Produção inglesa que é uma comédia de suspense policial em Technicolor da Canterbury Film Productions, Warner-Pathé Distributors e Anglo-Amalgamated Film Distributors, cujo roteiro de Clive Exton (1930-2007) foi baseado na peça homônima de 1964, de Joe Orton (1933-1967), que morreu prematuramente, assassinato por espancamento. Esta foi a 2 ° adaptação da peça, a 1° desenvolvida para a televisão britânica e transmitida pela ITV em 1968.
Alguns pôsteres do filme mostravam uma jovem loira seminua em primeiro plano. Isto não se relaciona com nenhum personagem do filme e parece ser uma tentativa de dar uma impressão enganosa sobre a estória
(Sloane tinha relações sexuais de exploração com uma mulher de meia-idade e seu irmão).
Em vez do tradicional "The End" nos créditos finais, o último título diz "AMÉM".
Sátira da moralidade da classe média que mostra a sua idade. Baseia-se fortemente em duplo sentido e insinuações. Embora o diálogo se infiltre, o enredo é sustentado por muitas implausibilidades que não se traduzem bem no filme. A encenação ocasional é compensada pela incrível Beryl Reid (1919-1996). Um filme apenas razoável, não mais que isso.
Produção inglesa que é uma aventura dramática em DeLuxe Color em CinemaScope da 20th Century-Fox Productions que foi baseado no romance homônimo de 1929 de Richard Hughes (1900-1976), cuja estória se passa em 1870.
O 2° veículo de Anthony Quinn (1915-2001) a co-estrelar com a russa Lila Kedrova (1918-2000), após Zorba, o grego (64), sendo o crédito cinematográfico imediatamente precedente de Quinn e Kedrova. Apresentou a única aparição no cinema, aos 15 anos, do romancista inglês Martin Amis (1949-2023). Uma jóia raramente vista que passou despercebida pelo público, embora tenha recebido ótimas críticas e tenha sido um fracasso de bilheteria.
Às vezes, Anthony Quinn era muito forte e era uma grande presença que precisava ser escolhida com perfeição para se adequar à escala de um filme. Este filme é uma estranha fábula iniciática onde as crianças são tratadas de uma forma que tem uma perspectiva única sobre as coisas. Burguesia, pirataria e infância formam um trio emocionante nesta trama em particular, onde as boas maneiras combatem a selvageria.
Faroeste cômico em Technicolor da Geoffrey Productions e Paramount Pictures que foi considerado um remake cômico de Três homens em conflito (66). O filme foi co-produzido pelo também cineasta Blake Edwards (1922-2010). Roger Miller (1936-1992) cantou a música tema e contou trechos de música ao longo do filme como uma forma de narração.
James Coburn (1928-2002) e Claude Akins (1926-1994) também apareceram juntos na série Klondike: Swoger's mule (1960-1961). Margaret Blye (1939-2016) interpretou a filha de Carroll O'Connor (1924-2001), o que não era tão adequado, já que a atriz era 15 anos mais nova que O'Connor. 21 anos depois ela interpretaria a namorada dele na série No calor da noite (1988-1995).
O filme ultrapassa a reverência pela moralidade temporal, a fidelidade à ilusão é recusada e o resultado é uma celebração verdadeiramente religiosa da alma do homem. É agradavelmente irreverente, embora um pouco de edição aqui e ali não fariam mal. Este foi a estréia no cinema do diretor William A. Graham (1926-2013).
Drama de ficção e suspense da The Ladd Company e Warner Bros. que comenta e satiriza a mídia, a publicidade, os efeitos da televisão sobre a população e um padrão ridículo de beleza. Este foi o 4° de 8 filmes dirigidos pelo roteirista Michael Crichton (1942-2008). Embora escasso em efeitos visuais, foi o 1° filme comercial a tentar fazer um modelo tridimensional, de aparência sólida, gerado por computador, de um corpo humano inteiro.
O 1° filme a criar sombreamento 3D com um computador que produziu o 1° personagem humano em CGI, que foi a modelo Cindy Fairmont. Este filme alcançou esse feito antes do mais famoso Tron da Disney: Uma Odisseia eletrônica (82) chegar às telas. "LOOKER" é um acrônimo do filme que significa "Light Ocular-Oriented Kinetic Emotive Responses". Tem um duplo sentido, pois a definição do dicionário o define como uma pessoa muito atraente; neste filme, refere-se a modelos femininas bonitas.
A versão para transmissão de televisão continha imagens adicionais,
incluindo uma cena em que John Reston explica ao Dr. Larry Roberts e Cindy por que a Digital Matrix matou os modelos "perfeitos".
Um filme que passou despercebido, mas notável pela originalidade do seu roteiro, pela eficácia da sua produção e pela incrível riqueza subjacente do seu tema. O inglês Albert Finney (1936-2019) chegou a atuar em 9 filmes entre os anos de 1981 e 1984. James Coburn (1928-2002), apesar de estar creditado no elenco como principal, ele não passou de um coadjuvante neste filme.
Co-produção dos Estados Unidos, Inglaterra e Hong Kong que é um documentário biográfico da Concord Productions e Warner Bros. O diretor/roteirista/produtor John Little também participou da realização do documentário curta Bruce Lee: In his own words (98) e do documentário longa Bruce Lee: In pursuit of the Dragon (09).
Os mais de 30 minutos de cenas de luta que Bruce Lee filmou para Jogo da morte (78) estão neste documentário. O longa inclui cenas de bastidores nunca antes vistas da vida de Bruce Lee (1940-1973), bem como partes da filmagem original de seu filme incompleto, "Jogo da morte", que foi deixado de fora do filme. Os amigos que foram entrevistados neste filme são o astro do basquete Kareem Abdul-Jabbar, o ator Chuck Norris e o instrutor de artes marciais Dan Inosanto, além da viúva do astro, Linda Lee Cadwell.
Cerca de 13 documentários de Lee já foram realizados. Logicamente, vi alguns apenas, mas este facilmente é um dos melhores documentários dele (senão o melhor) entre os muitos que existem por aí. As filmagens de várias fontes, incluindo filmes caseiros de Lee, entrevistas de TV e programas, são bem apresentadas e pintam uma imagem vívida de um homem cujos talentos fenomenais estavam apenas começando a amadurecer. Imperdível principalmente porque mostra entrevistas raras de Lee e um sequência ininterrupta de 30 minutos de lutas que haviam sido perdidas ou não entraram no seu filme citado.
Documentário biográfico sobre a vida e obra do lendário Bruce Lee (1940-1973) que foi o único filme dirigido pelo produtor Tom Kuhn e apenas o 2° e último filme dirigido pelo também produtor Fred Weintraub (1928-2017). Único roteiro de Davis Miller, autor dos livros "The Tao of Muhammad Ali", "The Tao of Bruce Lee" e "Approaching Ali". O ator George Takei, da série "Jornada nas estrelas", foi o narrador do filme.
O filme está disponível como extra no bluray de 30 anos de Operação Dragão (73). Este filme de 2 partes examina a vida extraordinária e a morte misteriosa de Bruce Lee, um dos atores de artes marciais mais influentes e populares do cinema. O filme inclui entrevistas com alguns de seus colegas estudantes e oponentes que trabalharam ao lado dele em seus filmes. Atores famosos como James Coburn e Chuck Norris, participaram das entrevistas, menos Steve McQueen, que apenas é visto em uma ponta durante o velório do astro. O jogador de basquete Kareem Abdul-Jabbar, o filho de Bruce, Brandon Lee, e a esposa, Linda Lee Cadwell, também participaram do documentário.
Pra quem é fã deste ícone das artes marciais, o filme é obrigatório. Mostra desde seus filmes com sua família em Hong Kong quando era criança e adolescente, até sua mudança para Hollywood em busca da fama. O simples olhar, seus movimentos acrobáticos, o perfeccionismo nas cenas de luta e os gritos tradicionais durante os golpes, eram algumas das características deste grande ator de um gênero no cinema que foi imitado a exaustão nos anos seguintes.
