Drama musical da Amblin Entertainment e Warner Bros. indicado ao Oscar de melhor atriz coadjuvante, Danielle Brooks; no Globo de Ouro, mais 2 nomeações: melhor atriz de comédia ou musical, Fantasia Barrino, e melhor atriz coadjuvante, Danielle Brooks; no BAFTA, mais 2 indicações melhor atriz, Fantasia Barrino, e melhor atriz coadjuvante, Danielle Brooks, além de diversas outras indicações em festivais pelos Estados Unidos.
Este filme foi baseado no musical teatral de mesmo nome, que por sua vez, foi baseado no romance homônimo de 1982, de Alice Walker. Steven Spielberg, Oprah Winfrey e Quincy Jones estão entre os produtores. Adaptado do filme homônimo A cor púrpura (85) e sua adaptação musical. Este foi o 6° filme dirigido pelo ganense Blitz Bazawule.
Fantasia Barrino (Celie) reprisa seu papel no filme, tendo assumido o papel originado por LaChanze na produção original da Broadway de 2005 de The Color Purple, e Danielle Brooks (Sophia) reprisa seu papel no revival da Broadway de 2015. Esta é a segunda vez que Taraji P. Henson interpreta uma personagem chamada Shug, depois de Ritmo de um Sonho (2005). Oprah Winfrey se recusou a aparecer no filme.
Atuações excelentes e os números musicais impressionantes garantem que este seja um remake que justifica sua existência. As músicas inspiradas no R&B e no gospel são inspiradas e alegres, as coreografias são bacanas e a energia das atrizes são melhores ainda. O filme apresenta suas notas de graça tão honestamente quanto presta homenagem à vida em sua forma mais sombria. Combina o melhor das adaptações anteriores num híbrido que une a profundidade da palavra escrita com a energia estrondosa da performance musical.
Comédia dramática da Orion Pictures e MGM indicado a 5 estatuetas no Oscar: melhor filme, melhor ator, Jeffrey Wright, melhor ator coadjuvante, Sterling K. Brown, melhor roteiro adaptado, e melhor trilha sonora; no Globo de Ouro, foi nomeado a mais 2 categorias: melhor filme de comédia ou musical e melhor ator de comédia ou musical, Jeffrey Wright; no BAFTA, foi indicado a melhor roteiro adaptado.
O filme foi baseado no livro de 2001 "Erasure", de Percival Everett. Estréia na direção de Cord Jefferson. A maioria dos títulos de livros de ficção dos finalistas do "Prêmio Literário" eram nomes de bandas cujos membros o roteirista Cord Jefferson era amigo durante o ensino fundamental e médio em Tucson. Embora haja muito jazz na trilha sonora, nada disso é de Thelonious Monk, que dá nome ao personagem principal. Um filme composto basicamente por atores afro-americanos em sua maioria.
Um trabalho inteligente e encantador para a próxima geração de escritores que lutam com as mesmas questões existenciais. Ele confronta e debocha da miopia do mercado cultural, zombando de como Hollywood e outros tentam comercializar a experiência afro-americana, em uma sátira contundente sobre raça e literatura que todos deveriam ver. É, por sua vez, divertido e silenciosamente comovente, ao mesmo tempo em que é fundamentado por uma reviravolta profundamente simpática, possivelmente a melhor até agora, de Jeffrey Wright.
Animação de aventura, comédia e drama de ficção e suspense da Blue Sky Studios, indicado ao Oscar de melhor animação, além de ter participado de diversos festivais de cinema nos Estados Unidos, que foi baseado na história em quadrinhos de 2015 de mesmo nome, de ND Stevenson.
No final dos créditos, Nimona “etiqueta” a tela com um logotipo da Annapura semelhante a um grafite. Eugene Lee Yang foi o único ator a ler para Ambrosious Goldenloin, depois que o designer de produção sugeriu seu nome para o personagem a ser modelado, e então foi enviado para um teste. Lorraine Toussaint, que interpreta a rainha, também interpreta Shadow Weaver em She-Ra e as Princesas do Poder (18), criada por ND Stevenson. Incomum para um filme, são 15 minutos de créditos finais.
Uma obra coerente e louvável, um filme de aventura juvenil que cumpre maravilhosamente tudo o que se propõe, descaradamente impertinente e hilariantemente subversiva, que luta corajosamente contra o monstro da intolerância.
Comédia de aventura e drama romântico de animação da Walt Disney Pictures e Pixar Animation Studios indicado ao Oscar de melhor animação; no Globo de Ouro, foi nomeado a melhor filme de animação; no BAFTA, foi indicado a melhor longa-metragem de animação.
