Em 1975, um grupo de madeireiros de Snowflake, Arizona, afirmaram ter entrado em contato com extraterrestres e que um deles foi sequestrado. No regresso, quando alertaram as autoridades, que se mostraram-se cépticos e a socidade local os acusa de homicídio. Só que 5 dias depois Walton reaparece. Aqueles que esperam um filme de ficção científica com efeitos em todo o lado ficarão desapontados: é um filme sobre rapto, e não um Independence Day. O objetivo do filme é não acreditar ou não. Além disso, deveria ter sido claramente demonstrado que o rapto e a experiência de Travis Walton são apenas testemunhos. Este filme é sobre as relações humanas em torno de um fenômeno estranho. Como em 5 dias de um desaparecimento inexplicável, pode abalar as nossas convicções e levar a maioria das pessoas a negar. Este filme é sobre a própria natureza do Homem que precisou que os seus pensamentos lhe fossem ditados durante milhares de anos, pela religião, pela ciência ou pela política e que nega, e ainda é o caso, todos os novos conceitos, sem perder um pingo de tempo para entender. Talvez tenhamos medo da mudança no fundo do nosso subconsciente. Quando falo de um clássico do gênero (o rapto, os experimentos), estou convencido de que para os fãs do espaço, da ficção científica, daqueles que temem ou esperam vida extraterrestre, este filme pode ser considerado uma boa obra. Trata de um mistério, e não fala abertamente, ao mesmo tempo que mostra a reação de quem duvida.
“Coração de Tinta: O Livro Mágico” começa com uma ideia brilhante, aspirando-se escandalosamente misterioso, com um pai que viaja há 9 anos com sua filha para encontrar um livro que atrairia sua esposa, porque esse homem tem o dom de ler e dar vida aos livros e, portanto, tanto heróis quanto vilões podem ir e vir do livro para a realidade. Então aí está o enredo e você dificilmente ficará entediado, mesmo que o ritmo não seja épico, falta um pouco de força devido às cenas de ação que não são necessariamente incríveis ou emocionantes. Mas, o universo é cativante e bem desenhado, com bons efeitos especiais que nos proporcionam cenas muito bonitas, portanto em termos de produção é plausível e garante entretenimento. Depois os personagens são legais de acompanhar, nada inesquecíveis mas têm simpatia porque os atores são bons, principalmente Brendan Fraser, ele manteve seu lado aventureiro de A Múmia e convence apesar de um personagem complexo e irritante no primeiro ato. Ao seu lado estão alguns atores sólidos: uma truculenta Helen Mirren, um bom Jim Broadbent e, acima de tudo, um bem histriônico Andy Serkis, ideal como vilão. Paul Bettany fica um pouco atrás talvez, mas principalmente por causa de um personagem pouco credível, que continua sendo o ponto fraco da trama. Em suma, existem ideias, mas é verdade que poderiam ter sido mais aproveitadas. Apesar de tudo "Coração de Tinta" é original e seduz pelo seu trabalho formal, seus atores simpáticos, e continua sendo um sólido entretenimento familiar para o período de férias.
"Resistência" é o exemplo típico de uma obra salva pela sua direção artística e pela sua ambição cinematográfica. É um espetáculo ao mesmo tempo contemplativo e divertido, de escala dantesca e de indiscutível beleza estética. Uma obra de ficção científica generosa pelo seu universo, pelas suas referências e pela criatividade dos diferentes designs tecnológicos apresentados na tela. É preciso dizer também que a qualidade da fotografia e os efeitos especiais ajudam muito na imersão, apesar das óbvias falhas de escrita que dão uma forte sensação de déjà vu relativamente à estrutura da história e aos seus temas. A grande força do filme é claramente o universo que nos oferece. E mesmo que multiplique excessivamente as referências cinematográficas e literárias, consegue nos oferecer um universo próprio. Há uma verdadeira coerência visual e é um prazer descobrir esta mistura do universo cyberpunk e da cultura asiática. É cheio de detalhes e o design geral é deslumbrante, sejam os cenários, os robôs, as máquinas, ficamos maravilhados e o filme envergonha um bom número de grandes produções de Hollywood. O realizador fez a escolha sábia de rodar seu filme principalmente em cenários naturais, limitando os fundos verdes. E o resultado final é deslumbrante porque os efeitos especiais estão incrustados com um realismo que lembra Distrito 9 (2009). Sim, nem tudo é perfeito, principalmente um cenário que às vezes é bastante clássico e previsível. Principalmente porque o filme é tão generoso em termos de ação, o que significa que falta profundidade. Gostaria que ele questionasse mais sobre o lugar da IA (porque é um pouco maniqueísta...) ou focasse na relação entre os dois personagens principais. Da mesma forma, ele usa, e até abusa do deus ex machina, o que pode frustrar alguns. Mas não importa, o principal para mim é claramente o espetáculo proposto, e mesmo que os seus defeitos certamente o impeçam de se tornar cult, é um verdadeiro deleite poder ver uma proposta como esta que contrasta radicalmente com esta que Hollywood tende-se a nos satisfazer ao ponto da overdose por algum tempo. Em suma, um entretenimento que muitos irão apreciar, mas pelo qual não tive grande carinho, nada revolucionário, nada surpreendente, estamos longe da “obra-prima da ficção científica” que alguns já idolatram.
Stiller provou ao longo dos anos que é muito mais do que um ator cômico. Com uma obra mais madura, combinando habilmente comédia e drama, efeitos especiais e profundo realismo. Ele embarca em um projeto ambicioso, contando-nos a história de Walter Mitty, um homem bastante comum, mas preso em sua vida cotidiana, onde ousa escapar apenas através dos sonhos, e quando a realidade o alcança, ele terá que superar seus medos e partir em uma aventura. Ben Stiller tem algumas descobertas bastante engenhosas, seja em sua direção ou às vezes na escrita. Na verdade, temos um herói realmente agradável, bastante romântico e carismático, e no geral todos os personagens são cativantes, além de serem muito bem interpretados. O enredo foi construído de forma inteligente. Os momentos oníricos, que o protagonista chama de “ausências”, são brilhantemente anexados ao quadro narrativo de tal forma que não há ruptura ou impacto no ritmo geral da obra. A comédia dramática não contém extensão e é facilmente domesticada. Ben Stiller fez um trabalho impecável tanto na frente quanto atrás das câmeras. Seu Walter Mitty é confiável com temperamento estável e comedido, sua boa relação com a família e uma dedicação ao trabalho formidável. Todo o processo de sua transformação de um homem comum em um homem realizado e orgulhoso também se mostra bem desenvolvido. Embora seja uma comédia dramática, A Vida Secreta de Walter Mitty contém muitos efeitos especiais, e sua qualidade também não foi negligenciada. As músicas que compõem a trilha sonora enriquecem o filme de diversas maneiras. Em última análise, A Vida Secreta de Walter Mitty foi um dos melhores filmes de 2013, uma obra inteligente, acessível e vibrante. Ao contrário de muitos outros que tentaram o mesmo exercício sem sucesso, o longa-metragem de Ben Stiller nos incentiva a nos superar e a realizar nossos sonhos, por mais malucos que sejam. Claro que é um filme patrocinado por agências de viagens de todo o planeta, e isso dá muita vontade de viajar.
As invasões alienígenas são um clássico narrativo da ficção científica que não envelhece e continua a prosperar às vezes para melhor, mas muitas vezes pelo pior da memória recente, por falta de originalidade e de ter algo novo para contar ou mostrar. Ninguém Vai Te Salvar com sua clássica trama de invasão de domicílio, é muito mais do que esse gênero citado. Mistura ficção científica, drama e sobrevivência com muita imaginação e um excelente conceito. Na verdade você só encontrará uma linha de diálogo durante essas 1h33! Impensável, você me diz? Bom, sim, não há roteiro aqui e estimei o efeito produzido, uma tensão palpável e atenção constante para tentar entender o final da história. Além disso, algumas reviravoltas apimentam as coisas e a jovem protagonista Caitlyn Dever se mostra muito eficaz em levar o filme quase em seu único papel, entregando uma ótima atuação. A produção está longe de ser ruim mesmo que a critiquemos por um certo classicismo em determinados momentos. O final também esconde um clímax muito surpreendente, quer o compreendamos ou não. Em última análise, Ninguém Vai Te Salvar é certamente ousado, mas nos faz perder um pouco em seu desfile de imagens finais abrindo muitas pistas sobre a origem dos alienígenas, suas motivações, o destino do personagem principal e seu passado doloroso. Somos, portanto, brindados com um final visualmente belo, mas totalmente hermético e sibilino. Um epílogo que não descreveríamos como um fracasso, mas sim frustrante e que nos deixa um tanto duvidosos. Em qualquer caso, apesar do tema banal e deste final em particular, é muito original e admiravelmente silencioso, deixando completamente as composições sonoras de sucesso e o poder das imagens façam o resto, fazendo um filme muito singular.
A longevidade da saga do lagarto radioativo gigante continua a crescer. O que ainda há de fascinante nestes filmes de monstros, que combinam intimamente os códigos do filme-catástrofe com o seu DNA? Por que Godzilla, um grande monumento da ficção científica e terror e da cultura pop, parece imortal na tela? A resposta está em Godzilla Minus One, que certamente não irá decepcionar os fãs de Kaiju Eiga e J-Horror e emocionar neste retrato do Japão do pós-guerra. Num Japão tradicional e devastado onde os códigos de honra e respeito estavam em plena evolução. Ao lado deste enredo extremamente bem contado. Godzilla é finalmente uma ameaça real na tela. É extremamente perigoso, além da ação, do caos e do ridículo de certas criações japonesas, ele é dominador contra humanos e às suas tecnologias e apesar da falta de recursos para efeitos especiais que por vezes se fazem sentir nas texturas ou na animação, Godzilla é verdadeiramente assustador. E é neste contexto que nos são apresentadas as diferentes personagens dos filmes, desde o kamikaze desertor ao sem-abrigo que assumiu a responsabilidade por a de uma órfã a alguém que vive nos escombros de sua casa no meio de um lugar arrasado, e outros: personagens profundos e complexos, cujo nível de apego ao espectador é importante, e para quem a menor perda humana é uma tragédia. O realizador coloca as cartas do futuro nas mãos desses cidadãos e soldados sobreviventes que perderam tudo, até mesmo sua honra. E apesar do sacrifício e arrependimento de todos, todas essas pessoas são chamadas para a frente de uma nova ameaça desconhecida, na costa japonesa. A guerra parece não ter acabado e Godzilla está de volta para um grande golpe. Yamazaki também apresenta um melodrama que certamente não é mesquinho com bons sentimentos, mesmo que ainda falte delicadeza na escrita dos personagens para aperfeiçoar a tragédia humana que se desenrola diante de nós. Também não se trata de permanecer impassível diante de um luto nacional que se repete na tela, porque a peculiar e comovente cumplicidade entre Shikishima, Noriko e uma criança tem todo o potencial para comover você durante belas promessas. Depois, num silêncio ou num impulso musical meticulosamente composto, a emoção é bem acompanhada, mesmo na reutilização do tema mítico. Em resumo isto o filme de baixo orçamento tem dois eixos de histórias entrelaçadas, o pós-guerra japonês e sua reconstrução através de uma família de sobreviventes e um filme de ação Kaiju; uma escala raramente alcançada em filmes americanos. Talvez minha única "reclamação" seria sua ambição. Ou seja, o final é, por si só, quase perfeito. O final feliz foi inesperado e um prazer de ver, mas o filme aceita plenamente a escolha de querer uma sequência. Como resultado, o final é feliz, mas você facilmente entende que essa felicidade vai durar pouco.