Co-produção greco-estadunidense da Sandy Howard Productions e 20th Century Fox. As filmagens ocorreram em Metéora, Pallini e Attica, na Grécia. O diretor inglês Douglas Hickox (1929-1988) era o mesmo realizador de O desejável Mr. Sloane (70), As 7 máscaras da morte (73), A morte segue seus passos (75) e O cão dos Baskervilles (83), dentre outros.
A menina sequestrada em Skydivers era filha de um soldado da Marinha estacionado na base de Nea Makri, ao norte de Atenas. Essa base agora está fechada. Vários funcionários da base e dependentes ajudaram o elenco e a equipe do filme, fornecendo ou ajudando a localizar os acessórios e suprimentos necessários. Nós nos divertimos muito estando nos vários sets e conhecendo o elenco e a equipe técnica. Nada de realmente especial neste filme de aventura, além dos meios de “locomoção” utilizados para escapar do mosteiro onde se escondem os infames terroristas e algumas vistas sublimes do encantador local de Metéora.
O industrial Jonas Bracken vive feliz com sua esposa Ellen Bracken e os filhos na Grécia. Quando eles são sequestrados, ele pede ajuda ao ex-marido dela, Jim McCabe. Os terroristas estão escondidos num mosteiro abandonado no topo de uma montanha, colocando-os fora do alcance de ataques convencionais. Enquanto Jonas negocia com os terroristas e consegue o pagamento do resgate, Jim reúne um grupo de artistas de circo voadores em uma equipe de resgate.
Uma aventura que vale mais pelas paisagens deslumbrantes da Grécia e os vôos de asa-deltas.
Faroeste dramático da 20th Century Fox que foi baseado no romance de 1971 "Gundown", de Brian Garfield (1939-2018). Último filme de faroeste para o cinema dirigido por Andrew V. McLaglen (1920-2014), que era um veterano do gênero. Ele dirigiu mais alguns filmes de faroeste para a televisão.
Brian Garfield reescreveu o roteiro sem créditos durante a produção. O roteiro foi muito fiel ao seu romance original. A publicidade deste filme declarou que o filme seguia a tradição de clássicos faroestes como Os brutos também amam (53), Matar ou morrer (52) e No tempo das diligências (39). Charlton Heston (1923-2008) e James Coburn (1928-2002) já atuaram juntos em Juramento de vingança (65), de Sam Peckinpah. E ambos co-estrelaram sozinhos com Senta Berger. Neste filme, para Heston - com Coburn como personagem coadjuvante - e A cruz de ferro (77) para Coburn. Filme de estréia do ator no cinema Larry Wilcox.
Boas atuações de todo elenco. Acima da média do gênero. Discute os efeitos do aparecimento de telegramas, telefones e carros no ano de 1909, no Arizona. A estória é um retrato aproximado e realista dos dias finais de um Velho Oeste subjugado pela civilização. Heston é um tipo de herói arcaico e aposentado, mas sua abordagem é a única que pode corresponder à de Coburn, um sujeito truculento e violento. O elenco oferece performances críveis e realistas, com roteiro e direção contribuindo com elegância, embora as mensagens subjacentes recebam ênfase indevida.
Comédia romântica da Time Life Films e 20th Century Fox que foi o antepenúltimo longa-metragem de Jack Smight (1925-2003). Um dos 3 filmes de 1980 que foram comparados a Bob, Carol, Ted e Alice (69). Os filmes incluem Troca de esposas (80), Amantes em família (80) e O último casal casado (80).
Um dos 2 filmes que a atriz Shirley MacLaine estrelou em 1980. O outro foi Amantes em família (80). Ambas as produções envolviam infidelidade conjugal como elementos da estória. Em um ano agitado, o filme foi uma das 6 produções filmadas em que a atriz Sally Kellerman apareceu em 1980. Um dos 2 longas-metragens que a atriz Susan Sarandon estrelou em 1980. A outra foi Atlantic City (80) pela qual Sarandon recebeu sua 1° indicação ao Oscar de melhor atriz. Não sei como James Coburn (1928-2002), num papel atípico, aceitou fazer esse personagem.
Um remake idiota de uma idéia muito antiga que já foi feita tão melhor tantas vezes antes, que esta versão é terrivelmente desnecessária. Uma farsa sexual envolvendo 2 casais trocando de companheiros. O filme é bem bobo e improvável. Do nada, eles traem seus parceiros por motivos toscos e depois se encontram com os pares trocados como se nada tivesse acontecido, tornando-se "amigos" e levando a vida normalmente.
Comédia dramática policial da Columbia Pictures vencedor do Globo de Ouro de melhor revelação feminina, Camilla Sparv. Escrito e dirigido por Bernard Girard (1918-1997), o cineasta realizou episódios de seriados como Alfred Hitchcock Apresenta (1955-1962), The Alfred Hitchcock Hour (1962-1965) e Além da imaginação (63), além de filmes como Fúria assassina (69), A mansão dos desaparecidos (69) e Caçadores são para matar (70).
Em sua estréia no cinema, Harrison Ford tem um papel pequeno e não creditado como carregador mensageiro de hotel. A sequência final foi cortada do filme pelo estúdio. Era uma cena da gangue se preparando para outro assalto 5 anos depois. Estréia da atriz Marian McCargo (1932-2004). Último filme de Mary Young (1879-1971). O título real usado, "Dead heat on a merry-go-round", aparece no filme como o romance escrito pelo personagem de James Coburn (1928-2002) sob o pseudônimo de "Henry Silverstein".
Esta produção tinha um potencial pra ser um bom filme de prisão/assalto mas, infelizmente, o roteiro complicado e confuso do diretor pôs tudo a perder. A trama não tem praticamente ação nenhuma, muito menos suspense, apenas a participação simpática de James Coburn como Eli Kotch, sempre cercado de belas mulheres, principalmente da sueca Camilla Sparv (um colírio para os olhos), em seu 1° filme no cinema, já que ela atuou em 3 filmes durante o ano de 1966: Anjos rebeldes (66), Matt Helm contra o mundo do crime (66) e este O Ladrão Conquistador (66). Mas não espere muita coisa!
Drama de aventura histórica em DeLuxe Color da The Mirisch Corporation e United Artists. As filmagens ocorreram em Chichén Itzá, em Yucatán, Mazatlán, em Sinaloa, e na Cidade do México, México.
Originalmente filmado com o título “The mound builders”, foi uma grande decepção crítica e financeira. O filme mostra os maias desembarcando no que hoje é o Texas. Algumas cenas importantes foram realmente filmadas na pirâmide de Chichen Itza. O filme marcou o 2° projeto que J. Lee Thompson (1914-2002) concluiu com Yul Brynner (1920-1985) em um ano – o outro sendo Taras Bulba (62).
Uma história ultrajante e imprecisa, esta visão de Hollywood sobre as culturas pré-colombianas é digna de atenção, não por seu enredo sem brilho, mas pela configuração que envolve a migração do povo maia para além do Golfo do México. De alguma forma, existem fronteiras contemporâneas e eles acabam no Texas encontrando índios das planícies. Mesmo que irregular, só a presença de Brynner torna o filme obrigatório, além da bela Shirley Anne Field como Ixchel. O filme mostra o conflito de duas culturas quando encontram um índio iroquês, o Chefe Águia Negra.
Co-produção franco-belga da Dargaud Films, Belvision, Athos Films e Ciné Vog Films. Este foi o 1° de 10 filmes da série de longas-metragens animados de "Asterix" que fez parte do 1° volume da série de estórias em quadrinhos "Asterix", de René Goscinny (estórias) e Albert Uderzo (ilustrações).
Lista dos filmes seguintes: Asterix e Cleópatra (68), Asterix e os doze trabalhos (76), Asterix e a surpresa de César (85), Asterix entre os bretões (86), Asterix e a grande luta (89), Asterix conquista a América (94), Asterix e os vikings (06), Asterix e o domínio dos deuses (14) e Asterix e o segredo da Poção Mágica (18). A 1° aparição na tela grande de Astérix e Obélix. Quando ele é apresentado pela primeira vez no prólogo, Caesar tem uma aparência completamente diferente da do resto da série, inclusive no final deste álbum. 120 animadores trabalharam neste filme. Por ser o 1° álbum, muitos pontos da estória e caracterizações ainda estavam em seus estágios de formação. Na verdade, devido à sua natureza original e serial, alguns se desenvolveram e mudaram mesmo com o progresso da estória. Não há nenhuma personagem feminina no filme, nem mesmo na festa final na vila.