O filme foi baseado na vida do diretor Peter Sohn com seus pais imigrando da Coréia para os EUA - sem falar inglês e se estabelecendo no Bronx. A família de Sohn também abriu uma mercearia chamada Frutas e Legumes de Sohn - semelhante à família de Ember no filme. O 1° filme da Pixar desde a franquia Carros (06) que não apresentava nenhum humano (só tinha elementos como personagens).
Apesar de sua construção de mundo confusa e superlotada, tem momentos encantadores suficientes para sobreviver. O melhor é que não é apenas uma estória de amor; é uma estória sobre família, dever e sonhos. Consegue ser agradavelmente comovente, embora não tão profundo ou emocionante como alguns dos projetos anteriores dos estúdios.
Co-produção da Coréia do Sul e Estados Unidos indicado a 2 estatuetas no Oscar: melhor filme e melhor roteiro original; no Globo de Ouro, mais 5 nomeações: melhor filme de drama, melhor diretor, melhor atriz de drama, Greta Lee, melhor filme em língua estrangeira e melhor roteiro; no BAFTA, mais 3 indicações: melhor ator, Teo Yoo, melhor roteiro original e melhor filme em língua não inglesa; no Festival de Cinema de Berlim, foi nomeado ao Urso de Ouro de melhor filme. Estréia na direção de Celine Song.
Apesar do sotaque forte e do inglês ruim de seu personagem, Teo Yoo, que interpreta Hae Sung, na verdade, fala inglês muito fluentemente, além de 3 outros idiomas. Tanto Teo Yoo quanto Greta Lee moraram anteriormente no East Village de Manhattan, onde muitas das cenas do filme foram filmadas. O número 11 pode ser visto em algumas cenas. Sabe-se que o número 11 está associado ao conceito de Chamas Gêmeas, um relacionamento intenso e único entre duas pessoas em que são duas metades da mesma alma.
O enredo é semiautobiográfico e inspirado em acontecimentos reais da vida de Celine Song. É um filme ao mesmo tempo sóbrio e cheio de ardor, modesto mas transcendental e dotado de uma serenidade que transforma o amargo em algo resplandecente. Uma estória comovente sobre reencontros e amores interrompidos. Celine Song nos conta uma estória cheia de delicadeza, sensibilidade e empatia.
Ficção de aventura e fantasia, essa animação da Columbia Pictures, Marvel Entertainment e Sony Pictures Animation foi indicada ao Oscar de melhor animação; no Globo de Ouro, foi nomeado em 3 categorias: melhor filme de animação, melhor trilha sonora original e conquista cinematográfica e de bilheteria; no BAFTA, foi indicado a melhor longa-metragem de animação e melhor trilha sonora. Este foi o 10° filme relacionado ao "Homem-Aranha" a ser lançado nos cinemas.
Há um comunicado durante os créditos finais: Miles Morales retornará em ‘Homem-Aranha: Além do Verso-Aranha’. Antes dos créditos finais, há uma declaração: Continua. Com duração de 2 horas e 20 minutos (140 min), este é o filme de animação americano mais longo até hoje, superando o recordista anterior, Consuming spirits (12) em 4 minutos. O desenvolvimento do filme começou antes do lançamento de Homem-Aranha: No Aranhaverso (18).
Antes de mais nada, pra mim, foi um martírio acabar de ver a este filme superestimado. Achei tão chato e insuportável como foi o anterior. Esse negócio de múltiplas realidades, multiverso, essa enxurrada de Homens-Aranhas fazendo estripulias por todos os lados, cansa até a alma. Só é mais indicado àqueles fanáticos por desenhos animados de super-heróis, o que nunca foi o meu caso.
Co-produção franco-neo-zelandesa-canadense-estadunidense da Marvel Studios e Walt Disney Studios Motion Pictures indicado ao Oscar de melhores efeitos visuais; no Globo de Ouro, foi nomeado a melhores efeitos visuais. Baseado na Marvel Comics, é o 32º filme do Universo Cinematográfico Marvel.
Anunciado um mês antes do lançamento de Guardiões da Galáxia Vol. 2 (17). Durante os créditos finais, o criador da Marvel, Stan Lee (1922-2018), aparece brevemente em uma fotografia que surge junto com os créditos, assim como várias fotos dos Guardiões em várias poses. O diretor James Gunn foi homenageado pela PETA (Pessoas pelo Tratamento Ético dos Animais) por retratar experimentos com animais no filme.