Através de uma sinopse bastante original que envia uma estrela de cinema americana para os braços de um livreiro inglês, Um Lugar Chamado Notting Hill é um sucesso parcial na medida em que o filme consegue ser frequentemente cômico, suave, ingênuo e interessante em sua maior parte, também é particularmente repetitivo, com muitas divergências entre os dois personagens principais, e longo demais para seu próprio bem. Sem nunca justificar a história de amor que o enredo conta. Aqui tudo é imaginação, sonho e devaneio. O diretor até torce o nariz para comédias românticas melodramáticas ao incluir o tradicional beijo em um dos primeiros cenas. A câmera fluida acompanha as andanças dos heróis para criar um verdadeiro ganho progressivo de intimidade. O roteirista apresenta cenas muito bonitas que tornam este conto de fadas moderno cativante. Os diálogos aparentemente inócuos destacam os personagens secundários, todos peculiares e cômicos, a começar por Spike, (incrível Rhys Ifans) o indescritível co-inquilino de Hugh Grant. A interpretação deste último é sempre carismática, com sua fala gaguejante oferece ao seu parceiro de casa, o meio de equilibrar o todo. Julia Roberts, por sua vez, desempenha seu papel de estrela mundial, ao mesmo tempo em que demonstra grande melancolia. Entre eles cria-se uma verdadeira alquimia, própria dos casais míticos e à qual continua a ser difícil não se convencer. A direção bastante atenta também ajuda bastante o filme, com cenas sublimes, como a de Ain't No Sunshine de Bill Withers, um verdadeiro feito técnico. Mas ele não consegue salvar um filme de duas horas que deveria ter oitenta minutos de duração. A encenação é agradável, o filme envelheceu muito bem, as cores são magníficas, a sensação de detalhe é imparável e terminamos o filme numa espécie de tranquilidade plena e meiga. Em sum, uma bela crítica sobre a imprensa sensacionalista somada a uma extraordinária história de amor.
Tendo como pano de fundo a Guerra Fria, um belíssimo filme de fantasia que assume a forma de um romance impossível entre dois seres aparentemente diametralmente opostos, mas que sabem encontrar-se um no outro através das suas semelhanças, da sua solidão. Ao descrever a América na década de 1960, Guillermo del Toro apresenta uma de suas obras mais poéticas na tradição do “Labirinto do Fauno”, mas também um apelo soberbo contra o segregacionismo racial e homossexual nos Estados Unidos. Um longa-metragem com uma atmosfera poderosa, uma mistura sutil entre “O Monstro da Lagoa Negra” e a fotografia dos filmes de Jean-Pierre Jeunet (O Fabuloso Destino de Amélie Poulain) com seus matizes muito particulares. Uma infinidade de planos sublimes e cobiçados, uma força narrativa poderosa, mas que nunca cai na tranquilidade emocional graças a uma encenação sóbria e comedida. Diante de atores do calibre de Michael Shannon ou Richard Jenkins, Sally Hawkins, que ali descobri, é uma verdadeira revelação numa atuação aérea e perturbadora e Octavia Spencer que aprecio rever sempre desde "Histórias Cruzadas" oferece um novo papel notável com seu personagem simpático, porém rebelde. Sem cair em excessos nem em julgamentos caricaturados, o filme mantém-se praticamente naquilo que quer contar, é simplesmente demasiado simpático e convencional para mim, embora haja ideias de sucessão de clichês e um cenário bastante soberbo, mas não posso fingir que achei tudo correto.
Uma grata surpresa de Sam Esmail, criador da fabulosa série Mr Robot, que nos apresenta um filme pós-apocalíptico muito original, tão controlado quanto íntimo. Entendo que os espectadores que esperam “bang bang boom boom” fiquem decepcionados, aqui as bases da história se desenvolvem em um clima de ansiedade aos poucos. A tensão aumenta e nunca nos deixa ir até o final, uma tensão palpável devido em parte ao som fantástico e ao ambiente musical que chama completamente a atenção e depois a algumas cenas chocantes. É muito surpreendente e misterioso há muito tempo o medo vindo do desconhecido, do isolamento e da confiança que somos capazes de conceder a um estranho entre outras coisas. Muitos temas são abordados de forma casual, reflexões acessíveis a quem não se detém no primeiro nível de leitura e uma grande propensão a nos oferecer a oportunidade de nos colocarmos no lugar dos personagens nessas condições angustiantes. Intrinsecamente a filmagem já é particularmente interessante, mas a produção audaciosa do realizador só aumenta o prazer de assistir, ele usa tomadas soberbas, fotografia notável e edição que acerta em cheio com uma encenação que é um fato completamente impressionante. No final, diverti-me muito, o que também nos faz pensar na nossa condição, sendo o final um destaque dos nossos vícios. Lamento ver estas críticas negativas, bastante simbólicas do mundo de hoje e no final é normal não compreender o filme. Parece que não pode ser realizado um filme considerado lento que foque na psicologia dos personagens. Sim, não há realmente nenhuma resposta sobre por que ou como, mas obviamente esse não é o objetivo do filme. Este filme está interessado principalmente nas reações das pessoas em tal situação. O medo da desconexão, mas também o racismo enraizado na sociedade norte-americana dependência de novas tecnologias, sofrimento no trabalho, adolescência conturbada, cibercrime, colapso, rejeição do outro, ecologia (e não só isso...), são alguns dos verdadeiros temas do filme. Se você quer um filme onde tudo é óbvio, em preto e branco, e onde você não pensa, siga em frente, caso contrário, vá em frente.
Para o seu segundo filme, David Fincher produziu um golpe de mestre que não só marcaria as nossas retinas, mas também deixaria uma grande marca no cinema e mais particularmente no género Suspense. Seven é simplesmente A referência em termos de filmes que tratam de serial killers. A produção do realizador é simplesmente magnífica. Ele usa habilmente o seu cenário, nomeadamente uma cidade sem nome, afogada pela chuva constante. Ela se torna uma personagem independente no filme. Fincher, como um esteta talentoso, oferece fotos lindamente polidas, ampliadas por fotografias excelentes. O outro ponto positivo é o seu excelente cenário baseado na brilhante ideia de assassinatos cometidos de acordo com os 7 pecados capitais. A obra adota um tom particularmente niilista encontrado principalmente no final que deixou sua marca. Um final tão cruel quanto perturbador, mas igualmente brilhante. A interpretação dos atores principais também é impecável. Baseados no velho clichê do cinema do velho policial à espreita e do jovem cachorro louco, os atores conseguem dar nova vida a essa ideia. Freeman é brilhante como um futuro aposentado da polícia, meticuloso em seu trabalho, mas completamente desiludido com um mundo que ele não entende mais. Brad Pitt também está excelente em seu papel. Tem também Gwyneth Paltrow, tão marcante e enérgica. Mas a menção especial vai para Kevin Spacey, simplesmente assustador. No final, dado o sucesso total desta longa-metragem, sou obrigado a fazer uma reverência a esta obra-prima do cinema que recomendo vivamente a quem ainda não a viu. A trama é realmente emocionante, o cenário construído em torno dela é excelente, nos oferecendo suspense, tensão e reviravoltas muito boas.
A jornada de Napoleão Bonaparte é extraordinária o suficiente para não haver necessidade de embelezar ou enriquecer a história. O realismo aqui corresponde à reconstrução de época coerente e muito convincente, nomeadamente ao nível da qualidade dos trajes e uniformes. As principais linhas cronológicas são respeitadas, mesmo que lacunas e obscurecimentos infelizmente se revelem necessárias para tal destino em “apenas” 2h37. Nunca podemos enfatizar o suficiente, com este filme Ridley Scott não tinha absolutamente nenhuma vocação (ou pretensão) de querer produzir uma aula de história e muito menos um documentário, caso em que teria literalmente fracassado. Lembremos que aqui é só cinema, com um bom número de facilidades e outros atalhos de enredo, sem falar nas elipses que parasitam a história ao longo do filme. Napoleão não tem a escala de uma cinebiografia “digna de um Oscar”, nada mais é do que um grande espectáculo, onde a História foi revista e corrigida como quiserem, com a sua parte de improbabilidades e/ou absurdos. A encenação consegue seduzir-nos de vez em quando, nomeadamente através da transcrição das batalhas de Austerlitz e Waterloo, mas o resto avança a (demasiada) velocidade, sem nunca nos dar tempo para apreciar plenamente cada cena. Do lado da representação caricatural de Napoleão pode parecer desastrosa (parece tímido, covarde e chorão), e em relação aos personagens secundários, eles são praticamente todos ignorados a tal ponto que imediatamente os esquecemos. Por fim, destaquemos também a música que se revela particularmente inadequada (o que não é surpresa, já que bastava ouvir a música do trailer para se convencer). No final, o filme sofre com as muitas elipses e, infelizmente, não tenho certeza se isso nos faz querer olhar um dia para o “corte do diretor” e formar outra opinião. Não é ruim, porém, o ritmo é no geral bem sucedido, mas mesmo que isso signifique proporcionar entretenimento em detrimento da história na hora de dar tudo de si, como um Coração Valente ou Tróia, pouco rigoroso na história, mas diabolicamente eficaz. Talvez a versão estendida corrija alguns problemas, mas não mude o cerne do filme.
No que diz respeito às prequelas, uma história de origem de Willy Wonka parece uma escolha estranha, especialmente quando o retrato icônico e desequilibrado de Gene Wilder em A Fantástica Fábrica de Chocolate, de 1971, o imortalizou na história do cinema. Portanto, uma prequela parece excêntrica, até desnecessária, já que o fascínio do personagem vem da mística que o filme original o envolve. Era vital que o público não conhecesse o próprio Wonka, já que o original é contado da perspectiva de Charlie Bucket, permitindo uma admiração quando Wonka revela seus segredos. No entanto, o realizador pretende provar que ainda há histórias para contar na vida de Wonka sem renegar o original, já que aqui há doçura suficiente para satisfazer a fome, mesmo que nunca atinja o nível açucarado do original. Grandioso e excêntrico é o comportamento de Wonka, assim como o design de produção. Embora as ruas e edifícios que Wonka retorna tenham uma melancolia que lembra Londres pré 1° guerra mundial, não demora muito para que sua influência se espalhe pela cidade e as cores comecem a explodir em meio à desolação. A admiração e o espanto dos truques de mágica logo transformam o filme em um espetáculo extravagante, repleto de alegria nas cores do arco-íris e um enorme senso de escala. O elenco canaliza essa mesma energia em suas performances, especialmente Timothée Chalamet, que é o coração e a alma vivaz do filme. Chalamet usa seu poder de estrela para aumentar a natureza caprichosa de seu papel, mastigando o cenário com suas habilidades de showman. No entanto, como acontece com um homem com os seus talentos, o seu papel ainda é pungente. Wonka é inspirado nas palavras e no amor de sua falecida mãe, que, acima de tudo, incentivou seu filho a perseverar e levar alegria sempre que possível. Há uma vulnerabilidade no desempenho de Chalamet que o torna muito mais rico do que as peculiaridades inerentes ao clássico fabricante de chocolate. Outros destaques incluem a jovem Calah Lane, que se mantém bem contra o elenco repleto de estrelas, bem como Hugh Grant como um Oompa-Loompa, e até mesmo um hilariante ato duplo entre Olivia Colman e Tom Davis, cujos personagens exageradamente desagradáveis. É uma pena que onde o clássico original de Mel Stuart tenha tido mais sucesso, sua habilidade musical seja onde este filme parece faltar. Embora alguns retornos sutis e agradáveis de "Pure Imagination" estejam espalhados por toda a partitura, as músicas originais aqui são um pouco desajeitadas. As vozes cantadas exalam paixão, mas as letras tentam muito rimar ou se encaixar nas melodias que estão sendo criadas, gerando canções que são agradáveis na construção, mas um tanto esquisitas quando recitadas. Além disso, a piada estranha não dá certo ou, pior, parece de mau gosto. O personagem de Keegan Michael-Key é o pior criminoso, devido ao seu amor guloso pelo chocolate, sua característica definidora acaba se tornando seu peso. Embora se possa argumentar que esta escolha é para demonstrar a ganância do personagem, dado o contexto do filme, ainda é uma brincadeira desnecessariamente mesquinha em um filme que de outra forma seria cativante. Para um filme cuja necessidade foi inicialmente questionável, o realizador e sua equipe mostraram mais uma vez que não deveriam ser subestimados. Wonka é uma onda de engenhosidade vibrante, belo design de produção e uma performance imensamente alinhado de Timothée Chalamet. Embora possa não atingir as alturas de sua contraparte de 1971, ainda consegue ser sua própria entidade encantadora que pode proporcionar um afresco na sua alma. Às vezes, isso é tudo que um filme precisa fazer.