A icônica série de quadrinhos recebeu o tratamento Hanna-Barbera, com personagens movendo apenas as pernas e alguns loops de fundo ásperos - embora, para ser justo, esses desenhos ainda sejam uma delícia de se olhar. Continua divertido e engraçado, mantendo a média dos outros filmes da série.
Co-produção franco-alemã da Dargaud Films, Extrafilm, Gaumont International e Jugendfilm-Verleih baseado em "Asterix and the big fight" e "Asterix and the soothsayer", de René Goscinny (1926-1977) e Albert Uderzo (1927-2020). Este foi o 1° filme baseado na série de quadrinhos "Asterix" produzido fora da França.
Cenas reutilizadas na luta final em Asterix conquista a América (94). O filme adapta partes de 2 estórias da série de quadrinhos "Astérix": a trama do falso adivinho é do 19º álbum "Le Devin", enquanto a trama do druida perdendo a memória é do 7º álbum "Le Combat des chefs". Apesar do título do filme, apenas uma pequena seção de "Asterix e a grande luta" aparece na trama (especificamente, a amnésia de Getafix).
Mais um divertido filme de animação baseado em um conjunto de personagens de quadrinhos franceses, esta é a estória de um guerreiro gaulês e seu companheiro que lutam contra os invasores romanos. O misterioso guerreiro Asterix passa por períodos notáveis da história e mostra a vida daqueles tempos por meio de aventuras de ação e muito humor.
Co-produção franco-teuto-espanhola da Extrafilm, Fox Pathé Europa, Hahn Film AG, Milímetros S.A. e Twentieth Century Fox. O 1° filme da série "Asterix" a usar cenas computacionais. O enredo do filme foi vagamente adaptado da estória em quadrinhos "Asterix and the great crossing", com uma série de alterações.
Cenas reutilizadas na luta final do filme Asterix e a grande luta (89). Referências de Asterix e os Doze Trabalhos (76): Quando Asterix, Getafix e Obelix ouvem que seus amigos foram enviados para as arenas romanas, Asterix diz que não é a primeira vez que ele "conquista Roma". Foi produzido na Alemanha, sob o título de "Asterix in Amerika", e foi o 1° filme de "Asterix" a ser produzido fora da França. Além disso, o 1° filme de "Asterix" a ser produzido em inglês.
Mantém a boa média dos filmes inspirados nestes simpáticos personagens e dá continuidade à qualidade gráfica do filme anterior, ao mesmo tempo em que desenvolve um roteiro que se afasta um pouco da obra original. A trama se passa 50 a.C., na América do Norte, em meio à uma tribo de índios.
Drama policial biográfico nacional da Kinoscopio, Kinoscópio Cinematográfica, Nossa Distribuidora e Universal Pictures indicado a 3 categorias no Grande Prêmio Cinema Brasil: melhor ator, Daniel de Oliveira, e melhor roteiro adaptado, vencendo o de melhor atriz coadjuvante, Leandra Leal; no Festival de Cinema Brasileiro de Miami, venceu os prêmios Lente de Cristal de melhor fotografia e melhor música.
Inspirado na autobiografia do paranaense Hiroto de Moraes Joanide (1936-1992), o filme é um grande retorno ao filme passado sobre o centro de São Paulo dos anos 50 e início dos anos 60, e com mais uma atuação memorável de Daniel de Oliveira. O resultado é que o filme é um tanto chato em certas partes, e certamente carece de uma abordagem mais profunda. A boa reconstituição de época é um dos trunfos bem realizados do filme. Para os padrões nacionais de se fazer filmes, tá mais do que aceitável essa proposta.
Co-produção do Chile, Brasil e Espanha da Aplaplac, Total Entertainment, User T38, MC Films e Total Filmes. Baseado na série de TV chilena 31 minutos (2002–2014), um programa infantil de fantoches que teve 71 episódios de 31 minutos cada. Durante os créditos de abertura você pode ler o nome dos personagens em vez dos nomes dos dubladores. as locações ocorreram em Santiago, no Chile, e no Rio de Janeiro, Brasil.
A tranquilidade habitual do telejornal “31 Minutos” será interrompida pelas manobras maléficas da sinistra Cachirula, que tentará roubar o que há de mais valioso que os personagens do programa possuem. O egocêntrico Tulio Triviño, o irresponsável Juan Carlos Bodoque e o trabalhador Juanín Juan Harry, acompanhados por centenas de personagens, devem enfrentar perigos inesperados, viajar pelo céu, mar e terra e colocar à prova sua amizade até então inquebrável para sair da situação com segurança a maior aventura de suas vidas.
Não curti muito porque não é o meu estilo favorito de assistir a uma estória. O filme ficou mais conhecido, talvez, devido a dublagem brasileira com alguns nomes de famosos: Márcio Garcia, Daniel de Oliveira e Mariana Ximenes.
Co-produção anglo-francesa da Dargaud Films, Les Productions René Goscinny, Studios Idefix, Halas and Batchelor Cartoon Films e Cinema International Corporation. Também conhecido como "Asterix e os doze trabalhos", este foi o 3° de 10 filmes de animação em longas-metragens destes personagens.
Ao contrário dos outros filmes de Asterix, este não foi baseado em nenhum dos livros de "Asterix", mas é uma estória completamente original escrita pelos criadores de "Asterix" Albert Uderzo (1927-2020) e René Goscinny (1926-1977). Na Alemanha, a busca pela licença A38 tornou-se um slogan para descrever a burocracia sobrecarregada. Amplamente considerado o melhor dos filmes de "Asterix". Os criadores da série, escreveram a estória e dirigiram eles próprios o filme; com co-direção de Pierre Watrin (1918-1990) e roteiro co-escrito por Pierre Tchernia (1928-2016), amigo de Goscinny e Uderzo.
Provavelmente o melhor filme animado de "Astérix". Alguns ótimos gráficos, piadas inteligentes, música memorável e o lugar que te deixa louco merece ser uma cena clássica na história da animação. Mais uma vez, graça e inteligência no desenho criado pela dupla de franceses Goscinny e Uderzo, em aventura inspirada nos doze trabalhos impostos a Hércules quando este, de acordo com a mitologia grega, foi desafiado pelos deuses.
Co-produção franco-belga da Belvision, Dargaud Films, Ciné Vog Films e Parafrance Films que á a sequência de Asterix, o Gaulês (67). Logo após este, mais 11 animações em longas-metragens foram realizadas. Houve uma refilmagem em live-action: Asterix e Obelix: Missão Cleópatra (02).
Os criadores de "Asterix" René Goscinny (1926-1977) e Albert Uderzo (1927-2020) não participaram do 1° recurso de "Asterix", no caso, Asterix, o gaulês (67), que foi feito por Georges Dargaud (1911-1990) sem o consentimento deles. Para este 2° filme de animação, eles decidiram assumir o controle. O filme foi visivelmente mais bem produzido do que seu antecessor, apresentando animação muito mais detalhada e uma trilha sonora mais polida, números musicais e elementos de sátira e humor surreal.
Neste divertido episódio, o mais engraçado são as piadas sem torno da pérfida Cleópatra. Essa aula nada convencional de história nos conta que ela era uma figura pouco confiável, mas o seu nariz era um charme. Não é o melhor das animações mas, mesmo assim, é bem divertido.
Produção italiana em cores indicado ao Oscar de melhor filme estrangeiro - o vencedor do ano foi o francês Preparem seus lenços (78). Esta comédia dramática composta por 14 episódios, é uma sequência de Os Monstros (63) e teve outra versão: I mostri oggi (09).
A versão completa do filme dura cerca de 115 minutos mas, após seu lançamento na Itália, o filme foi censurado em alguns episódios considerados muito "fortes". A duração da versão cortada do filme dura cerca de 87 minutos. O filme, assim como o anterior, consiste em episódios curtos que retratam a maldade e a hipocrisia da sociedade italiana de classe média durante os anos de liderança dos anos 70. Ettore Scola (1931-2016): "L'uccellino della Val Padana", "Il sospetto", "Cittadino esemplare", "Sequestro di persona cara", "Come una regina", "Hostaria!" e "Elogio funebre"; Dino Risi (1916-2008): "Con i saluti degli amici", "Tantum ergo", "Mammina e mammone", "Pornodiva" e "Senza parole"; Mario Monicelli (1915-2010): "Autostop" e "Pronto soccorso".
