper, que investiu notavelmente em seu papel. O tratamento maduro que Bernstein dá à bissexualidade também deve ser elogiado.
Embora o filme possa ser criticado por não explorar suficientemente a carreira de Bernstein, oferece um retrato íntimo e comovente do casal. A história é totalmente centrada nos dois, então tudo relacionado à carreira do músico é pouco mencionado e muitas vezes de forma indireta, por isso às vezes fica difícil entender a importância do mítico maestro. Cooper demonstra notável mestria, optando por uma primeira parte a preto e branco e formato 4:3, que dá a impressão de estar suspenso no tempo como se nada existisse por perto com Leonard que age livremente e sem se preocupar com o olhar dos outros, o que parecia um pouco confuso para a época. Apreciei essa parte principalmente pela qualidade da direção e essa impressão de redescobrir o que fazia o encanto na Era de Ouro de Hollywood. A segunda parte está mais próxima da cinebiografia clássica que simplesmente relata os fatos mesmo que haja um pouco mais de emoção pela natureza dos fatos.
Em suma, “Maestro” é um filme complexo e ambicioso, cativante apesar de algumas falhas, e marca um marco significativo na carreira de Bradley Cooper.
Porco Rosso: O Último Herói Romântico
3.9 286 Assista AgoraEm seu sexto filme, o mestre da animação nos leva à Itália entre guerras para acompanhar um solitário piloto de hidroavião com cabeça de porco ajudando pessoas em dificuldades, mas que aos poucos se encontrarão confrontados com piratas pirados.
Miyazaki coloca "Porco Rosso" num contexto muito mais realista do que a maioria dos filmes feitos antes, onde apenas a "maldição" do herói é fantástica (maldição que não é realmente um elemento explorado por Miyazaki). Situado entre as duas guerras no território italiano, onde o contexto político, económico e social era complexo, o seu filme aborda de forma subtil e muitas vezes se aprofunda vários temas que são raros de encontrar em animação como a guerra e seus absurdos, fascismo (o termo "Porco Rosso", que significa "Porco Vermelho", foi um insulto dirigido aos oponentes do regime de Mussolini na época (e mais precisamente aos comunistas) ou o lugar da mulher nesta sociedade, bem como algumas referências bem feitas como o carismático piloto italo-americano Donald Curtis, sendo um caçador de recompensas, querendo ser ator e depois presidente.
Aqui também é uma homenagem à aviação e à sua história, paixão oculta de Miyazaki, esse interesse vem de seu pai que trabalhou neste setor industrial. Sentimos claramente o criador dividido entre a visão romântica da aviação de outrora, e a mais realista que associa avião e exército porque na altura não existia praticamente aviação civil. Para além das referências, homenagens ou temas abordados, Miyazaki conta-nos sobretudo uma história fascinante e cativante, assim como a galeria de personagens que retrata. Começando por este aviador solitário e caçador de recompensas, ex-Força Aérea Italiana, vivendo de acordo com suas próprias leis, bastante elegante e seguro de si e da garota que conhecerá quando tiver que consertar seu avião, uma designer, apaixonada pelo trabalho e sempre despreocupada e confiante.
Hayao Miyazaki realiza escolhas, com as quais nos identificamos facilmente, onde deve escolher entre o amor, a sua paixão, a sua vida e os seus problemas. Cativante do começo ao fim, ele também dá uma dimensão melancólica, poética e poderosa ao seu filme, cheio de emoções mas sem falta de humor, muito pelo contrário.
Os desenhos são absolutamente caprichados, assim como certas cenas como ataques aéreos ou simples paisagens que Miyazaki é sublime. A música é, mais uma vez, criteriosamente escolhida.
Pessoalmente, mais uma vez encantado com o universo de Miyazaki, aqui mais “adulto” mas ainda assim muito requintado com uma história cativante e personagens igualmente cativantes.
Mamonas Assassinas: O Filme
2.4 221 Assista AgoraMamonas Assassinas foi um estouro repentino e absoluto que dominou o Brasil pelo curto período de oito meses. O trágico fim dos jovens foi amargamente sentido a nível nacional. Perder talentos jovens demais que sequer tiveram a oportunidade de respirar o sucesso que faziam é triste de uma forma indizível.
Aqui confia-se que o grande sucesso da banda e a nostalgia que a mantém viva seria um permissivo ou mesmo uma garantia que o projeto será bem recebido, e essa certeza parece significar que um certo empenho para que mantenha-se uma qualidade artística aceitável seja dispensável. Um disco é um disco. Um teatro-musical é o que é. Um filme, portanto, é outra coisa diferente das demais. O realizador parece não ter compreendido o que tinha em mãos como missão e não soube fazer o que era esperado, ou seja, fazer cinema.
Mamonas Assassinas: O Filme nem parece um filme. Parece algo ainda a ser finalizado, tamanha sua desorganização e estrutura de ritmo que não apresentam liga alguma. Talvez seu pior equívoco seja o desperdício de perceber que existia uma história imensa a ser contada, e que é pontuada diversas vezes, mas que foi deixada de lado para focar no lado lúdico da banda. Muitas das grandes viradas do grupo, composições de músicas, mudanças de nome e de relacionamentos, funcionam apenas como vírgulas entre as cenas dos 5 integrantes no palco, sem grande desenvolvimento.
O diretor traça de forma linear a história de vida de Dinho, Bento, Júlio, Sérgio e Samuel e de suas trajetórias como banda, e tudo que está ao redor deles é uma representação genérica de pessoas e circunstâncias, que no início até soa inocente, mas torna-se gradativamente incômoda: as famílias, as mulheres, o empresário, tudo é construído da forma mais negativamente preconcebida possível. A distribuição de importância dos demais membros da banda é nitidamente desproporcional. Enquanto Samuel e Sérgio tem sua vida bem exposta, Dinho é quase um conto de fadas onde tudo simplesmente dá certo. Os restantes dos integrantes, Júlio e Bento, não somam sequer 10 minutos de tela de suas vidas privadas.