Exemplo típico de uma história ficcional que se integra na grande História. Nesta obra de aventura que reúne todos os ingredientes que fazem deste filme a quintessência do gênero. O realizador impõe um ritmo sustentado sem perder as emoções, ajudado por uma trilha sonora prodigiosa, com um vôo lírico que causa arrepios. O Último dos Moicanos apresenta ótimas cenas de ação e de romance que brilha pela sobriedade, pelo ritmo e pela atmosfera muito aventureira. Este filme segue a mesma linha de O Patriota (2000) ou Coração Valente (1995), pois existe esta guerra entre franceses e ingleses, ou esta tribo, que é bastante indiana, com a sua coragem e a sua alma guerreira que eu aprecio. E então, o lado épico é realmente emocionante, mesmo considerando todas as coisas, o cenário permanece clássico e o padrão do filme se repete rapidamente, mas apesar de tudo, o filme é cativante. Bem depois, a história de amor não é excepcional mas é sóbria e isso já é bom. O filme tem direito a excelente produção, ainda tem como seu diretor, Michael Mann (Colateral, Fogo contra Fogo, Inimigos Públicos, etc.) por trás das câmeras. E assim, a encenação é cuidadosa, enfatiza cenas bonitas para que a fotografia fique excelente. Além disso, as cenas de ação e de combate são soberbamente bem coreografadas, mas é uma pena que em algumas falte impacto porque não há sangue e por isso a imersão é menor mas não incomoda tanto. Por outro lado, a música, principalmente o tema principal que é muito conhecido por ser magnífico. E por último, os atores são todos muito convincentes e não carecem de carisma, principalmente Daniel Day-Lewis que mergulhou na pele de um homem branco criado pelos índios para se preparar para o seu papel passando alguns meses numa floresta, revela-se de uma força e carisma quase esplêndido. Então aí está, um filme clássico, mas que faz bem as coisas. Entre violência, romance, momento épico e batalha, sequência magnífica e poética ou mesmo tratamento bastante inteligente e não moralizante dos índios, tudo realçado por uma das mais belas trilhas sonoras inventadas para este tipo de filme. Em última análise, O Último dos Moicanos representa um grande sucesso, um imenso, belo e fascinante filme de aventura histórica.
Um pouco conhecido filme de ficção científica, bastante subestimado porque cumpre bem a sua proposta com um bom roteiro, não muito complexo, bons atores e uma satistafória direção. Certamente não estamos diante de uma obra-prima, mas o contexto no geral, um pouco curta mesmo assim, pode ser acompanhada com tranquilidade. A atuação convence, principalmente quando interpretam a ausência de emoção, o que não deve ser tão fácil no final, os efeitos especiais são de boa qualidade e a ação está presente. Infelizmente fica uma estranha sensação geral de inacabado, por isso nunca será um clássico do gênero, temos um pouco a impressão de que foi feito às pressas, só para ter rápido retorno do investimento, mas mesmo assim continua sendo uma produção totalmente simples, na qual não há necessidade de rodeios. Em última análise, o filme não surpreende e, acima de tudo, mas com um tema que poderia levar a uma maior introspecção sobre os costumes da sociedade ocidental. A mensagem subliminar de "Substitutos”? A sociabilidade e a partilha deixarão de existir e viveremos numa superficialidade decadente onde o materialismo será a palavra de ordem da nossa sociedade. Embora possamos criticar por não ter sido desenvolvido o suficiente, devo dizer que este filme de ficção científica simplesmente me agradou e me divertiu bastante.
Francamente, este sangrento filme de terror detém o prêmio de premissa mais improvável, para não dizer ridícula de 2023. Mas, no final das contas, porque não devemos admitir que a curiosidade toma conta de qualquer fã de filmes de terror e/ou de releitura? A história nos conta como Ursinho Pooh e o Leitão ficaram completamente loucos e psicopatas depois que seu amigo humano Christopher Robin os abandonou no lendário Bosque dos Cem Acres. Sem comida, eles teriam devorado Ió e não apoiariam mais os homens. Tendo se tornado eremitas misantrópicos que juraram nunca mais dizer uma palavra, se tornando canibais e psicopatas. Então, quando um grupo de jovens mulheres passam para recarregar as baterias em um chalé perto de sua floresta, elas pagarão o preço. Os assassinatos são muito cruéis e sangrentos, mas o uso excessivo de hemoglobina em imagens geradas por computador prejudica consideravelmente a estética geral. Essa falha visual até torna certas cenas risíveis. Como fã de terror, nos deleitamos com a violência impactante nas mortes que ocorrem. Por outro lado, podemos deplorar a ausência de acontecimentos significativos entre esses momentos de violência que pode deixar um gostinho de querer mais. O mais icônico para um filme em potencial são seus personagens de estupidez incomensurável. Seus comportamentos são tão desconcertantes que elas causam a sua própria morte, em vez de exercerem cautela diante do perigo, precipitando-se nas situações mais perigosas. A atuação medíocre acrescenta outra camada ao desastre. Raramente vimos algo pior, mesmo em filmes de terror fracassados. No entanto, deve-se reconhecer que o final sadicamente agradável consegue encerrar com uma nota agradável. Em última análise, um slasher completamente empoleirado, propício a repetidos clichês do gênero que infelizmente, nunca vai em nenhuma direção, continuamente parecendo que o filme está entre dois caminhos. E é ainda mais uma pena que depois de um prólogo animado que nos coloca atentos ao nos fazer engolir essa ideia inicial totalmente maluca, as primeiras sequências fazem bastante sucesso: atmosfera provocadora de ansiedade, aparência cuidada e universo visual que tem algum apreço, grandiloquente música com o melhor efeito. Em suma, Ursinho Pooh: Sangue e Mel, para dizer, minimamente original, começa, surpreendentemente, sob os melhores auspícios. Este conto de pesadelo termina com um final sem ideal e completamente inacabado. O terror não tem controle nem visão singular, que nunca atinge as efusões sublimes do cinema impiedoso.
Barroco, magnífico e insano. Desde o início, o filme dá o tom: uma dissecação quase entomológica dos costumes da corte inglesa do século XVIII, oscilando entre o prestígio e a depravação, tudo baseado em planos anamórficos e movimentos dinâmicos de câmera. Encontramo-nos assim num enredo bastante clássico de conspiração palaciana e luta por influência mas tudo isto está claramente imbuído de uma ludicidade, tanto na forma como na substância, que sabe trazer o fôlego necessário para energizar tudo. Sentimos na produção de Lanthimos o desejo de maltratar seus personagens e ao mesmo tempo sentir pena deles. Os lugares e os códigos sociais são claramente obstáculos que oprimem estes homens e mulheres, levando-os regularmente ao absurdo, ao ridículo ou ao vício. Além disso, procurar a humanidade neste mundo louco significa se expor. E aqueles (e especialmente aqueles) que sabem jogar com estas fraquezas tornam-se os reis e rainhas deste teatro (político) do absurdo. E com este afresco histórico, o realizador, sabe ser sábio, mas permanece justo. Utilizando lentes muito grande-angulares ele consegue tanto trazer uma distorção das linhas sugerindo uma certa opressão pelo local, quanto consegue trazer velocidade e dinamismo à maioria das operações de ultrapassagem. Tudo isto apenas reflecte todas as tensões reprimidas por cada pessoa, uma poderosa força motriz para ambos. E admito que admiro ainda mais a medida que o autor soube colocar na sua obra que conseguiu incutir uma verdadeira tensão sexual tão incomoda quanto ligada cada vez a relações de poder, de dominação e manipulação, mas sabendo como parar onde é necessário, sem cair numa espécie de solicitação doentia. Em última análise, “A Favorita” é um título singular para um filme plural. Apresenta três mulheres: uma rainha e duas favoritas. Obviamente, se o exercício funciona tão bem é também porque Yorgos Lanthimos conseguiu reunir um trio com Rachel Weisz / Emma Stone / (e sobretudo) Olivia Colman que é notavelmente eficaz, como uma soberana infantil, cercada por sua corte de coelhos, conseguindo mostrar a dualidade de Anne Stuart, ora odiosamente caprichosa, ora surpreendentemente comovente, justamente recompensada com um Oscar em Hollywood e um Globo de Ouro. Em suma, A Favorita é um filme histórico muito polido. A trama é literalmente cativante, com diálogos ferozmente engraçados e atrizes e atores notáveis. De certa forma, o filme também fala bem sobre a solidão. A rainha está profundamente desamparada no meio do seu douramento, e as duas mulheres que competem pelos seus favores estão sozinhas com a sua ambição; prisioneiras do seu perpétuo jogo de estratégia onde se trata de estar o mais próximo possível do soberano. Não deixe de descobrir esta obra de arte tão rica em significado.
Um filme soberbo para uma obra nostálgica sobre uma América com jovens perdidos e decepcionados, que descreve aqui a moral da juventude americana na década de 1950. A dificuldade da adolescência em arrastar um tédio, do único café ou cinema do bairro, entre o sexo e o álcool, compensando o vazio existencial, só tende a ressuscitar pela nostalgia ou pelo oportunismo comercial, as fontes de um cinema desaparecido, aquele que alimentava o espectador americano em anos 30 a 50, daí os exercícios estilísticos, com referência à América de John Ford. “A Última Sessão de Cinema” é um filme único em seu gênero e não terá roubado seu status de filme cult com seu magnífico preto e branco, sua escalação de atores promissores e a sua pequena cidade perdida de Anarene. O que inicialmente tornou o filme relevante e original, nomeadamente esta visão desencantada de uma América atolada no vazio da libertação sexual e no ressentimento de um Éden perdido, transforma-se então em realidade, numa mecânica artificial. O realizador, em última análise, se apresenta mais como um moralizador e um grande organizador de sua história e, embora queira estar próximo de um determinado cinema em contato com a realidade, ele não deixa, na verdade, quase nenhuma extensão para seus pobres personagens. Um filme denso, mas infinitamente belo nos temas que aborda, “A Última Sessão de Cinema” merece o seu lugar entre os clássicos dos anos 70, filmado a preto e branco reforçando a impressão de sufocamento que reina no filme.
O lendário fisioculturista austríaco é protagonista nesse thriller futurista que faz as perguntas certas: a clonagem é um perigo real para a humanidade? O 6º Dia consegue integrar uma reflexão sobre a clonagem sem descurar as cenas de ação. Antes da análise, é preciso dizer: fiquei agradavelmente surpreso reassistindo quase 24 anos depois, daí a avaliação pode ser um pouco alta, mas só o fato de vê-lo atuar em um filme com uma bela história e que denuncia excessos futuristas, já é satisfatório. Desta forma o filme é comparável a O Vingador do Futuro, que está longe de ser repulsivo nem o pior filme de Schwarzenegger. Tirando essa boa história de ficção científica, o cenário traz muitas reviravoltas, não estamos apenas numa caçada, existe a pesquisa científica de um lado e a questão da ética moral. Sem isso o filme ficaria quase clichê, mas os demais atores ajudam na construção de um enredo satisfatório. Divertimo-nos, deixamo-nos embarcar sem preocupações, sem nos perdermos, e beneficiamos desde bons efeitos especiais servindo bem uma história original. Realmente achei o cenário imenso, cativante e muito interessante de acompanhar, mas também intrigante e inteligente, com um universo e um panorama de antecipação muito rico digno do grande Philip K Dick. Além de uma reviravolta realmente excelente e muito engenhosa. Em última análise, O 6º Dia é formidável e eficaz e o que também me surpreendeu é que os efeitos especiais e a ação não envelheceram nem um pouco, ainda continuam impressionantes para um filme de 2000, armas de raios laser, a mulher virtual, pequenas telas sensíveis ao toque equipadas com fala, uma boneca de brinquedo falante e cômica. Além disso, Arnold Schwarzenegger em uma atuação tão sólida e ainda com seu toque de humor que agrada, desta vez é multiplicado por dois. A clonagem da ovelha Dolly deu origem a esta ligeira reflexão sobre os limites da clonagem humana, caso ela um dia se torne hipoteticamente possível. A tendência até parece ser que a clonagem humana não seja uma ideia tão má, desde que o processo esteja em mãos cuidadosas. É a imprecisão em torno das ideias defendidas, se é que pelo menos existem. Como um filme de ação, não é ruim, com algumas reviravoltas legais e efeitos especiais decentes. Se é isso que você procura, um momento de distração porque não, se é mais um debate em torno da clonagem, talvez você tenha coisas melhores para fazer no seu dia.