Eu me decepcionei com este filme, esperava bem mais, principalmente pelo ótimo elenco e pelos grandes diretores. O roteiro pretende ilustrar os vícios (e características?) dos italianos. Tramas muito tênues (em alguns casos pouco mais que uma piada) enriquecidas pelas atuações dos mais importantes atores/atrizes italianos da época. As estórias são vazias, gratuitas, superficiais e bobas, a ponto de deixarem uma triste sensação de impotência. Se encarar como um drama, dá de considerar mais "aceitável"; se levar para a comédia, aí é que a coisa se complica, pois não vi graça nenhuma em nenhum dos episódios.
Produção sueca em cores indicado ao Oscar de melhor filme estrangeiro - o vencedor do ano foi o francês O discreto charme da burguesia (72), de Buñuel; no Globo de Ouro, foi vencedor de melhor filme em língua estrangeira, juntamente com Os emigrantes (71). Os filmes foram baseados em "The settlers", de 1956, e "The last letter home", de 1959, ambos de Vilhelm Moberg (1898-1973), uma série de 4 romances sobre suecos pobres que emigraram de Småland, Suécia, em meados do século 19 e moram em Minesota, nos EUA.
Os filmes foram filmados simultaneamente ao longo de 1 ano. Este faroeste dramático foi o filme sueco de maior bilheteria de 1972 e o mais caro já produzido nesse país. O filme e sua prequela Os emigrantes (71) foram indicados ao Oscar no mesmo ano, em 1972, porém, em categorias diferentes. Esta foi a 1° e única ocorrência de tal evento. Também lançado em uma versão para TV de 4 episódios, 50 minutos por episódio Episódio 1: "Hemma vid Ki-Chi-Saga" (Em casa na Ki-Chi-Saga) Episódio 2: "Landet som de förvandlade" (O país que eles transformaram) Episódio 3: "Vildkattornas rikedom" (A fortuna dos gatos selvagens) Episódio 4: "Sista brevet Until Sverige" (A última carta à Suécia).
Surpreendentemente, o filme funciona como uma declaração subversiva sobre a identidade colonial americana melhor do que qualquer um dos seus pares de Hollywood. Jan Troell (atualmente com 92 anos) mostra-nos a face humana da provação, equilibrando tragédia com comédia e intimidade com abrangência de uma forma que poucos cineastas conseguiram,
Produção soviética em cores indicado ao Oscar de melhor filme estrangeiro - o vencedor do ano foi o francês Preparem seus lenços (78). Este drama foi baseado no livro de mesmo nome de 1971, escrito por Gavriil Troyepolsky (1905-1995).
O romance "White Bim Black Ear" foi publicado em inglês com o nome "Beem" pela Harper & Row em 1978. As filmagens aconteceram em Kaluga, Kaluga Oblast, na Rússia. Uma tradução literal do título em russo seria algo como "Bim Branco - Orelha Preta".
Talvez o filme mais triste que vi em minha vida (sem exageros), principalmente os relacionados com cães. Não tem como não derramar algumas lágrimas assistindo este filme durante sua projeção. As paisagens russas são exuberantes e as atuações também são muito convincentes, ainda mais do cão Bim, muito inteligente e fiel ao seu dono. A estória é muito simples e comovente.
O viúvo e veterano de guerra Ivan Ivanovich adota um dos filhotes desprezados pelo dono de uma ninhada da raça Setter Gordon: ele é o único de cor branca (albino) e tem uma orelha preta, enquanto todos os outros filhotes são pretos. Ivan sofre de uma doença grave (sequelas da guerra) e tem que fazer uma operação arriscada no coração em Moscou. Ele é levado de casa pela ambulância e, a partir daí, seu cão tenta encontrá-lo de todos os modos, indo atrás no hospital, fugindo de casa por várias vezes e sendo "adotado" e desprezado por diferentes pessoas ao longo do caminho. Bim enfrenta todos os perigos inimagináveis em sua trajetória em busca de seu dono solitário. Eu poderia dar uma nota máxima pra esse filme tranquilamente, mas só não dou porque não gostei do final, infelizmente, o diretor Stanislav Rostotskiy (1922-2001) nos quis deixar mais tristes ainda, mesmo que se baseando fielmente ao romance original. Bem que ele poderia ter mudado o final. Por que não? Ninguém iria se importar com isso.
Co-produção franco-polonesa em cores indicado ao Oscar de melhor filme estrangeiro, representando a Polônia na cerimônia - o vencedor do ano foi o alemão O tambor (79). "Maids" foi usado no sentido de "donzelas", portanto outra tradução poderia ser "The maidens of Wilko".
No curta 'Pogoda domu niechaj bedzie z Toba...' (79), do mesmo diretor Andrzej Wajda (1926-2016), cenas do filme evocaram a atmosfera da infância do autor do romance original homônimo de 1932, o russo Jaroslaw Iwaszkiewicz (1894-1980). Também incluiu filmagens não utilizadas neste filme. Iwaszkiewicz, apareceu duas vezes no filme como um homem mais velho de óculos.
A companhia abatida e estática de mulheres e homens neste drama romântico foi consumida por uma série de arrependimentos, ilusões e meditações filosóficas. As imagens do próprio Jarosław Iwaszkiewicz no trem no túnel da modernidade foram uma forma engenhosa de desmascarar o romantismo. Uma obra requintada que atinge a perfeição na evocação romântica da alta sociedade eslava deslizando para a sua finitude. Um filme marcado pela nostalgia do passado e pelo medo da morte. Excelente atuação dos atores principais.
Produção polonesa em cores indicado ao Oscar de melhor filme estrangeiro - o vencedor do ano foi o soviético Dersu Uzala (75), de Kurosawa; no Festival Internacional de Cinema de Moscou, foi vencedor do Prêmio Ouro de melhor filme. Este drama foi baseado no romance homônimo de 1898 de Władysław Reymont (1867-1925) e é uma refilmagem do silencioso Ziemia obiecana (27), também polonês.
Em 2000, o diretor e roteirista polonês Andrzej Wajda (1926-2016) foi vencedor do Prêmio Honorário por 5 décadas de extraordinária direção cinematográfica, recebendo a estatueta do Oscar. No mesmo ano, ele lançou uma versão do diretor deste filme com várias cenas eróticas excluídas. O que tem de filmes traduzidos como "Terra prometida" não é brincadeira!
O épico funciona como um olhar atento e cínico sobre as classes sociais e a industrialização da Polónia. Uma visão crítica incisiva sobre a oposição entre a modernidade e o passado, e sobre a corrupção moral da Polónia no início do século XX. O longa serve como um retrato fascinante da rebeldia implacável que caracteriza aqueles que procuram instalar uma nova ordem social. É um bom filme, porém, não tem nada de espetacular.
Produção húngara em cores indicado ao Oscar de melhor filme estrangeiro - o vencedor do ano foi o francês Preparem seus lenços (78). Um dos últimos filmes do diretor e roteirista húngaro Zoltán Fábri (1917-1994). Este filme faz parte de uma série de filmes do premiado e respeitado cineasta do leste europeu, que dedicou muito tempo e esforço narrando a luta contra o fascismo.
Na verdade, o tema do trabalho dos prisioneiros de guerra é tratado com cuidado e sensibilidade e os escassos momentos de terror são inseridos com responsabilidade cinemática. Aqui, a planura narrativa é reforçada pela decisão de filmar em planos médios bastante convencionais e close-ups médios em ambientes sépia - dificilmente vemos as cores da fotografia. Como quase sempre acontece, os dramas de guerra sempre são tristes e comoventes, com as pessoas retratadas vivendo uma situação complicada e sem perspectivas enquanto lutam pela sobrevivência. Apesar de tudo, achei parado demais.