Soa explícito e ingrato que o legado de Mamonas Assassinas tenha se transformado somente numa máquina de gerar dinheiro, com o tamanho de descompromisso cinematográfico deste projeto. Infelizmente o diretor se apega totalmente na nostalgia e no carisma de Ruy Brissac para entregar um clipe misturado com um dramalhão horrível, estereotipado e muitas vezes soa mais como uma homenagem repetida do Domingo Legal ou do Domingão do Faustão. Porque filme, de fato, não é.
A Fuga das Galinhas: A Ameaça dos Nuggets
3.4 236 Assista AgoraVinte e três anos após o sucesso do primeiro “A Fuga das Galinhas”, os criadores de “Wallace e Gromit” estão de volta com esta sequência divertida e maluca.
Tínhamos uma memória nostálgica e quase ultrapassada de “A Fuga das Galinhas”. Esta entidade britânica especializada em Claymation (ou animação quadro a quadro com plasticina) surpreendeu o mundo com sua técnica de animação. Uma sequência teria sido lógica, mas a Aardman Studios abandonou a ideia em favor de outros projetos originais como “Shaun: O Carneiro” de 2015. Mas sequências tardias tornaram-se comuns (aleatoriamente “Blade Runner 2049”) e até no campo da animação isso é possível como vimos com a excelente sequência “Os Incríveis 2”. A Netflix produziu, portanto, uma segunda parcela que tem uma visão oposta ao primeiro, contando uma aventura de infiltração em vez de exfiltração.
Em primeiro lugar, a animação parece ter permanecido ao mesmo nível de 2000. Não é desagradável dada a técnica específica utilizada, mas por isso já não é surpreendente aqui. Como se a Aardman Animations tivesse permanecido estagnada, exceto por algumas pequenas melhorias aqui e ali. A história é realmente básica, assim como a moral familiar da história e suas questões bastante básicas. “A Fuga das Galinhas: A Ameaça dos Nuggets” gira, portanto, em torno do resgate de Molly, a galinha nascida da união de Ginger e Rocky. Poucos personagens novos, uma narrativa o mais linear possível e nenhuma surpresa a não ser esta pequena carga crítica à criação em massa que acaba por ser muito simpática. A partir desta ideia, a única atração que obteremos será este cenário semelhante aos da série “Round 6” que prende as galinhas hipnotizadas numa espécie de realidade tendenciosa e felicidade artificial.
E não podemos mais considerar as histórias fáceis e as implausibilidades tão grandes quanto uma galinha recheada de grãos. Claro que estamos em um filme de família, mas ainda assim. O número de vezes que essas galinhas escapam como num passe de mágica ou, pelo contrário, ficam estupidamente presas não dá para contar nas duas mãos. Tanto que chega a ser cansativo e o resultado disso tudo parece predeterminado, sem surpresa.
Por fim, o humor infelizmente não é adornado com nenhum segundo grau ou nível de leitura que possa satisfazer os espectadores mais adultos. Às vezes é até constrangedor e muito infantil. Quanto ao retorno da Sra. Tweedy não é sem relevância, mas suas lamentações e seu escárnio a cada ação parecem vir diretamente do comportamento de uma vilã vulgar de desenho animado televisivo e parecem vir de outra época.
Assim, consolamo-nos com o ritmo frenético de tudo isto, o prazer de ver novamente estas galinhas de plasticina e algumas sequências rapidamente divertidas, mas dificilmente é bem sucedido ou satisfatório no geral. Espero que o filme agrade ao maior número de pessoas possível, pois ainda tem algumas qualidades: é muito bonito com uma animação soberba, e estamos muito satisfeitos por ver novamente os nossos galináceos preferidos, continua a ser um belo entretenimento.
De Ilusão Também Se Vive
3.9 91 Assista AgoraEntre as tradições natalinas transmitidas ao longo dos anos, houve um clássico de sucesso de Hollywood que serviu de base para todas as adaptações deste feriado na tela: "De Ilusão Também Se Vive", que apresenta o relato mais inteligente da festa: Além dos seus contornos comerciais (embora evite demonizá-lo porque isso não é necessário). A história é muito simples, um homem com muitas surpresas que finge ser o Papai Natal (o filme brinca habilmente com o fato de nunca o confirmar explicitamente) que influencia toda uma cruzada de diferentes personagens com diferentes credulidades em magia e encantamento. Dando uma guinada completamente inesperada ao colocar sobre a mesa de forma totalmente concreta a responsabilidade jurídica por uma eventualidade tão louca como a existência do Papai Noel.
Apresentando de forma definitiva e da forma mais engenhosa uma moralidade muito ingênua, mas básica, será tão importante provar algo absurdo quando tudo o que este pede é acreditar nisso? Assim, o filme vai além do sentimentalismo do Natal ao nos apresentar comentários um pouco mais reflexivos. Bem, a encenação não é extraordinária, é muito padrão a “era de ouro de Hollywood”. Observe que o clássico natalino será objeto de um remake (menos bem-sucedido) em 1994, com Richard Attenborough no papel de Papai Noel!
Este conto tingido de poesia constante retrata uma mensagem altamente simbólica sobre o significado da partilha no Natal e que traz de volta um elemento fundamental desta celebração, o Natal não precisa de uma figura comprovada cuja aura seja conferida pela opinião para transmitir os seus valores e não há necessidade de negá-los.