Um mergulho vertiginoso na cabeça de um ator em decadência que tenta voltar ao teatro querendo recuperar a sua glória. Com sua encenação precisa e com um elenco estrelado, Alejandro Iñárritu faz de “Birdman ou (A Inesperada Virtude da Ignorância)” um emocionante momento do cinema em 2014. Este trabalho marca sobretudo o grande regresso de Michael Keaton num papel memorável. Há genialidade neste filme, mas também muito excesso, há maestria mas também pecado de orgulho, há ordem, mas também muita desordem. Birdman é tudo isso e ainda mais. Triunfante no Oscar 2015 com 4 estatuetas: melhor filme, melhor diretor, melhor fotografia e melhor roteiro, com razão, mesmo que para mim tenham havido filmes melhores, este filme tem muitos pontos fortes. O seu maior trunfo é obviamente esta produção em planos de falsa sequência. Achei um pouco enigmático em alguns momentos, mesmo que vejamos uma óbvia mise en abyme (narrativas que contêm outras narrativas dentro de si) com o teatro. É uma maravilha de assistir, exige muito esforço, mas também é muito inerente, o que faz de “Birdman” o filme daquele ano. E isso não surpreende porque este longa-metragem toca a própria essência da criação artística e os artistas e artesãos do cinema não poderiam ser insensíveis. “Birdman” é sobre atuação, arte, processo criativo e suas consequências. Ele reflete sobre a criação como nenhum filme jamais havia feito antes. Além disso, esta reflexão nunca deixa de ser completamente enlouquecedora. Aqui não há nenhum, ou muito poucos, o que me incomodou um pouco. O seu outro trunfo, e para mim o mais importante, é a apresentação constante do filme. mise en abyme com seu paralelo cinema/teatro (no tema do filme e em sua produção), mise en abyme com cinema de autor/blockbuster (através de seu personagem principal e tema do filme) e finalmente mise en abyme com os atores /personagens (o personagem de Keaton não é um, é o próprio Keaton!). Isso é uma verdadeira façanha, faz com que seja mais do que um filme de fato, e o que é forte é que o diretor consegue transmitir suas ideias apenas através dessas apresentações, sem necessidade de diálogo para explicações. Cada tema é tratado de forma inteligente, penso sobretudo no debate sobre a arte, sobre o teatro, sobre o cinema de entretenimento e o seu realizador denunciá-lo. Mas o problema é que rapidamente nos perdemos, temos dificuldade em seguir o pensamento do realizador, gostaríamos de ter mais tempo, ou menos temas para escolher. E é por isso que acho que o filme é ao mesmo tempo brilhante e excessivo, dá muito ao espectador mas às vezes até demais. Então o que sai é um filme excelente, mas na verdade não é excelente o suficiente, quase fiquei desapontado por estar tudo tão desordenado, e a crítica parece ter visto também. Mas tenha cuidado, ainda é excelente. No final das contas, o filme de Iñárritu é completamente inclassificável, o que o torna um OVNI particularmente notável na produção cinematográfica atual. Até se torna um pouco surreal no final, o que certamente dificultará o esquecimento.
"Bob Ross: Alegria, Traição e Ganância” trará um amplo sorriso ao seu rosto e também pode fazer seu sangue ferver. O realizador Joshua Rofé conta a história deste artista televisivo de fala mansa, desde o seu início humilde como jovem pintor a óleo até à vergonhosa comercialização em massa do seu nome e imagem após a sua morte em 1995. Bob Ross era um talento alucinante e muitos de nós nos lembramos dele em seu programa de televisão da “The Joy of Painting”, que foi ao ar de 1983 a 1994. Durante cada episódio de meia hora, Ross usava sua técnica de pintura rápida para colorear uma paisagem com qualidade ímpar. Ele pintava em tempo real e sem edições. E enquanto ele pintava, sua instrução causal calmante tornava a exibição de seu espetáculo quase terapêutica. Durante a maior parte do tempo de exibição, o documentário é repulsivo de assistir. Ross fez seu show o máximo que pôde e tinha planos para uma versão diferente que teria sido menos desgastante para ele. Ele também tentou estabelecer planos que manteriam sua empresa e sua família em boas condições depois que ele partisse. Mas o casal, Annette e Walt Kowalski, que se recusaram a participar do documentário, mas são vistos e ouvidos em filmagens antigas, tinham outros planos, que incluíam roubar o nome de Ross e eliminar qualquer possível competição. Eles foram fundamentais no lançamento de “The Joy of Painting” e na construção de um grande sucesso. Mas eles também assumiram o controle do nome Bob Ross de maneira tortuosa e descarada após sua morte. Contra a vontade do falecido artista, os Kowalskis privaram o filho de Ross, Steve, dos direitos de usar o nome de seu próprio pai. Nesse ínterim, transformaram a imagem de Bob Ross em uma corporação multimilionária. Isso explica por que Bob Ross agora pode ser encontrado em camisetas, canecas de café, quebra-cabeças, bonecos de pelúcia, bobbleheads e assim por diante. Em suma, é maravilhoso que a voz gentil e a atitude positiva de Ross flutuem dentro e fora do documentário, mesmo quando ele se transforma em um estudo sobre cobras sem coração. Este filme clama por um financiamento coletivo de um processo contra os Kowalskis. Qualquer conteúdo audiovisual que aborde a causa de uma figura pública em apuros, mesmo uma morta há muito tempo, pelo menos nos deixa com esperança de uma solução correta.
A Lenda de Beowulf é uma adaptação do poema épico anglo-saxão de mesmo nome. Filmado em captura de movimento como em O Expresso Polar de 2004, o filme de Robert Zemeckis permite que o filme de animação tenha as expressões e gestos dos atores reais. A história nos mergulha em um universo sombrio e hostil onde monstros habitam as terras selvagens do norte da Europa. Foi quando o Rei Hrothgar enfrentou ataques que o viking Beowulf chegou para salvá-lo. Mas a sua fama e riqueza tornam-no cada vez mais sedento de poder. O cenário é bastante simples e permite destacar os diversos confrontos e cenas de combate que impressionam os olhos. Raramente um filme de animação foi tão violento, ou mesmo erótico. Robert Zemeckis não é do tipo que respeita as convenções da Disney ou da Dreamworks associadas à magia e ao bom humor. Estas animações integram um registo completamente diferente. Muito mais sombrio, beirando o opressivo. Uma atmosfera pesada e muito cativante, mas não necessariamente para todo o público. Claramente, o gênero heróico/fantasia em sua forma mais pura. Na verdade, longe dos padrões de Hollywood, A Lenda de Beowulf destaca-se pela maturidade do seu tema e pela impertinência geral: arranha a religião, os seres humanos, bem como os chamados heróis. Paradoxalmente, a fraqueza do homem é destacada neste filme. Os personagens são caracterizados de uma forma pouco lisonjeira. É claro que a técnica utilizada não está isenta de falhas (algumas cenas são fotorrealistas, outras nem tanto, os personagens principais são mais detalhados que os secundários, etc.) mas ainda assim levamos um belo tapa na cara graças ao virtuosismo de a encenação. Um processo muito bom para encenar seu ambicioso filme. Apesar de todos esses pontos fortes, “A Lenda de Beowulf” talvez não tenha um enredo consistente o suficiente para te manter engajado do início ao fim. Uma queda na velocidade que afeta certos atos e prejudica de alguma forma a qualidade do trabalho realizado no set e no estúdio. Em última análise, um épico visualmente ousado e original, mas que poderia ter sido um pouco lendário.
Uma jovem vinda do nada, das profundezas do Texas, que a América transforma em um ícone por saber se sair tão bem nos anos 80. Este documento retrata a vida de Vicki Lynn Hogan que se tornou Anna Nicole Smith, fenômeno sexy nos anos 80 e 90. É interessante descobrir as diferentes facetas da complexa personalidade desta mulher que era mais inteligente do que parecia e cuja ambição era ilimitada. Em suma, o documentário lança luz sobre certos aspectos da sua personalidade e do seu ambiente. Da sua fama astronômica até ser desprezada e criticada, Anna Nicole Smith é, sem sombra de dúvidas, uma das figuras mais complexas e desconcertante da cultura pop. acima de tudo, queria ser uma boa mãe, e uma mulher exuberante que levava a vida em seus próprios termos. Sua história também serve como um alerta sobre como o desejo pelo sonho pode engolir e cuspir você, borrando sua autoimagem e fazendo você perder de vista o seu eu mais autêntico.
Garota Exemplar sob o rótulo de thriller, porém não usurpado e aqui sinônimo de excelente safra de David Fincher, é um filme que ultrapassa seus limites pelo contexto muito particular, o da vida de um jovem casal estabelecido em seu vida burguesa. E assim, para além da investigação e das suas surpreendentes reviravoltas, é a experiência assustadora desta dupla extraordinária, após alguns anos de casamento, que mais nos interessará com a horrível manipulação de um dos dois protagonistas. Depois de um início bastante clássico no gênero, é todo esse suspense que nos manterá em suspense, depois esse maquiavelismo insano que seguiremos, enquanto ganhamos cada vez mais impulso com reviravoltas inimagináveis para melhor, nos deixando às cegas nas mais loucas conjecturas, que como espectadores construímos até compreender a terrível verdade. Esta história assustadora também deve seu sucesso aos atores em particular Rosamund Pike, completamente surpreendente, gélida, impetuosa em sua composição muito dominada e Ben Affleck um pouco menos bom, mas interessante no papel do marido preso às suspeitas da polícia e sarcasmo midiático desencadeado por este caso. Como tal, o estado de espírito da televisão americana e o seu preconceito com todo o impacto na população e até nas conclusões da polícia, são muito bem realçados e reveladores da loucura humana. 2 horas e meia de filme no geral passam muito rapidamente e as poucas durações não mudam muito. Ficamos imersos do início ao fim e saímos da experiência quase preocupados com tantos cálculos e estratagemas de todo o tipo. É com um olhar diferente que começamos a imaginar quais possíveis pistas poderiam ter dado todas essas misteriosas e famosas investigações que desafiaram a crônica sem nunca terem sido elucidadas. Garota Exemplar com um cenário diabólico, e também muito bem oleado, transporta-nos para as profundezas mais sombrias da alma humana para o nosso maior prazer, como se uma parte de nós sequer apreciasse todo este lado sórdido e terrível que este thriller nos revela. Uma produção que apresenta seus mistérios de forma honrosa. Ele nos deixa fazer perguntas. E em última análise, Garota Exemplar é um filme de suspense de muito sucesso em seu gênero, um dos mais notáveis de 2014. Uma verdadeira obra-prima de David Fincher.
34 anos antes da adaptação de Tim Burton, aqui está a primeira adaptação do romance homônimo do escritor galês, Roald Dahl. Com Gene Wilder como Willy Wonka. E em primeiro lugar este último homenageia perfeitamente o traje do chocolatier, um Willy Wonka talvez um pouco menos excêntrico que Johnny Depp, mas igualmente bom, porém com mais sutileza. Se esta transposição do romance continua sendo a pioneira, só nos resta admirar a escrita do argumento e as escolhas estéticas que parecem específicas destes anos 70. Por um lado, com um orçamento muito mais limitado, o realizador conseguiu criar um arranjo animado, ao assumir os pontos fortes da narrativa. Foi com muito prazer que pude descobrir um Peter Ostrum que se encaixa perfeitamente no papel da criança maravilhada, humilde e sempre gentil que é Charlie. Mas isso seria deixar de contar sobre o poder de Gene Wilder, que com uma energia notável e um talento particular, nos impulsiona, com paixão, fugacidade, sutileza e leveza, para um mundo verdadeiramente deslumbrante. E a estética, saboreando grosseiramente de contribuir para essa maravilha, um pouco obtusa, talvez, mas que não perde o encanto visual. Os sons e a música, longe de serem enfáticos, sabem transportar-nos para este ambiente que tão bem se enquadra no cenário. As canções cantadas pelos Oumpas-Loumpas são muito mais atraentes, foi portanto com alegria que descobri um trabalho apetitoso, diga-se, engraçado, com moderação, não menos que interessante e apaixonante. É colorido e fantasioso. Uma obra memorável e amigável.
Fogo no Céu
3.6 301 Assista AgoraEm 1975, um grupo de madeireiros de Snowflake, Arizona, afirmaram ter entrado em contato com extraterrestres e que um deles foi sequestrado. No regresso, quando alertaram as autoridades, que se mostraram-se cépticos e a socidade local os acusa de homicídio. Só que 5 dias depois Walton reaparece.
Aqueles que esperam um filme de ficção científica com efeitos em todo o lado ficarão desapontados: é um filme sobre rapto, e não um Independence Day.
O objetivo do filme é não acreditar ou não. Além disso, deveria ter sido claramente demonstrado que o rapto e a experiência de Travis Walton são apenas testemunhos.
Este filme é sobre as relações humanas em torno de um fenômeno estranho. Como em 5 dias de um desaparecimento inexplicável, pode abalar as nossas convicções e levar a maioria das pessoas a negar.