O Desejável Mr. Sloane
2.4 2Produção inglesa que é uma comédia de suspense policial em Technicolor da Canterbury Film Productions, Warner-Pathé Distributors e Anglo-Amalgamated Film Distributors, cujo roteiro de Clive Exton (1930-2007) foi baseado na peça homônima de 1964, de Joe Orton (1933-1967), que morreu prematuramente, assassinato por espancamento. Esta foi a 2 ° adaptação da peça, a 1° desenvolvida para a televisão britânica e transmitida pela ITV em 1968.
Alguns pôsteres do filme mostravam uma jovem loira seminua em primeiro plano. Isto não se relaciona com nenhum personagem do filme e parece ser uma tentativa de dar uma impressão enganosa sobre a estória
(Sloane tinha relações sexuais de exploração com uma mulher de meia-idade e seu irmão).
Sátira da moralidade da classe média que mostra a sua idade. Baseia-se fortemente em duplo sentido e insinuações. Embora o diálogo se infiltre, o enredo é sustentado por muitas implausibilidades que não se traduzem bem no filme. A encenação ocasional é compensada pela incrível Beryl Reid (1919-1996). Um filme apenas razoável, não mais que isso.
Vendaval em Jamaica
3.4 5Produção inglesa que é uma aventura dramática em DeLuxe Color em CinemaScope da 20th Century-Fox Productions que foi baseado no romance homônimo de 1929 de Richard Hughes (1900-1976), cuja estória se passa em 1870.
O 2° veículo de Anthony Quinn (1915-2001) a co-estrelar com a russa Lila Kedrova (1918-2000), após Zorba, o grego (64), sendo o crédito cinematográfico imediatamente precedente de Quinn e Kedrova. Apresentou a única aparição no cinema, aos 15 anos, do romancista inglês Martin Amis (1949-2023). Uma jóia raramente vista que passou despercebida pelo público, embora tenha recebido ótimas críticas e tenha sido um fracasso de bilheteria.
Às vezes, Anthony Quinn era muito forte e era uma grande presença que precisava ser escolhida com perfeição para se adequar à escala de um filme. Este filme é uma estranha fábula iniciática onde as crianças são tratadas de uma forma que tem uma perspectiva única sobre as coisas. Burguesia, pirataria e infância formam um trio emocionante nesta trama em particular, onde as boas maneiras combatem a selvageria.
Ouro é o que Ouro Vale
3.0 8Faroeste cômico em Technicolor da Geoffrey Productions e Paramount Pictures que foi considerado um remake cômico de Três homens em conflito (66). O filme foi co-produzido pelo também cineasta Blake Edwards (1922-2010). Roger Miller (1936-1992) cantou a música tema e contou trechos de música ao longo do filme como uma forma de narração.
James Coburn (1928-2002) e Claude Akins (1926-1994) também apareceram juntos na série Klondike: Swoger's mule (1960-1961). Margaret Blye (1939-2016) interpretou a filha de Carroll O'Connor (1924-2001), o que não era tão adequado, já que a atriz era 15 anos mais nova que O'Connor. 21 anos depois ela interpretaria a namorada dele na série No calor da noite (1988-1995).
O filme ultrapassa a reverência pela moralidade temporal, a fidelidade à ilusão é recusada e o resultado é uma celebração verdadeiramente religiosa da alma do homem. É agradavelmente irreverente, embora um pouco de edição aqui e ali não fariam mal. Este foi a estréia no cinema do diretor William A. Graham (1926-2013).
O Domínio do Olhar
2.8 11Drama de ficção e suspense da The Ladd Company e Warner Bros. que comenta e satiriza a mídia, a publicidade, os efeitos da televisão sobre a população e um padrão ridículo de beleza. Este foi o 4° de 8 filmes dirigidos pelo roteirista Michael Crichton (1942-2008). Embora escasso em efeitos visuais, foi o 1° filme comercial a tentar fazer um modelo tridimensional, de aparência sólida, gerado por computador, de um corpo humano inteiro.
O 1° filme a criar sombreamento 3D com um computador que produziu o 1° personagem humano em CGI, que foi a modelo Cindy Fairmont. Este filme alcançou esse feito antes do mais famoso Tron da Disney: Uma Odisseia eletrônica (82) chegar às telas. "LOOKER" é um acrônimo do filme que significa "Light Ocular-Oriented Kinetic Emotive Responses". Tem um duplo sentido, pois a definição do dicionário o define como uma pessoa muito atraente; neste filme, refere-se a modelos femininas bonitas.
A versão para transmissão de televisão continha imagens adicionais,
incluindo uma cena em que John Reston explica ao Dr. Larry Roberts e Cindy por que a Digital Matrix matou os modelos "perfeitos".
Bruce Lee - A Jornada de um Guerreiro
4.0 14Co-produção dos Estados Unidos, Inglaterra e Hong Kong que é um documentário biográfico da Concord Productions e Warner Bros. O diretor/roteirista/produtor John Little também participou da realização do documentário curta Bruce Lee: In his own words (98) e do documentário longa Bruce Lee: In pursuit of the Dragon (09).
Os mais de 30 minutos de cenas de luta que Bruce Lee filmou para Jogo da morte (78) estão neste documentário. O longa inclui cenas de bastidores nunca antes vistas da vida de Bruce Lee (1940-1973), bem como partes da filmagem original de seu filme incompleto, "Jogo da morte", que foi deixado de fora do filme. Os amigos que foram entrevistados neste filme são o astro do basquete Kareem Abdul-Jabbar, o ator Chuck Norris e o instrutor de artes marciais Dan Inosanto, além da viúva do astro, Linda Lee Cadwell.
Cerca de 13 documentários de Lee já foram realizados. Logicamente, vi alguns apenas, mas este facilmente é um dos melhores documentários dele (senão o melhor) entre os muitos que existem por aí. As filmagens de várias fontes, incluindo filmes caseiros de Lee, entrevistas de TV e programas, são bem apresentadas e pintam uma imagem vívida de um homem cujos talentos fenomenais estavam apenas começando a amadurecer. Imperdível principalmente porque mostra entrevistas raras de Lee e um sequência ininterrupta de 30 minutos de lutas que haviam sido perdidas ou não entraram no seu filme citado.
A Maldição do Dragão
3.5 19Documentário biográfico sobre a vida e obra do lendário Bruce Lee (1940-1973) que foi o único filme dirigido pelo produtor Tom Kuhn e apenas o 2° e último filme dirigido pelo também produtor Fred Weintraub (1928-2017). Único roteiro de Davis Miller, autor dos livros "The Tao of Muhammad Ali", "The Tao of Bruce Lee" e "Approaching Ali". O ator George Takei, da série "Jornada nas estrelas", foi o narrador do filme.
O filme está disponível como extra no bluray de 30 anos de Operação Dragão (73). Este filme de 2 partes examina a vida extraordinária e a morte misteriosa de Bruce Lee, um dos atores de artes marciais mais influentes e populares do cinema. O filme inclui entrevistas com alguns de seus colegas estudantes e oponentes que trabalharam ao lado dele em seus filmes. Atores famosos como James Coburn e Chuck Norris, participaram das entrevistas, menos Steve McQueen, que apenas é visto em uma ponta durante o velório do astro. O jogador de basquete Kareem Abdul-Jabbar, o filho de Bruce, Brandon Lee, e a esposa, Linda Lee Cadwell, também participaram do documentário.
Pra quem é fã deste ícone das artes marciais, o filme é obrigatório. Mostra desde seus filmes com sua família em Hong Kong quando era criança e adolescente, até sua mudança para Hollywood em busca da fama. O simples olhar, seus movimentos acrobáticos, o perfeccionismo nas cenas de luta e os gritos tradicionais durante os golpes, eram algumas das características deste grande ator de um gênero no cinema que foi imitado a exaustão nos anos seguintes.
Fortaleza Proibida
3.3 9Co-produção greco-estadunidense da Sandy Howard Productions e 20th Century Fox. As filmagens ocorreram em Metéora, Pallini e Attica, na Grécia. O diretor inglês Douglas Hickox (1929-1988) era o mesmo realizador de O desejável Mr. Sloane (70), As 7 máscaras da morte (73), A morte segue seus passos (75) e O cão dos Baskervilles (83), dentre outros.