Este filme é sobre a própria natureza do Homem que precisou que os seus pensamentos lhe fossem ditados durante milhares de anos, pela religião, pela ciência ou pela política e que nega, e ainda é o caso, todos os novos conceitos, sem perder um pingo de tempo para entender. Talvez tenhamos medo da mudança no fundo do nosso subconsciente.
Quando falo de um clássico do gênero (o rapto, os experimentos), estou convencido de que para os fãs do espaço, da ficção científica, daqueles que temem ou esperam vida extraterrestre, este filme pode ser considerado uma boa obra. Trata de um mistério, e não fala abertamente, ao mesmo tempo que mostra a reação de quem duvida.
Coração de Tinta: O Livro Mágico
3.3 546 Assista Agora“Coração de Tinta: O Livro Mágico” começa com uma ideia brilhante, aspirando-se escandalosamente misterioso, com um pai que viaja há 9 anos com sua filha para encontrar um livro que atrairia sua esposa, porque esse homem tem o dom de ler e dar vida aos livros e, portanto, tanto heróis quanto vilões podem ir e vir do livro para a realidade. Então aí está o enredo e você dificilmente ficará entediado, mesmo que o ritmo não seja épico, falta um pouco de força devido às cenas de ação que não são necessariamente incríveis ou emocionantes. Mas, o universo é cativante e bem desenhado, com bons efeitos especiais que nos proporcionam cenas muito bonitas, portanto em termos de produção é plausível e garante entretenimento. Depois os personagens são legais de acompanhar, nada inesquecíveis mas têm simpatia porque os atores são bons, principalmente Brendan Fraser, ele manteve seu lado aventureiro de A Múmia e convence apesar de um personagem complexo e irritante no primeiro ato. Ao seu lado estão alguns atores sólidos: uma truculenta Helen Mirren, um bom Jim Broadbent e, acima de tudo, um bem histriônico Andy Serkis, ideal como vilão. Paul Bettany fica um pouco atrás talvez, mas principalmente por causa de um personagem pouco credível, que continua sendo o ponto fraco da trama.
Em suma, existem ideias, mas é verdade que poderiam ter sido mais aproveitadas. Apesar de tudo "Coração de Tinta" é original e seduz pelo seu trabalho formal, seus atores simpáticos, e continua sendo um sólido entretenimento familiar para o período de férias.
Resistência
3.3 266 Assista Agora"Resistência" é o exemplo típico de uma obra salva pela sua direção artística e pela sua ambição cinematográfica. É um espetáculo ao mesmo tempo contemplativo e divertido, de escala dantesca e de indiscutível beleza estética. Uma obra de ficção científica generosa pelo seu universo, pelas suas referências e pela criatividade dos diferentes designs tecnológicos apresentados na tela. É preciso dizer também que a qualidade da fotografia e os efeitos especiais ajudam muito na imersão, apesar das óbvias falhas de escrita que dão uma forte sensação de déjà vu relativamente à estrutura da história e aos seus temas.
A grande força do filme é claramente o universo que nos oferece. E mesmo que multiplique excessivamente as referências cinematográficas e literárias, consegue nos oferecer um universo próprio.
Há uma verdadeira coerência visual e é um prazer descobrir esta mistura do universo cyberpunk e da cultura asiática. É cheio de detalhes e o design geral é deslumbrante, sejam os cenários, os robôs, as máquinas, ficamos maravilhados e o filme envergonha um bom número de grandes produções de Hollywood. O realizador fez a escolha sábia de rodar seu filme principalmente em cenários naturais, limitando os fundos verdes. E o resultado final é deslumbrante porque os efeitos especiais estão incrustados com um realismo que lembra Distrito 9 (2009).
Sim, nem tudo é perfeito, principalmente um cenário que às vezes é bastante clássico e previsível. Principalmente porque o filme é tão generoso em termos de ação, o que significa que falta profundidade. Gostaria que ele questionasse mais sobre o lugar da IA (porque é um pouco maniqueísta...) ou focasse na relação entre os dois personagens principais.
Da mesma forma, ele usa, e até abusa do deus ex machina, o que pode frustrar alguns.
Mas não importa, o principal para mim é claramente o espetáculo proposto, e mesmo que os seus defeitos certamente o impeçam de se tornar cult, é um verdadeiro deleite poder ver uma proposta como esta que contrasta radicalmente com esta que Hollywood tende-se a nos satisfazer ao ponto da overdose por algum tempo.
Em suma, um entretenimento que muitos irão apreciar, mas pelo qual não tive grande carinho, nada revolucionário, nada surpreendente, estamos longe da “obra-prima da ficção científica” que alguns já idolatram.
A Vida Secreta de Walter Mitty
3.8 2,0K Assista AgoraStiller provou ao longo dos anos que é muito mais do que um ator cômico. Com uma obra mais madura, combinando habilmente comédia e drama, efeitos especiais e profundo realismo. Ele embarca em um projeto ambicioso, contando-nos a história de Walter Mitty, um homem bastante comum, mas preso em sua vida cotidiana, onde ousa escapar apenas através dos sonhos, e quando a realidade o alcança, ele terá que superar seus medos e partir em uma aventura. Ben Stiller tem algumas descobertas bastante engenhosas, seja em sua direção ou às vezes na escrita. Na verdade, temos um herói realmente agradável, bastante romântico e carismático, e no geral todos os personagens são cativantes, além de serem muito bem interpretados. O enredo foi construído de forma inteligente. Os momentos oníricos, que o protagonista chama de “ausências”, são brilhantemente anexados ao quadro narrativo de tal forma que não há ruptura ou impacto no ritmo geral da obra.
A comédia dramática não contém extensão e é facilmente domesticada. Ben Stiller fez um trabalho impecável tanto na frente quanto atrás das câmeras. Seu Walter Mitty é confiável com temperamento estável e comedido, sua boa relação com a família e uma dedicação ao trabalho formidável. Todo o processo de sua transformação de um homem comum em um homem realizado e orgulhoso também se mostra bem desenvolvido. Embora seja uma comédia dramática, A Vida Secreta de Walter Mitty contém muitos efeitos especiais, e sua qualidade também não foi negligenciada. As músicas que compõem a trilha sonora enriquecem o filme de diversas maneiras.
Em última análise, A Vida Secreta de Walter Mitty foi um dos melhores filmes de 2013, uma obra inteligente, acessível e vibrante. Ao contrário de muitos outros que tentaram o mesmo exercício sem sucesso, o longa-metragem de Ben Stiller nos incentiva a nos superar e a realizar nossos sonhos, por mais malucos que sejam.
Claro que é um filme patrocinado por agências de viagens de todo o planeta, e isso dá muita vontade de viajar.
Ninguém Vai Te Salvar
3.2 565 Assista AgoraAs invasões alienígenas são um clássico narrativo da ficção científica que não envelhece e continua a prosperar às vezes para melhor, mas muitas vezes pelo pior da memória recente, por falta de originalidade e de ter algo novo para contar ou mostrar. Ninguém Vai Te Salvar com sua clássica trama de invasão de domicílio, é muito mais do que esse gênero citado. Mistura ficção científica, drama e sobrevivência com muita imaginação e um excelente conceito.
Na verdade você só encontrará uma linha de diálogo durante essas 1h33! Impensável, você me diz? Bom, sim, não há roteiro aqui e estimei o efeito produzido, uma tensão palpável e atenção constante para tentar entender o final da história. Além disso, algumas reviravoltas apimentam as coisas e a jovem protagonista Caitlyn Dever se mostra muito eficaz em levar o filme quase em seu único papel, entregando uma ótima atuação.
A produção está longe de ser ruim mesmo que a critiquemos por um certo classicismo em determinados momentos. O final também esconde um clímax muito surpreendente, quer o compreendamos ou não.
Em última análise, Ninguém Vai Te Salvar é certamente ousado, mas nos faz perder um pouco em seu desfile de imagens finais abrindo muitas pistas sobre a origem dos alienígenas, suas motivações, o destino do personagem principal e seu passado doloroso. Somos, portanto, brindados com um final visualmente belo, mas totalmente hermético e sibilino. Um epílogo que não descreveríamos como um fracasso, mas sim frustrante e que nos deixa um tanto duvidosos. Em qualquer caso, apesar do tema banal e deste final em particular, é muito original e admiravelmente silencioso, deixando completamente as composições sonoras de sucesso e o poder das imagens façam o resto, fazendo um filme muito singular.
Godzilla: Minus One
4.0 374A longevidade da saga do lagarto radioativo gigante continua a crescer. O que ainda há de fascinante nestes filmes de monstros, que combinam intimamente os códigos do filme-catástrofe com o seu DNA? Por que Godzilla, um grande monumento da ficção científica e terror e da cultura pop, parece imortal na tela? A resposta está em Godzilla Minus One, que certamente não irá decepcionar os fãs de Kaiju Eiga e J-Horror e emocionar neste retrato do Japão do pós-guerra.
Num Japão tradicional e devastado onde os códigos de honra e respeito estavam em plena evolução. Ao lado deste enredo extremamente bem contado. Godzilla é finalmente uma ameaça real na tela. É extremamente perigoso, além da ação, do caos e do ridículo de certas criações japonesas, ele é dominador contra humanos e às suas tecnologias e apesar da falta de recursos para efeitos especiais que por vezes se fazem sentir nas texturas ou na animação, Godzilla é verdadeiramente assustador. E é neste contexto que nos são apresentadas as diferentes personagens dos filmes, desde o kamikaze desertor ao sem-abrigo que assumiu a responsabilidade por a de uma órfã a alguém que vive nos escombros de sua casa no meio de um lugar arrasado, e outros: personagens profundos e complexos, cujo nível de apego ao espectador é importante, e para quem a menor perda humana é uma tragédia.
O realizador coloca as cartas do futuro nas mãos desses cidadãos e soldados sobreviventes que perderam tudo, até mesmo sua honra. E apesar do sacrifício e arrependimento de todos, todas essas pessoas são chamadas para a frente de uma nova ameaça desconhecida, na costa japonesa. A guerra parece não ter acabado e Godzilla está de volta para um grande golpe. Yamazaki também apresenta um melodrama que certamente não é mesquinho com bons sentimentos, mesmo que ainda falte delicadeza na escrita dos personagens para aperfeiçoar a tragédia humana que se desenrola diante de nós. Também não se trata de permanecer impassível diante de um luto nacional que se repete na tela, porque a peculiar e comovente cumplicidade entre Shikishima, Noriko e uma criança tem todo o potencial para comover você durante belas promessas. Depois, num silêncio ou num impulso musical meticulosamente composto, a emoção é bem acompanhada, mesmo na reutilização do tema mítico.
Em resumo isto o filme de baixo orçamento tem dois eixos de histórias entrelaçadas, o pós-guerra japonês e sua reconstrução através de uma família de sobreviventes e um filme de ação Kaiju; uma escala raramente alcançada em filmes americanos.
Talvez minha única "reclamação" seria sua ambição. Ou seja, o final é, por si só, quase perfeito. O final feliz foi inesperado e um prazer de ver, mas o filme aceita plenamente a escolha de querer uma sequência. Como resultado, o final é feliz, mas você facilmente entende que essa felicidade vai durar pouco.
Um Lugar Chamado Notting Hill
3.6 1,3K Assista AgoraAtravés de uma sinopse bastante original que envia uma estrela de cinema americana para os braços de um livreiro inglês, Um Lugar Chamado Notting Hill é um sucesso parcial na medida em que o filme consegue ser frequentemente cômico, suave, ingênuo e interessante em sua maior parte, também é particularmente repetitivo, com muitas divergências entre os dois personagens principais, e longo demais para seu próprio bem. Sem nunca justificar a história de amor que o enredo conta. Aqui tudo é imaginação, sonho e devaneio. O diretor até torce o nariz para comédias românticas melodramáticas ao incluir o tradicional beijo em um dos primeiros cenas. A câmera fluida acompanha as andanças dos heróis para criar um verdadeiro ganho progressivo de intimidade.
O roteirista apresenta cenas muito bonitas que tornam este conto de fadas moderno cativante. Os diálogos aparentemente inócuos destacam os personagens secundários, todos peculiares e cômicos, a começar por Spike, (incrível Rhys Ifans) o indescritível co-inquilino de Hugh Grant. A interpretação deste último é sempre carismática, com sua fala gaguejante oferece ao seu parceiro de casa, o meio de equilibrar o todo. Julia Roberts, por sua vez, desempenha seu papel de estrela mundial, ao mesmo tempo em que demonstra grande melancolia. Entre eles cria-se uma verdadeira alquimia, própria dos casais míticos e à qual continua a ser difícil não se convencer. A direção bastante atenta também ajuda bastante o filme, com cenas sublimes, como a de Ain't No Sunshine de Bill Withers, um verdadeiro feito técnico. Mas ele não consegue salvar um filme de duas horas que deveria ter oitenta minutos de duração.
A encenação é agradável, o filme envelheceu muito bem, as cores são magníficas, a sensação de detalhe é imparável e terminamos o filme numa espécie de tranquilidade plena e meiga. Em sum, uma bela crítica sobre a imprensa sensacionalista somada a uma extraordinária história de amor.
A Forma da Água
3.9 2,7KTendo como pano de fundo a Guerra Fria, um belíssimo filme de fantasia que assume a forma de um romance impossível entre dois seres aparentemente diametralmente opostos, mas que sabem encontrar-se um no outro através das suas semelhanças, da sua solidão. Ao descrever a América na década de 1960, Guillermo del Toro apresenta uma de suas obras mais poéticas na tradição do “Labirinto do Fauno”, mas também um apelo soberbo contra o segregacionismo racial e homossexual nos Estados Unidos.
Um longa-metragem com uma atmosfera poderosa, uma mistura sutil entre “O Monstro da Lagoa Negra” e a fotografia dos filmes de Jean-Pierre Jeunet (O Fabuloso Destino de Amélie Poulain) com seus matizes muito particulares.
Uma infinidade de planos sublimes e cobiçados, uma força narrativa poderosa, mas que nunca cai na tranquilidade emocional graças a uma encenação sóbria e comedida. Diante de atores do calibre de Michael Shannon ou Richard Jenkins, Sally Hawkins, que ali descobri, é uma verdadeira revelação numa atuação aérea e perturbadora e Octavia Spencer que aprecio rever sempre desde "Histórias Cruzadas" oferece um novo papel notável com seu personagem simpático, porém rebelde. Sem cair em excessos nem em julgamentos caricaturados, o filme mantém-se praticamente naquilo que quer contar, é simplesmente demasiado simpático e convencional para mim, embora haja ideias de sucessão de clichês e um cenário bastante soberbo, mas não posso fingir que achei tudo correto.
O Mundo Depois de Nós
3.2 899 Assista AgoraUma grata surpresa de Sam Esmail, criador da fabulosa série Mr Robot, que nos apresenta um filme pós-apocalíptico muito original, tão controlado quanto íntimo. Entendo que os espectadores que esperam “bang bang boom boom” fiquem decepcionados, aqui as bases da história se desenvolvem em um clima de ansiedade aos poucos. A tensão aumenta e nunca nos deixa ir até o final, uma tensão palpável devido em parte ao som fantástico e ao ambiente musical que chama completamente a atenção e depois a algumas cenas chocantes. É muito surpreendente e misterioso há muito tempo o medo vindo do desconhecido, do isolamento e da confiança que somos capazes de conceder a um estranho entre outras coisas. Muitos temas são abordados de forma casual, reflexões acessíveis a quem não se detém no primeiro nível de leitura e uma grande propensão a nos oferecer a oportunidade de nos colocarmos no lugar dos personagens nessas condições angustiantes.
Intrinsecamente a filmagem já é particularmente interessante, mas a produção audaciosa do realizador só aumenta o prazer de assistir, ele usa tomadas soberbas, fotografia notável e edição que acerta em cheio com uma encenação que é um fato completamente impressionante.
No final, diverti-me muito, o que também nos faz pensar na nossa condição, sendo o final um destaque dos nossos vícios. Lamento ver estas críticas negativas, bastante simbólicas do mundo de hoje e no final é normal não compreender o filme. Parece que não pode ser realizado um filme considerado lento que foque na psicologia dos personagens.
Sim, não há realmente nenhuma resposta sobre por que ou como, mas obviamente esse não é o objetivo do filme. Este filme está interessado principalmente nas reações das pessoas em tal situação. O medo da desconexão, mas também o racismo enraizado na sociedade norte-americana dependência de novas tecnologias, sofrimento no trabalho, adolescência conturbada, cibercrime, colapso, rejeição do outro, ecologia (e não só isso...), são alguns dos verdadeiros temas do filme.
Se você quer um filme onde tudo é óbvio, em preto e branco, e onde você não pensa, siga em frente, caso contrário, vá em frente.
Seven: Os Sete Crimes Capitais
4.3 2,7K Assista AgoraPara o seu segundo filme, David Fincher produziu um golpe de mestre que não só marcaria as nossas retinas, mas também deixaria uma grande marca no cinema e mais particularmente no género Suspense. Seven é simplesmente A referência em termos de filmes que tratam de serial killers.
A produção do realizador é simplesmente magnífica. Ele usa habilmente o seu cenário, nomeadamente uma cidade sem nome, afogada pela chuva constante. Ela se torna uma personagem independente no filme. Fincher, como um esteta talentoso, oferece fotos lindamente polidas, ampliadas por fotografias excelentes.
O outro ponto positivo é o seu excelente cenário baseado na brilhante ideia de assassinatos cometidos de acordo com os 7 pecados capitais. A obra adota um tom particularmente niilista encontrado principalmente no final que deixou sua marca. Um final tão cruel quanto perturbador, mas igualmente brilhante.
A interpretação dos atores principais também é impecável. Baseados no velho clichê do cinema do velho policial à espreita e do jovem cachorro louco, os atores conseguem dar nova vida a essa ideia. Freeman é brilhante como um futuro aposentado da polícia, meticuloso em seu trabalho, mas completamente desiludido com um mundo que ele não entende mais. Brad Pitt também está excelente em seu papel. Tem também Gwyneth Paltrow, tão marcante e enérgica. Mas a menção especial vai para Kevin Spacey, simplesmente assustador.
No final, dado o sucesso total desta longa-metragem, sou obrigado a fazer uma reverência a esta obra-prima do cinema que recomendo vivamente a quem ainda não a viu. A trama é realmente emocionante, o cenário construído em torno dela é excelente, nos oferecendo suspense, tensão e reviravoltas muito boas.
Napoleão
3.1 327 Assista AgoraA jornada de Napoleão Bonaparte é extraordinária o suficiente para não haver necessidade de embelezar ou enriquecer a história. O realismo aqui corresponde à reconstrução de época coerente e muito convincente, nomeadamente ao nível da qualidade dos trajes e uniformes. As principais linhas cronológicas são respeitadas, mesmo que lacunas e obscurecimentos infelizmente se revelem necessárias para tal destino em “apenas” 2h37.
Nunca podemos enfatizar o suficiente, com este filme Ridley Scott não tinha absolutamente nenhuma vocação (ou pretensão) de querer produzir uma aula de história e muito menos um documentário, caso em que teria literalmente fracassado. Lembremos que aqui é só cinema, com um bom número de facilidades e outros atalhos de enredo, sem falar nas elipses que parasitam a história ao longo do filme.
Napoleão não tem a escala de uma cinebiografia “digna de um Oscar”, nada mais é do que um grande espectáculo, onde a História foi revista e corrigida como quiserem, com a sua parte de improbabilidades e/ou absurdos. A encenação consegue seduzir-nos de vez em quando, nomeadamente através da transcrição das batalhas de Austerlitz e Waterloo, mas o resto avança a (demasiada) velocidade, sem nunca nos dar tempo para apreciar plenamente cada cena.
Do lado da representação caricatural de Napoleão pode parecer desastrosa (parece tímido, covarde e chorão), e em relação aos personagens secundários, eles são praticamente todos ignorados a tal ponto que imediatamente os esquecemos. Por fim, destaquemos também a música que se revela particularmente inadequada (o que não é surpresa, já que bastava ouvir a música do trailer para se convencer).
No final, o filme sofre com as muitas elipses e, infelizmente, não tenho certeza se isso nos faz querer olhar um dia para o “corte do diretor” e formar outra opinião. Não é ruim, porém, o ritmo é no geral bem sucedido, mas mesmo que isso signifique proporcionar entretenimento em detrimento da história na hora de dar tudo de si, como um Coração Valente ou Tróia, pouco rigoroso na história, mas diabolicamente eficaz. Talvez a versão estendida corrija alguns problemas, mas não mude o cerne do filme.
Wonka
3.4 393 Assista AgoraNo que diz respeito às prequelas, uma história de origem de Willy Wonka parece uma escolha estranha, especialmente quando o retrato icônico e desequilibrado de Gene Wilder em A Fantástica Fábrica de Chocolate, de 1971, o imortalizou na história do cinema. Portanto, uma prequela parece excêntrica, até desnecessária, já que o fascínio do personagem vem da mística que o filme original o envolve. Era vital que o público não conhecesse o próprio Wonka, já que o original é contado da perspectiva de Charlie Bucket, permitindo uma admiração quando Wonka revela seus segredos. No entanto, o realizador pretende provar que ainda há histórias para contar na vida de Wonka sem renegar o original, já que aqui há doçura suficiente para satisfazer a fome, mesmo que nunca atinja o nível açucarado do original.
Grandioso e excêntrico é o comportamento de Wonka, assim como o design de produção. Embora as ruas e edifícios que Wonka retorna tenham uma melancolia que lembra Londres pré 1° guerra mundial, não demora muito para que sua influência se espalhe pela cidade e as cores comecem a explodir em meio à desolação. A admiração e o espanto dos truques de mágica logo transformam o filme em um espetáculo extravagante, repleto de alegria nas cores do arco-íris e um enorme senso de escala.
O elenco canaliza essa mesma energia em suas performances, especialmente Timothée Chalamet, que é o coração e a alma vivaz do filme. Chalamet usa seu poder de estrela para aumentar a natureza caprichosa de seu papel, mastigando o cenário com suas habilidades de showman. No entanto, como acontece com um homem com os seus talentos, o seu papel ainda é pungente. Wonka é inspirado nas palavras e no amor de sua falecida mãe, que, acima de tudo, incentivou seu filho a perseverar e levar alegria sempre que possível. Há uma vulnerabilidade no desempenho de Chalamet que o torna muito mais rico do que as peculiaridades inerentes ao clássico fabricante de chocolate. Outros destaques incluem a jovem Calah Lane, que se mantém bem contra o elenco repleto de estrelas, bem como Hugh Grant como um Oompa-Loompa, e até mesmo um hilariante ato duplo entre Olivia Colman e Tom Davis, cujos personagens exageradamente desagradáveis.
É uma pena que onde o clássico original de Mel Stuart tenha tido mais sucesso, sua habilidade musical seja onde este filme parece faltar. Embora alguns retornos sutis e agradáveis de "Pure Imagination" estejam espalhados por toda a partitura, as músicas originais aqui são um pouco desajeitadas. As vozes cantadas exalam paixão, mas as letras tentam muito rimar ou se encaixar nas melodias que estão sendo criadas, gerando canções que são agradáveis na construção, mas um tanto esquisitas quando recitadas. Além disso, a piada estranha não dá certo ou, pior, parece de mau gosto. O personagem de Keegan Michael-Key é o pior criminoso, devido ao seu amor guloso pelo chocolate, sua característica definidora acaba se tornando seu peso. Embora se possa argumentar que esta escolha é para demonstrar a ganância do personagem, dado o contexto do filme, ainda é uma brincadeira desnecessariamente mesquinha em um filme que de outra forma seria cativante.
Para um filme cuja necessidade foi inicialmente questionável, o realizador e sua equipe mostraram mais uma vez que não deveriam ser subestimados. Wonka é uma onda de engenhosidade vibrante, belo design de produção e uma performance imensamente alinhado de Timothée Chalamet. Embora possa não atingir as alturas de sua contraparte de 1971, ainda consegue ser sua própria entidade encantadora que pode proporcionar um afresco na sua alma. Às vezes, isso é tudo que um filme precisa fazer.
O Último dos Moicanos
3.8 377 Assista AgoraExemplo típico de uma história ficcional que se integra na grande História. Nesta obra de aventura que reúne todos os ingredientes que fazem deste filme a quintessência do gênero. O realizador impõe um ritmo sustentado sem perder as emoções, ajudado por uma trilha sonora prodigiosa, com um vôo lírico que causa arrepios.