A menina sequestrada em Skydivers era filha de um soldado da Marinha estacionado na base de Nea Makri, ao norte de Atenas. Essa base agora está fechada. Vários funcionários da base e dependentes ajudaram o elenco e a equipe do filme, fornecendo ou ajudando a localizar os acessórios e suprimentos necessários. Nós nos divertimos muito estando nos vários sets e conhecendo o elenco e a equipe técnica. Nada de realmente especial neste filme de aventura, além dos meios de “locomoção” utilizados para escapar do mosteiro onde se escondem os infames terroristas e algumas vistas sublimes do encantador local de Metéora.
O industrial Jonas Bracken vive feliz com sua esposa Ellen Bracken e os filhos na Grécia. Quando eles são sequestrados, ele pede ajuda ao ex-marido dela, Jim McCabe. Os terroristas estão escondidos num mosteiro abandonado no topo de uma montanha, colocando-os fora do alcance de ataques convencionais. Enquanto Jonas negocia com os terroristas e consegue o pagamento do resgate, Jim reúne um grupo de artistas de circo voadores em uma equipe de resgate.
Os Últimos Machões
3.2 10Faroeste dramático da 20th Century Fox que foi baseado no romance de 1971 "Gundown", de Brian Garfield (1939-2018). Último filme de faroeste para o cinema dirigido por Andrew V. McLaglen (1920-2014), que era um veterano do gênero. Ele dirigiu mais alguns filmes de faroeste para a televisão.
Brian Garfield reescreveu o roteiro sem créditos durante a produção. O roteiro foi muito fiel ao seu romance original. A publicidade deste filme declarou que o filme seguia a tradição de clássicos faroestes como Os brutos também amam (53), Matar ou morrer (52) e No tempo das diligências (39). Charlton Heston (1923-2008) e James Coburn (1928-2002) já atuaram juntos em Juramento de vingança (65), de Sam Peckinpah. E ambos co-estrelaram sozinhos com Senta Berger. Neste filme, para Heston - com Coburn como personagem coadjuvante - e A cruz de ferro (77) para Coburn. Filme de estréia do ator no cinema Larry Wilcox.
Boas atuações de todo elenco. Acima da média do gênero. Discute os efeitos do aparecimento de telegramas, telefones e carros no ano de 1909, no Arizona. A estória é um retrato aproximado e realista dos dias finais de um Velho Oeste subjugado pela civilização. Heston é um tipo de herói arcaico e aposentado, mas sua abordagem é a única que pode corresponder à de Coburn, um sujeito truculento e violento. O elenco oferece performances críveis e realistas, com roteiro e direção contribuindo com elegância, embora as mensagens subjacentes recebam ênfase indevida.
Casais Trocados
2.6 6 Assista AgoraComédia romântica da Time Life Films e 20th Century Fox que foi o antepenúltimo longa-metragem de Jack Smight (1925-2003). Um dos 3 filmes de 1980 que foram comparados a Bob, Carol, Ted e Alice (69). Os filmes incluem Troca de esposas (80), Amantes em família (80) e O último casal casado (80).
Um dos 2 filmes que a atriz Shirley MacLaine estrelou em 1980. O outro foi Amantes em família (80). Ambas as produções envolviam infidelidade conjugal como elementos da estória. Em um ano agitado, o filme foi uma das 6 produções filmadas em que a atriz Sally Kellerman apareceu em 1980. Um dos 2 longas-metragens que a atriz Susan Sarandon estrelou em 1980. A outra foi Atlantic City (80) pela qual Sarandon recebeu sua 1° indicação ao Oscar de melhor atriz. Não sei como James Coburn (1928-2002), num papel atípico, aceitou fazer esse personagem.
Um remake idiota de uma idéia muito antiga que já foi feita tão melhor tantas vezes antes, que esta versão é terrivelmente desnecessária. Uma farsa sexual envolvendo 2 casais trocando de companheiros. O filme é bem bobo e improvável. Do nada, eles traem seus parceiros por motivos toscos e depois se encontram com os pares trocados como se nada tivesse acontecido, tornando-se "amigos" e levando a vida normalmente.
O Ladrão Conquistador
3.0 3 Assista AgoraComédia dramática policial da Columbia Pictures vencedor do Globo de Ouro de melhor revelação feminina, Camilla Sparv. Escrito e dirigido por Bernard Girard (1918-1997), o cineasta realizou episódios de seriados como Alfred Hitchcock Apresenta (1955-1962), The Alfred Hitchcock Hour (1962-1965) e Além da imaginação (63), além de filmes como Fúria assassina (69), A mansão dos desaparecidos (69) e Caçadores são para matar (70).
Em sua estréia no cinema, Harrison Ford tem um papel pequeno e não creditado como carregador mensageiro de hotel. A sequência final foi cortada do filme pelo estúdio. Era uma cena da gangue se preparando para outro assalto 5 anos depois. Estréia da atriz Marian McCargo (1932-2004). Último filme de Mary Young (1879-1971). O título real usado, "Dead heat on a merry-go-round", aparece no filme como o romance escrito pelo personagem de James Coburn (1928-2002) sob o pseudônimo de "Henry Silverstein".
Esta produção tinha um potencial pra ser um bom filme de prisão/assalto mas, infelizmente, o roteiro complicado e confuso do diretor pôs tudo a perder. A trama não tem praticamente ação nenhuma, muito menos suspense, apenas a participação simpática de James Coburn como Eli Kotch, sempre cercado de belas mulheres, principalmente da sueca Camilla Sparv (um colírio para os olhos), em seu 1° filme no cinema, já que ela atuou em 3 filmes durante o ano de 1966: Anjos rebeldes (66), Matt Helm contra o mundo do crime (66) e este O Ladrão Conquistador (66). Mas não espere muita coisa!
Os Reis do Sol
3.4 12Drama de aventura histórica em DeLuxe Color da The Mirisch Corporation e United Artists. As filmagens ocorreram em Chichén Itzá, em Yucatán, Mazatlán, em Sinaloa, e na Cidade do México, México.
Originalmente filmado com o título “The mound builders”, foi uma grande decepção crítica e financeira. O filme mostra os maias desembarcando no que hoje é o Texas. Algumas cenas importantes foram realmente filmadas na pirâmide de Chichen Itza. O filme marcou o 2° projeto que J. Lee Thompson (1914-2002) concluiu com Yul Brynner (1920-1985) em um ano – o outro sendo Taras Bulba (62).
Uma história ultrajante e imprecisa, esta visão de Hollywood sobre as culturas pré-colombianas é digna de atenção, não por seu enredo sem brilho, mas pela configuração que envolve a migração do povo maia para além do Golfo do México. De alguma forma, existem fronteiras contemporâneas e eles acabam no Texas encontrando índios das planícies. Mesmo que irregular, só a presença de Brynner torna o filme obrigatório, além da bela Shirley Anne Field como Ixchel. O filme mostra o conflito de duas culturas quando encontram um índio iroquês, o Chefe Águia Negra.
Asterix, o Gaulês
3.6 16 Assista AgoraCo-produção franco-belga da Dargaud Films, Belvision, Athos Films e Ciné Vog Films.
Este foi o 1° de 10 filmes da série de longas-metragens animados de "Asterix" que fez parte do 1° volume da série de estórias em quadrinhos "Asterix", de René Goscinny (estórias) e Albert Uderzo (ilustrações).
Lista dos filmes seguintes: Asterix e Cleópatra (68), Asterix e os doze trabalhos (76), Asterix e a surpresa de César (85), Asterix entre os bretões (86), Asterix e a grande luta (89), Asterix conquista a América (94), Asterix e os vikings (06), Asterix e o domínio dos deuses (14) e Asterix e o segredo da Poção Mágica (18). A 1° aparição na tela grande de Astérix e Obélix. Quando ele é apresentado pela primeira vez no prólogo, Caesar tem uma aparência completamente diferente da do resto da série, inclusive no final deste álbum. 120 animadores trabalharam neste filme. Por ser o 1° álbum, muitos pontos da estória e caracterizações ainda estavam em seus estágios de formação. Na verdade, devido à sua natureza original e serial, alguns se desenvolveram e mudaram mesmo com o progresso da estória. Não há nenhuma personagem feminina no filme, nem mesmo na festa final na vila.