O Último dos Moicanos apresenta ótimas cenas de ação e de romance que brilha pela sobriedade, pelo ritmo e pela atmosfera muito aventureira. Este filme segue a mesma linha de O Patriota (2000) ou Coração Valente (1995), pois existe esta guerra entre franceses e ingleses, ou esta tribo, que é bastante indiana, com a sua coragem e a sua alma guerreira que eu aprecio. E então, o lado épico é realmente emocionante, mesmo considerando todas as coisas, o cenário permanece clássico e o padrão do filme se repete rapidamente, mas apesar de tudo, o filme é cativante. Bem depois, a história de amor não é excepcional mas é sóbria e isso já é bom.
O filme tem direito a excelente produção, ainda tem como seu diretor, Michael Mann (Colateral, Fogo contra Fogo, Inimigos Públicos, etc.) por trás das câmeras. E assim, a encenação é cuidadosa, enfatiza cenas bonitas para que a fotografia fique excelente. Além disso, as cenas de ação e de combate são soberbamente bem coreografadas, mas é uma pena que em algumas falte impacto porque não há sangue e por isso a imersão é menor mas não incomoda tanto. Por outro lado, a música, principalmente o tema principal que é muito conhecido por ser magnífico. E por último, os atores são todos muito convincentes e não carecem de carisma, principalmente Daniel Day-Lewis que mergulhou na pele de um homem branco criado pelos índios para se preparar para o seu papel passando alguns meses numa floresta, revela-se de uma força e carisma quase esplêndido. Então aí está, um filme clássico, mas que faz bem as coisas.
Entre violência, romance, momento épico e batalha, sequência magnífica e poética ou mesmo tratamento bastante inteligente e não moralizante dos índios, tudo realçado por uma das mais belas trilhas sonoras inventadas para este tipo de filme. Em última análise, O Último dos Moicanos representa um grande sucesso, um imenso, belo e fascinante filme de aventura histórica.
Substitutos
3.2 578 Assista AgoraUm pouco conhecido filme de ficção científica, bastante subestimado porque cumpre bem a sua proposta com um bom roteiro, não muito complexo, bons atores e uma satistafória direção. Certamente não estamos diante de uma obra-prima, mas o contexto no geral, um pouco curta mesmo assim, pode ser acompanhada com tranquilidade. A atuação convence, principalmente quando interpretam a ausência de emoção, o que não deve ser tão fácil no final, os efeitos especiais são de boa qualidade e a ação está presente.
Infelizmente fica uma estranha sensação geral de inacabado, por isso nunca será um clássico do gênero, temos um pouco a impressão de que foi feito às pressas, só para ter rápido retorno do investimento, mas mesmo assim continua sendo uma produção totalmente simples, na qual não há necessidade de rodeios.
Em última análise, o filme não surpreende e, acima de tudo, mas com um tema que poderia levar a uma maior introspecção sobre os costumes da sociedade ocidental. A mensagem subliminar de "Substitutos”? A sociabilidade e a partilha deixarão de existir e viveremos numa superficialidade decadente onde o materialismo será a palavra de ordem da nossa sociedade. Embora possamos criticar por não ter sido desenvolvido o suficiente, devo dizer que este filme de ficção científica simplesmente me agradou e me divertiu bastante.
Ursinho Pooh: Sangue e Mel
1.4 196 Assista AgoraFrancamente, este sangrento filme de terror detém o prêmio de premissa mais improvável, para não dizer ridícula de 2023. Mas, no final das contas, porque não devemos admitir que a curiosidade toma conta de qualquer fã de filmes de terror e/ou de releitura? A história nos conta como Ursinho Pooh e o Leitão ficaram completamente loucos e psicopatas depois que seu amigo humano Christopher Robin os abandonou no lendário Bosque dos Cem Acres. Sem comida, eles teriam devorado Ió e não apoiariam mais os homens. Tendo se tornado eremitas misantrópicos que juraram nunca mais dizer uma palavra, se tornando canibais e psicopatas. Então, quando um grupo de jovens mulheres passam para recarregar as baterias em um chalé perto de sua floresta, elas pagarão o preço.
Os assassinatos são muito cruéis e sangrentos, mas o uso excessivo de hemoglobina em imagens geradas por computador prejudica consideravelmente a estética geral. Essa falha visual até torna certas cenas risíveis. Como fã de terror, nos deleitamos com a violência impactante nas mortes que ocorrem. Por outro lado, podemos deplorar a ausência de acontecimentos significativos entre esses momentos de violência que pode deixar um gostinho de querer mais.
O mais icônico para um filme em potencial são seus personagens de estupidez incomensurável. Seus comportamentos são tão desconcertantes que elas causam a sua própria morte, em vez de exercerem cautela diante do perigo, precipitando-se nas situações mais perigosas. A atuação medíocre acrescenta outra camada ao desastre. Raramente vimos algo pior, mesmo em filmes de terror fracassados. No entanto, deve-se reconhecer que o final sadicamente agradável consegue encerrar com uma nota agradável.
Em última análise, um slasher completamente empoleirado, propício a repetidos clichês do gênero que infelizmente, nunca vai em nenhuma direção, continuamente parecendo que o filme está entre dois caminhos. E é ainda mais uma pena que depois de um prólogo animado que nos coloca atentos ao nos fazer engolir essa ideia inicial totalmente maluca, as primeiras sequências fazem bastante sucesso: atmosfera provocadora de ansiedade, aparência cuidada e universo visual que tem algum apreço, grandiloquente música com o melhor efeito. Em suma, Ursinho Pooh: Sangue e Mel, para dizer, minimamente original, começa, surpreendentemente, sob os melhores auspícios. Este conto de pesadelo termina com um final sem ideal e completamente inacabado. O terror não tem controle nem visão singular, que nunca atinge as efusões sublimes do cinema impiedoso.
A Favorita
3.9 1,2K Assista AgoraBarroco, magnífico e insano. Desde o início, o filme dá o tom: uma dissecação quase entomológica dos costumes da corte inglesa do século XVIII, oscilando entre o prestígio e a depravação, tudo baseado em planos anamórficos e movimentos dinâmicos de câmera. Encontramo-nos assim num enredo bastante clássico de conspiração palaciana e luta por influência mas tudo isto está claramente imbuído de uma ludicidade, tanto na forma como na substância, que sabe trazer o fôlego necessário para energizar tudo.
Sentimos na produção de Lanthimos o desejo de maltratar seus personagens e ao mesmo tempo sentir pena deles. Os lugares e os códigos sociais são claramente obstáculos que oprimem estes homens e mulheres, levando-os regularmente ao absurdo, ao ridículo ou ao vício. Além disso, procurar a humanidade neste mundo louco significa se expor. E aqueles (e especialmente aqueles) que sabem jogar com estas fraquezas tornam-se os reis e rainhas deste teatro (político) do absurdo. E com este afresco histórico, o realizador, sabe ser sábio, mas permanece justo. Utilizando lentes muito grande-angulares ele consegue tanto trazer uma distorção das linhas sugerindo uma certa opressão pelo local, quanto consegue trazer velocidade e dinamismo à maioria das operações de ultrapassagem. Tudo isto apenas reflecte todas as tensões reprimidas por cada pessoa, uma poderosa força motriz para ambos. E admito que admiro ainda mais a medida que o autor soube colocar na sua obra que conseguiu incutir uma verdadeira tensão sexual tão incomoda quanto ligada cada vez a relações de poder, de dominação e manipulação, mas sabendo como parar onde é necessário, sem cair numa espécie de solicitação doentia. Em última análise, “A Favorita” é um título singular para um filme plural. Apresenta três mulheres: uma rainha e duas favoritas. Obviamente, se o exercício funciona tão bem é também porque Yorgos Lanthimos conseguiu reunir um trio com Rachel Weisz / Emma Stone / (e sobretudo) Olivia Colman que é notavelmente eficaz, como uma soberana infantil, cercada por sua corte de coelhos, conseguindo mostrar a dualidade de Anne Stuart, ora odiosamente caprichosa, ora surpreendentemente comovente, justamente recompensada com um Oscar em Hollywood e um Globo de Ouro.
Em suma, A Favorita é um filme histórico muito polido. A trama é literalmente cativante, com diálogos ferozmente engraçados e atrizes e atores notáveis. De certa forma, o filme também fala bem sobre a solidão. A rainha está profundamente desamparada no meio do seu douramento, e as duas mulheres que competem pelos seus favores estão sozinhas com a sua ambição; prisioneiras do seu perpétuo jogo de estratégia onde se trata de estar o mais próximo possível do soberano. Não deixe de descobrir esta obra de arte tão rica em significado.
A Última Sessão de Cinema
4.1 123 Assista AgoraUm filme soberbo para uma obra nostálgica sobre uma América com jovens perdidos e decepcionados, que descreve aqui a moral da juventude americana na década de 1950. A dificuldade da adolescência em arrastar um tédio, do único café ou cinema do bairro, entre o sexo e o álcool, compensando o vazio existencial, só tende a ressuscitar pela nostalgia ou pelo oportunismo comercial, as fontes de um cinema desaparecido, aquele que alimentava o espectador americano em anos 30 a 50, daí os exercícios estilísticos, com referência à América de John Ford.
“A Última Sessão de Cinema” é um filme único em seu gênero e não terá roubado seu status de filme cult com seu magnífico preto e branco, sua escalação de atores promissores e a sua pequena cidade perdida de Anarene. O que inicialmente tornou o filme relevante e original, nomeadamente esta visão desencantada de uma América atolada no vazio da libertação sexual e no ressentimento de um Éden perdido, transforma-se então em realidade, numa mecânica artificial.
O realizador, em última análise, se apresenta mais como um moralizador e um grande organizador de sua história e, embora queira estar próximo de um determinado cinema em contato com a realidade, ele não deixa, na verdade, quase nenhuma extensão para seus pobres personagens. Um filme denso, mas infinitamente belo nos temas que aborda, “A Última Sessão de Cinema” merece o seu lugar entre os clássicos dos anos 70, filmado a preto e branco reforçando a impressão de sufocamento que reina no filme.
O 6º Dia
2.9 211 Assista AgoraO lendário fisioculturista austríaco é protagonista nesse thriller futurista que faz as perguntas certas: a clonagem é um perigo real para a humanidade? O 6º Dia consegue integrar uma reflexão sobre a clonagem sem descurar as cenas de ação.
Antes da análise, é preciso dizer: fiquei agradavelmente surpreso reassistindo quase 24 anos depois, daí a avaliação pode ser um pouco alta, mas só o fato de vê-lo atuar em um filme com uma bela história e que denuncia excessos futuristas, já é satisfatório. Desta forma o filme é comparável a O Vingador do Futuro, que está longe de ser repulsivo nem o pior filme de Schwarzenegger.
Tirando essa boa história de ficção científica, o cenário traz muitas reviravoltas, não estamos apenas numa caçada, existe a pesquisa científica de um lado e a questão da ética moral. Sem isso o filme ficaria quase clichê, mas os demais atores ajudam na construção de um enredo satisfatório. Divertimo-nos, deixamo-nos embarcar sem preocupações, sem nos perdermos, e beneficiamos desde bons efeitos especiais servindo bem uma história original. Realmente achei o cenário imenso, cativante e muito interessante de acompanhar, mas também intrigante e inteligente, com um universo e um panorama de antecipação muito rico digno do grande Philip K Dick. Além de uma reviravolta realmente excelente e muito engenhosa.
Em última análise, O 6º Dia é formidável e eficaz e o que também me surpreendeu é que os efeitos especiais e a ação não envelheceram nem um pouco, ainda continuam impressionantes para um filme de 2000, armas de raios laser, a mulher virtual, pequenas telas sensíveis ao toque equipadas com fala, uma boneca de brinquedo falante e cômica. Além disso, Arnold Schwarzenegger em uma atuação tão sólida e ainda com seu toque de humor que agrada, desta vez é multiplicado por dois.
A clonagem da ovelha Dolly deu origem a esta ligeira reflexão sobre os limites da clonagem humana, caso ela um dia se torne hipoteticamente possível. A tendência até parece ser que a clonagem humana não seja uma ideia tão má, desde que o processo esteja em mãos cuidadosas. É a imprecisão em torno das ideias defendidas, se é que pelo menos existem. Como um filme de ação, não é ruim, com algumas reviravoltas legais e efeitos especiais decentes. Se é isso que você procura, um momento de distração porque não, se é mais um debate em torno da clonagem, talvez você tenha coisas melhores para fazer no seu dia.