A icônica série de quadrinhos recebeu o tratamento Hanna-Barbera, com personagens movendo apenas as pernas e alguns loops de fundo ásperos - embora, para ser justo, esses desenhos ainda sejam uma delícia de se olhar. Continua divertido e engraçado, mantendo a média dos outros filmes da série.
Asterix e a Grande Luta
3.6 8Co-produção franco-alemã da Dargaud Films, Extrafilm, Gaumont International e Jugendfilm-Verleih baseado em "Asterix and the big fight" e "Asterix and the soothsayer", de René Goscinny (1926-1977) e Albert Uderzo (1927-2020). Este foi o 1° filme baseado na série de quadrinhos "Asterix" produzido fora da França.
Cenas reutilizadas na luta final em Asterix conquista a América (94). O filme adapta partes de 2 estórias da série de quadrinhos "Astérix": a trama do falso adivinho é do 19º álbum "Le Devin", enquanto a trama do druida perdendo a memória é do 7º álbum "Le Combat des chefs". Apesar do título do filme, apenas uma pequena seção de "Asterix e a grande luta" aparece na trama (especificamente, a amnésia de Getafix).
Mais um divertido filme de animação baseado em um conjunto de personagens de quadrinhos franceses, esta é a estória de um guerreiro gaulês e seu companheiro que lutam contra os invasores romanos. O misterioso guerreiro Asterix passa por períodos notáveis da história e mostra a vida daqueles tempos por meio de aventuras de ação e muito humor.
Asterix Conquista a América
3.3 7Co-produção franco-teuto-espanhola da Extrafilm, Fox Pathé Europa, Hahn Film AG, Milímetros S.A. e Twentieth Century Fox. O 1° filme da série "Asterix" a usar cenas computacionais. O enredo do filme foi vagamente adaptado da estória em quadrinhos "Asterix and the great crossing", com uma série de alterações.
Cenas reutilizadas na luta final do filme Asterix e a grande luta (89). Referências de Asterix e os Doze Trabalhos (76): Quando Asterix, Getafix e Obelix ouvem que seus amigos foram enviados para as arenas romanas, Asterix diz que não é a primeira vez que ele "conquista Roma". Foi produzido na Alemanha, sob o título de "Asterix in Amerika", e foi o 1° filme de "Asterix" a ser produzido fora da França. Além disso, o 1° filme de "Asterix" a ser produzido em inglês.
Mantém a boa média dos filmes inspirados nestes simpáticos personagens e dá continuidade à qualidade gráfica do filme anterior, ao mesmo tempo em que desenvolve um roteiro que se afasta um pouco da obra original. A trama se passa 50 a.C., na América do Norte, em meio à uma tribo de índios.
Boca do Lixo
2.8 117Drama policial biográfico nacional da Kinoscopio, Kinoscópio Cinematográfica, Nossa Distribuidora e Universal Pictures indicado a 3 categorias no Grande Prêmio Cinema Brasil: melhor ator, Daniel de Oliveira, e melhor roteiro adaptado, vencendo o de melhor atriz coadjuvante, Leandra Leal; no Festival de Cinema Brasileiro de Miami, venceu os prêmios Lente de Cristal de melhor fotografia e melhor música.
Inspirado na autobiografia do paranaense Hiroto de Moraes Joanide (1936-1992), o filme é
um grande retorno ao filme passado sobre o centro de São Paulo dos anos 50 e início dos anos 60, e com mais uma atuação memorável de Daniel de Oliveira. O resultado é que o filme é um tanto chato em certas partes, e certamente carece de uma abordagem mais profunda. A boa reconstituição de época é um dos trunfos bem realizados do filme. Para os padrões nacionais de se fazer filmes, tá mais do que aceitável essa proposta.
31 Minutos - O Filme
3.3 82Co-produção do Chile, Brasil e Espanha da Aplaplac, Total Entertainment, User T38, MC Films e Total Filmes. Baseado na série de TV chilena 31 minutos (2002–2014), um programa infantil de fantoches que teve 71 episódios de 31 minutos cada. Durante os créditos de abertura você pode ler o nome dos personagens em vez dos nomes dos dubladores. as locações ocorreram em Santiago, no Chile, e no Rio de Janeiro, Brasil.
A tranquilidade habitual do telejornal “31 Minutos” será interrompida pelas manobras maléficas da sinistra Cachirula, que tentará roubar o que há de mais valioso que os personagens do programa possuem. O egocêntrico Tulio Triviño, o irresponsável Juan Carlos Bodoque e o trabalhador Juanín Juan Harry, acompanhados por centenas de personagens, devem enfrentar perigos inesperados, viajar pelo céu, mar e terra e colocar à prova sua amizade até então inquebrável para sair da situação com segurança a maior aventura de suas vidas.
Os Doze Trabalhos de Asterix
3.9 22 Assista AgoraCo-produção anglo-francesa da Dargaud Films, Les Productions René Goscinny, Studios Idefix, Halas and Batchelor Cartoon Films e Cinema International Corporation. Também conhecido como "Asterix e os doze trabalhos", este foi o 3° de 10 filmes de animação em longas-metragens destes personagens.
Ao contrário dos outros filmes de Asterix, este não foi baseado em nenhum dos livros de "Asterix", mas é uma estória completamente original escrita pelos criadores de "Asterix" Albert Uderzo (1927-2020) e René Goscinny (1926-1977). Na Alemanha, a busca pela licença A38 tornou-se um slogan para descrever a burocracia sobrecarregada. Amplamente considerado o melhor dos filmes de "Asterix". Os criadores da série, escreveram a estória e dirigiram eles próprios o filme; com co-direção de Pierre Watrin (1918-1990) e roteiro co-escrito por Pierre Tchernia (1928-2016), amigo de Goscinny e Uderzo.
Provavelmente o melhor filme animado de "Astérix". Alguns ótimos gráficos, piadas inteligentes, música memorável e o lugar que te deixa louco merece ser uma cena clássica na história da animação. Mais uma vez, graça e inteligência no desenho criado pela dupla de franceses Goscinny e Uderzo, em aventura inspirada nos doze trabalhos impostos a Hércules quando este, de acordo com a mitologia grega, foi desafiado pelos deuses.
Asterix e Cleópatra
3.6 18 Assista AgoraCo-produção franco-belga da Belvision, Dargaud Films, Ciné Vog Films e Parafrance Films que á a sequência de Asterix, o Gaulês (67). Logo após este, mais 11 animações em longas-metragens foram realizadas. Houve uma refilmagem em live-action: Asterix e Obelix: Missão Cleópatra (02).
Os criadores de "Asterix" René Goscinny (1926-1977) e Albert Uderzo (1927-2020) não participaram do 1° recurso de "Asterix", no caso, Asterix, o gaulês (67), que foi feito por Georges Dargaud (1911-1990) sem o consentimento deles. Para este 2° filme de animação, eles decidiram assumir o controle. O filme foi visivelmente mais bem produzido do que seu antecessor, apresentando animação muito mais detalhada e uma trilha sonora mais polida, números musicais e elementos de sátira e humor surreal.
Neste divertido episódio, o mais engraçado são as piadas sem torno da pérfida Cleópatra. Essa aula nada convencional de história nos conta que ela era uma figura pouco confiável, mas o seu nariz era um charme. Não é o melhor das animações mas, mesmo assim, é bem divertido.
Os Novos Monstros
4.0 11Produção italiana em cores indicado ao Oscar de melhor filme estrangeiro - o vencedor do ano foi o francês Preparem seus lenços (78). Esta comédia dramática composta por 14 episódios, é uma sequência de Os Monstros (63) e teve outra versão: I mostri oggi (09).
A versão completa do filme dura cerca de 115 minutos mas, após seu lançamento na Itália, o filme foi censurado em alguns episódios considerados muito "fortes". A duração da versão cortada do filme dura cerca de 87 minutos. O filme, assim como o anterior, consiste em episódios curtos que retratam a maldade e a hipocrisia da sociedade italiana de classe média durante os anos de liderança dos anos 70. Ettore Scola (1931-2016): "L'uccellino della Val Padana", "Il sospetto", "Cittadino esemplare", "Sequestro di persona cara", "Come una regina", "Hostaria!" e "Elogio funebre"; Dino Risi (1916-2008): "Con i saluti degli amici", "Tantum ergo", "Mammina e mammone", "Pornodiva" e "Senza parole"; Mario Monicelli (1915-2010): "Autostop" e "Pronto soccorso".