Birdman ou (A Inesperada Virtude da Ignorância)
3.8 3,4K Assista AgoraUm mergulho vertiginoso na cabeça de um ator em decadência que tenta voltar ao teatro querendo recuperar a sua glória. Com sua encenação precisa e com um elenco estrelado, Alejandro Iñárritu faz de “Birdman ou (A Inesperada Virtude da Ignorância)” um emocionante momento do cinema em 2014. Este trabalho marca sobretudo o grande regresso de Michael Keaton num papel memorável. Há genialidade neste filme, mas também muito excesso, há maestria mas também pecado de orgulho, há ordem, mas também muita desordem. Birdman é tudo isso e ainda mais.
Triunfante no Oscar 2015 com 4 estatuetas: melhor filme, melhor diretor, melhor fotografia e melhor roteiro, com razão, mesmo que para mim tenham havido filmes melhores, este filme tem muitos pontos fortes. O seu maior trunfo é obviamente esta produção em planos de falsa sequência. Achei um pouco enigmático em alguns momentos, mesmo que vejamos uma óbvia mise en abyme (narrativas que contêm outras narrativas dentro de si) com o teatro. É uma maravilha de assistir, exige muito esforço, mas também é muito inerente, o que faz de “Birdman” o filme daquele ano. E isso não surpreende porque este longa-metragem toca a própria essência da criação artística e os artistas e artesãos do cinema não poderiam ser insensíveis. “Birdman” é sobre atuação, arte, processo criativo e suas consequências. Ele reflete sobre a criação como nenhum filme jamais havia feito antes. Além disso, esta reflexão nunca deixa de ser completamente enlouquecedora. Aqui não há nenhum, ou muito poucos, o que me incomodou um pouco. O seu outro trunfo, e para mim o mais importante, é a apresentação constante do filme. mise en abyme com seu paralelo cinema/teatro (no tema do filme e em sua produção), mise en abyme com cinema de autor/blockbuster (através de seu personagem principal e tema do filme) e finalmente mise en abyme com os atores /personagens (o personagem de Keaton não é um, é o próprio Keaton!). Isso é uma verdadeira façanha, faz com que seja mais do que um filme de fato, e o que é forte é que o diretor consegue transmitir suas ideias apenas através dessas apresentações, sem necessidade de diálogo para explicações.
Cada tema é tratado de forma inteligente, penso sobretudo no debate sobre a arte, sobre o teatro, sobre o cinema de entretenimento e o seu realizador denunciá-lo. Mas o problema é que rapidamente nos perdemos, temos dificuldade em seguir o pensamento do realizador, gostaríamos de ter mais tempo, ou menos temas para escolher.
E é por isso que acho que o filme é ao mesmo tempo brilhante e excessivo, dá muito ao espectador mas às vezes até demais. Então o que sai é um filme excelente, mas na verdade não é excelente o suficiente, quase fiquei desapontado por estar tudo tão desordenado, e a crítica parece ter visto também. Mas tenha cuidado, ainda é excelente. No final das contas, o filme de Iñárritu é completamente inclassificável, o que o torna um OVNI particularmente notável na produção cinematográfica atual. Até se torna um pouco surreal no final, o que certamente dificultará o esquecimento.
Bob Ross: Alegria, Traição e Ganância
3.6 10 Assista Agora"Bob Ross: Alegria, Traição e Ganância” trará um amplo sorriso ao seu rosto e também pode fazer seu sangue ferver. O realizador Joshua Rofé conta a história deste artista televisivo de fala mansa, desde o seu início humilde como jovem pintor a óleo até à vergonhosa comercialização em massa do seu nome e imagem após a sua morte em 1995.
Bob Ross era um talento alucinante e muitos de nós nos lembramos dele em seu programa de televisão da “The Joy of Painting”, que foi ao ar de 1983 a 1994. Durante cada episódio de meia hora, Ross usava sua técnica de pintura rápida para colorear uma paisagem com qualidade ímpar. Ele pintava em tempo real e sem edições. E enquanto ele pintava, sua instrução causal calmante tornava a exibição de seu espetáculo quase terapêutica.
Durante a maior parte do tempo de exibição, o documentário é repulsivo de assistir. Ross fez seu show o máximo que pôde e tinha planos para uma versão diferente que teria sido menos desgastante para ele. Ele também tentou estabelecer planos que manteriam sua empresa e sua família em boas condições depois que ele partisse. Mas o casal, Annette e Walt Kowalski, que se recusaram a participar do documentário, mas são vistos e ouvidos em filmagens antigas, tinham outros planos, que incluíam roubar o nome de Ross e eliminar qualquer possível competição. Eles foram fundamentais no lançamento de “The Joy of Painting” e na construção de um grande sucesso. Mas eles também assumiram o controle do nome Bob Ross de maneira tortuosa e descarada após sua morte.
Contra a vontade do falecido artista, os Kowalskis privaram o filho de Ross, Steve, dos direitos de usar o nome de seu próprio pai. Nesse ínterim, transformaram a imagem de Bob Ross em uma corporação multimilionária. Isso explica por que Bob Ross agora pode ser encontrado em camisetas, canecas de café, quebra-cabeças, bonecos de pelúcia, bobbleheads e assim por diante.
Em suma, é maravilhoso que a voz gentil e a atitude positiva de Ross flutuem dentro e fora do documentário, mesmo quando ele se transforma em um estudo sobre cobras sem coração. Este filme clama por um financiamento coletivo de um processo contra os Kowalskis. Qualquer conteúdo audiovisual que aborde a causa de uma figura pública em apuros, mesmo uma morta há muito tempo, pelo menos nos deixa com esperança de uma solução correta.
A Lenda de Beowulf
3.0 542 Assista AgoraA Lenda de Beowulf é uma adaptação do poema épico anglo-saxão de mesmo nome. Filmado em captura de movimento como em O Expresso Polar de 2004, o filme de Robert Zemeckis permite que o filme de animação tenha as expressões e gestos dos atores reais. A história nos mergulha em um universo sombrio e hostil onde monstros habitam as terras selvagens do norte da Europa. Foi quando o Rei Hrothgar enfrentou ataques que o viking Beowulf chegou para salvá-lo. Mas a sua fama e riqueza tornam-no cada vez mais sedento de poder. O cenário é bastante simples e permite destacar os diversos confrontos e cenas de combate que impressionam os olhos. Raramente um filme de animação foi tão violento, ou mesmo erótico.
Robert Zemeckis não é do tipo que respeita as convenções da Disney ou da Dreamworks associadas à magia e ao bom humor. Estas animações integram um registo completamente diferente. Muito mais sombrio, beirando o opressivo. Uma atmosfera pesada e muito cativante, mas não necessariamente para todo o público.
Claramente, o gênero heróico/fantasia em sua forma mais pura. Na verdade, longe dos padrões de Hollywood, A Lenda de Beowulf destaca-se pela maturidade do seu tema e pela impertinência geral: arranha a religião, os seres humanos, bem como os chamados heróis.
Paradoxalmente, a fraqueza do homem é destacada neste filme. Os personagens são caracterizados de uma forma pouco lisonjeira. É claro que a técnica utilizada não está isenta de falhas (algumas cenas são fotorrealistas, outras nem tanto, os personagens principais são mais detalhados que os secundários, etc.) mas ainda assim levamos um belo tapa na cara graças ao virtuosismo de a encenação. Um processo muito bom para encenar seu ambicioso filme. Apesar de todos esses pontos fortes, “A Lenda de Beowulf” talvez não tenha um enredo consistente o suficiente para te manter engajado do início ao fim. Uma queda na velocidade que afeta certos atos e prejudica de alguma forma a qualidade do trabalho realizado no set e no estúdio. Em última análise, um épico visualmente ousado e original, mas que poderia ter sido um pouco lendário.
Anna Nicole Smith: Vocês Não Me Conhecem
3.4 29 Assista AgoraUma jovem vinda do nada, das profundezas do Texas, que a América transforma em um ícone por saber se sair tão bem nos anos 80. Este documento retrata a vida de Vicki Lynn Hogan que se tornou Anna Nicole Smith, fenômeno sexy nos anos 80 e 90. É interessante descobrir as diferentes facetas da complexa personalidade desta mulher que era mais inteligente do que parecia e cuja ambição era ilimitada.
Em suma, o documentário lança luz sobre certos aspectos da sua personalidade e do seu ambiente. Da sua fama astronômica até ser desprezada e criticada, Anna Nicole Smith é, sem sombra de dúvidas, uma das figuras mais complexas e desconcertante da cultura pop. acima de tudo, queria ser uma boa mãe, e uma mulher exuberante que levava a vida em seus próprios termos. Sua história também serve como um alerta sobre como o desejo pelo sonho pode engolir e cuspir você, borrando sua autoimagem e fazendo você perder de vista o seu eu mais autêntico.
Garota Exemplar
4.2 5,0K Assista AgoraGarota Exemplar sob o rótulo de thriller, porém não usurpado e aqui sinônimo de excelente safra de David Fincher, é um filme que ultrapassa seus limites pelo contexto muito particular, o da vida de um jovem casal estabelecido em seu vida burguesa. E assim, para além da investigação e das suas surpreendentes reviravoltas, é a experiência assustadora desta dupla extraordinária, após alguns anos de casamento, que mais nos interessará com a horrível manipulação de um dos dois protagonistas.
Depois de um início bastante clássico no gênero, é todo esse suspense que nos manterá em suspense, depois esse maquiavelismo insano que seguiremos, enquanto ganhamos cada vez mais impulso com reviravoltas inimagináveis para melhor, nos deixando às cegas nas mais loucas conjecturas, que como espectadores construímos até compreender a terrível verdade.
Esta história assustadora também deve seu sucesso aos atores em particular Rosamund Pike, completamente surpreendente, gélida, impetuosa em sua composição muito dominada e Ben Affleck um pouco menos bom, mas interessante no papel do marido preso às suspeitas da polícia e sarcasmo midiático desencadeado por este caso.
Como tal, o estado de espírito da televisão americana e o seu preconceito com todo o impacto na população e até nas conclusões da polícia, são muito bem realçados e reveladores da loucura humana.
2 horas e meia de filme no geral passam muito rapidamente e as poucas durações não mudam muito. Ficamos imersos do início ao fim e saímos da experiência quase preocupados com tantos cálculos e estratagemas de todo o tipo. É com um olhar diferente que começamos a imaginar quais possíveis pistas poderiam ter dado todas essas misteriosas e famosas investigações que desafiaram a crônica sem nunca terem sido elucidadas.
Garota Exemplar com um cenário diabólico, e também muito bem oleado, transporta-nos para as profundezas mais sombrias da alma humana para o nosso maior prazer, como se uma parte de nós sequer apreciasse todo este lado sórdido e terrível que este thriller nos revela. Uma produção que apresenta seus mistérios de forma honrosa. Ele nos deixa fazer perguntas. E em última análise, Garota Exemplar é um filme de suspense de muito sucesso em seu gênero, um dos mais notáveis de 2014. Uma verdadeira obra-prima de David Fincher.
A Fantástica Fábrica de Chocolate
4.0 1,1K Assista Agora34 anos antes da adaptação de Tim Burton, aqui está a primeira adaptação do romance homônimo do escritor galês, Roald Dahl. Com Gene Wilder como Willy Wonka. E em primeiro lugar este último homenageia perfeitamente o traje do chocolatier, um Willy Wonka talvez um pouco menos excêntrico que Johnny Depp, mas igualmente bom, porém com mais sutileza. Se esta transposição do romance continua sendo a pioneira, só nos resta admirar a escrita do argumento e as escolhas estéticas que parecem específicas destes anos 70. Por um lado, com um orçamento muito mais limitado, o realizador conseguiu criar um arranjo animado, ao assumir os pontos fortes da narrativa. Foi com muito prazer que pude descobrir um Peter Ostrum que se encaixa perfeitamente no papel da criança maravilhada, humilde e sempre gentil que é Charlie. Mas isso seria deixar de contar sobre o poder de Gene Wilder, que com uma energia notável e um talento particular, nos impulsiona, com paixão, fugacidade, sutileza e leveza, para um mundo verdadeiramente deslumbrante.
E a estética, saboreando grosseiramente de contribuir para essa maravilha, um pouco obtusa, talvez, mas que não perde o encanto visual. Os sons e a música, longe de serem enfáticos, sabem transportar-nos para este ambiente que tão bem se enquadra no cenário. As canções cantadas pelos Oumpas-Loumpas são muito mais atraentes, foi portanto com alegria que descobri um trabalho apetitoso, diga-se, engraçado, com moderação, não menos que interessante e apaixonante. É colorido e fantasioso. Uma obra memorável e amigável.