Eu me decepcionei com este filme, esperava bem mais, principalmente pelo ótimo elenco e pelos grandes diretores. O roteiro pretende ilustrar os vícios (e características?) dos italianos. Tramas muito tênues (em alguns casos pouco mais que uma piada) enriquecidas pelas atuações dos mais importantes atores/atrizes italianos da época. As estórias são vazias, gratuitas, superficiais e bobas, a ponto de deixarem uma triste sensação de impotência. Se encarar como um drama, dá de considerar mais "aceitável"; se levar para a comédia, aí é que a coisa se complica, pois não vi graça nenhuma em nenhum dos episódios.
O Preço do Triunfo
4.2 9Produção sueca em cores indicado ao Oscar de melhor filme estrangeiro - o vencedor do ano foi o francês O discreto charme da burguesia (72), de Buñuel; no Globo de Ouro, foi vencedor de melhor filme em língua estrangeira, juntamente com Os emigrantes (71). Os filmes foram baseados em "The settlers", de 1956, e "The last letter home", de 1959, ambos de Vilhelm Moberg (1898-1973), uma série de 4 romances sobre suecos pobres que emigraram de Småland, Suécia, em meados do século 19 e moram em Minesota, nos EUA.
Os filmes foram filmados simultaneamente ao longo de 1 ano. Este faroeste dramático foi o filme sueco de maior bilheteria de 1972 e o mais caro já produzido nesse país. O filme e sua prequela Os emigrantes (71) foram indicados ao Oscar no mesmo ano, em 1972, porém, em categorias diferentes. Esta foi a 1° e única ocorrência de tal evento. Também lançado em uma versão para TV de 4 episódios, 50 minutos por episódio Episódio 1: "Hemma vid Ki-Chi-Saga" (Em casa na Ki-Chi-Saga) Episódio 2: "Landet som de förvandlade" (O país que eles transformaram) Episódio 3: "Vildkattornas rikedom" (A fortuna dos gatos selvagens) Episódio 4: "Sista brevet Until Sverige" (A última carta à Suécia).
Surpreendentemente, o filme funciona como uma declaração subversiva sobre a identidade colonial americana melhor do que qualquer um dos seus pares de Hollywood.
Jan Troell (atualmente com 92 anos) mostra-nos a face humana da provação, equilibrando tragédia com comédia e intimidade com abrangência de uma forma que poucos cineastas conseguiram,
mesmo que com algumas cenas bem violentas e desnecessárias (como a matança de um boi e a tirada do feto à força).
Belyy Bim - Chyornoe ukho
4.1 4Produção soviética em cores indicado ao Oscar de melhor filme estrangeiro - o vencedor do ano foi o francês Preparem seus lenços (78). Este drama foi baseado no livro de mesmo nome de 1971, escrito por Gavriil Troyepolsky (1905-1995).
O romance "White Bim Black Ear" foi publicado em inglês com o nome "Beem" pela Harper & Row em 1978. As filmagens aconteceram em Kaluga, Kaluga Oblast, na Rússia. Uma tradução literal do título em russo seria algo como "Bim Branco - Orelha Preta".
Talvez o filme mais triste que vi em minha vida (sem exageros), principalmente os relacionados com cães. Não tem como não derramar algumas lágrimas assistindo este filme durante sua projeção. As paisagens russas são exuberantes e as atuações também são muito convincentes, ainda mais do cão Bim, muito inteligente e fiel ao seu dono. A estória é muito simples e comovente.
O viúvo e veterano de guerra Ivan Ivanovich adota um dos filhotes desprezados pelo dono de uma ninhada da raça Setter Gordon: ele é o único de cor branca (albino) e tem uma orelha preta, enquanto todos os outros filhotes são pretos. Ivan sofre de uma doença grave (sequelas da guerra) e tem que fazer uma operação arriscada no coração em Moscou. Ele é levado de casa pela ambulância e, a partir daí, seu cão tenta encontrá-lo de todos os modos, indo atrás no hospital, fugindo de casa por várias vezes e sendo "adotado" e desprezado por diferentes pessoas ao longo do caminho. Bim enfrenta todos os perigos inimagináveis em sua trajetória em busca de seu dono solitário. Eu poderia dar uma nota máxima pra esse filme tranquilamente, mas só não dou porque não gostei do final, infelizmente, o diretor Stanislav Rostotskiy (1922-2001) nos quis deixar mais tristes ainda, mesmo que se baseando fielmente ao romance original. Bem que ele poderia ter mudado o final. Por que não? Ninguém iria se importar com isso.
As Senhoritas de Wilko
3.9 4Co-produção franco-polonesa em cores indicado ao Oscar de melhor filme estrangeiro, representando a Polônia na cerimônia - o vencedor do ano foi o alemão O tambor (79). "Maids" foi usado no sentido de "donzelas", portanto outra tradução poderia ser "The maidens of Wilko".
No curta 'Pogoda domu niechaj bedzie z Toba...' (79), do mesmo diretor Andrzej Wajda (1926-2016), cenas do filme evocaram a atmosfera da infância do autor do romance original homônimo de 1932, o russo Jaroslaw Iwaszkiewicz (1894-1980). Também incluiu filmagens não utilizadas neste filme. Iwaszkiewicz, apareceu duas vezes no filme como um homem mais velho de óculos.
A companhia abatida e estática de mulheres e homens neste drama romântico foi consumida por uma série de arrependimentos, ilusões e meditações filosóficas. As imagens do próprio Jarosław Iwaszkiewicz no trem no túnel da modernidade foram uma forma engenhosa de desmascarar o romantismo. Uma obra requintada que atinge a perfeição na evocação romântica da alta sociedade eslava deslizando para a sua finitude. Um filme marcado pela nostalgia do passado e pelo medo da morte. Excelente atuação dos atores principais.
Terra Prometida
3.8 8Produção polonesa em cores indicado ao Oscar de melhor filme estrangeiro - o vencedor do ano foi o soviético Dersu Uzala (75), de Kurosawa; no Festival Internacional de Cinema de Moscou, foi vencedor do Prêmio Ouro de melhor filme. Este drama foi baseado no romance homônimo de 1898 de Władysław Reymont (1867-1925) e é uma refilmagem do silencioso Ziemia obiecana (27), também polonês.
Em 2000, o diretor e roteirista polonês Andrzej Wajda (1926-2016) foi vencedor do Prêmio Honorário por 5 décadas de extraordinária direção cinematográfica, recebendo a estatueta do Oscar. No mesmo ano, ele lançou uma versão do diretor deste filme com várias cenas eróticas excluídas. O que tem de filmes traduzidos como "Terra prometida" não é brincadeira!
O épico funciona como um olhar atento e cínico sobre as classes sociais e a industrialização da Polónia. Uma visão crítica incisiva sobre a oposição entre a modernidade e o passado, e sobre a corrupção moral da Polónia no início do século XX. O longa serve como um retrato fascinante da rebeldia implacável que caracteriza aqueles que procuram instalar uma nova ordem social. É um bom filme, porém, não tem nada de espetacular.
Magyarok
3.1 1Produção húngara em cores indicado ao Oscar de melhor filme estrangeiro - o vencedor do ano foi o francês Preparem seus lenços (78). Um dos últimos filmes do diretor e roteirista húngaro Zoltán Fábri (1917-1994). Este filme faz parte de uma série de filmes do premiado e respeitado cineasta do leste europeu, que dedicou muito tempo e esforço narrando a luta contra o fascismo.
Na verdade, o tema do trabalho dos prisioneiros de guerra é tratado com cuidado e sensibilidade e os escassos momentos de terror são inseridos com responsabilidade cinemática. Aqui, a planura narrativa é reforçada pela decisão de filmar em planos médios bastante convencionais e close-ups médios em ambientes sépia - dificilmente vemos as cores da fotografia. Como quase sempre acontece, os dramas de guerra sempre são tristes e comoventes, com as pessoas retratadas vivendo uma situação complicada e sem perspectivas enquanto lutam pela sobrevivência. Apesar de tudo, achei parado demais.