Há uma cena no final dos créditos finais: uma nova escalação dos "Guardiões da Galáxia" entra em ação. “O Lendário Senhor das Estrelas retornará”. Acompanhando está uma cena de Peter Quill conversando com seu avô na Terra.
Este 3° capítulo da franquia é um filme realmente caloroso e confuso que às vezes faz você esquecer que está um pouco entediado com o ataque de filmes de super-heróis. Não tem novidades nenhuma em relação aos seus antecessores, as vezes é um tanto cansativo devido a longa duração desnecessária. Muitas vezes parece que James Gunn fez uma lista de reprodução de músicas de que gosta e depois criou cenas para acompanhá-las. O diretor encerra sua jornada na Marvel com uma carta de amor grande, estranha, confusa e genuinamente emocional para seu grupo maluco de heróis improváveis.
Produção chilena da Fábula e Netflix em preto e branco (a última cena de poucos segundos é em cores) indicado ao Oscar de melhor fotografia; no Festival de Cinema de Veneza, mais 2 nomeações: Leão de Ouro de melhor filme, e vencendo o Osela Dourada de melhor roteiro.
Humor negro, fantasia e terror que é uma sátira que retrata o ditador chileno Augusto Pinochet (1915-2006) como um vampiro de 250 anos em busca da morte. O filme teve fortes referências com o clássico do expressionismo alemão Nosferatu (22), cujo formato dos dentes de vampiro de Fyodor remete aos dentes do Conde Orlok. O título se traduz em "O Conde", uma alusão ao Drácula. Várias alusões foram feitas a outras estórias de vampiros como Drácula, Blade e Entrevista com o Vampiro. Ótima trilha sonora com músicas clássicas e coral de igreja.
Uma farsa política como um terror sombrio e engraçado sobre vampiros, oferecendo uma visão inventiva sobre por que os déspotas continuam afundando suas presas no mundo. Interessante dizer que Pinochet deu o golpe de Estado ao ver seu país se transformando em comunista e, muito provavelmente, caminhando para a ditadura. Conseguiu evitar o retrocesso desta ideologia macabra que estava por acontecer, apesar do preço caro que a população teve que pagar.
Drama biográfico da Higher Ground Productions e Netflix indicado ao Oscar de melhor ator, Colman Domingo; no Globo de Ouro, mais 2 nomeações: melhor ator de drama, Colman Domingo, e melhor canção original; no BAFTA, foi indicado a melhor ator, Colman Domingo. Os produtores executivos são o ex-presidente Barack Obama e a ex-primeira-dama Michelle Obama, que produziram vários projetos da Netflix.
O filme foi baseado na história real de Bayard Rustin (1912-1987), que ajudou Martin Luther King Jr. e outros a organizar a Marcha de 1963 em Washington. Bayard Rustin foi membro do conselho de administração da organização pró-democracia e de direitos humanos Freedom House. Colman Domingo e Glynn Turman estrelaram anteriormente o filme de George C. Wolfe, A voz suprema do Blues (20).
Colman Domingo tem uma atuação imponente e carismática em Rustin, um drama de ritmo acelerado que conta a história do subestimado líder dos direitos civis Bayard Rustin, um afro-americano gay, que tinha um relacionamento homossexual com outro homem negro (e de vez em quando, com um homem branco), um típico democrata/comunista da esquerda que se dizia oprimida, que travou várias batalhas públicas e privadas contra o racismo e a homofobia. Colman Domingo é hipnotizante em uma cinebiografia estereotipada.
Co-produção anglo-estaduninense que é um drama de guerra biográfico indicado ao Oscar de melhor maquiagem e penteado. O filme retrata a vida de Golda Meir (1898-1978), a 4ª Primeira-Ministra de Israel, principalmente durante a Guerra do Yom Kippur (73). O diretor israelense Guy Nattiv já havia ganhado um Oscar de melhor curta-metragem em live-action com Skin (18).
Helen Mirren passaria 3,5 horas na cadeira de maquiagem para se transformar em Golda. Os espectadores que sabem pouco sobre a história de vida de Golda Meir podem se surpreender ao ouvir a atriz britânica Helen Mirren interpretando o papel de uma Primeira-Ministra israelense com sotaque americano. Na verdade, Meir, que nasceu na atual Ucrânia, cresceu em Milwaukee, Wisconsin, depois que sua família imigrou para a América, quando ela tinha cerca de 8 anos de idade. Ela permaneceu nos Estados Unidos até os 20 e poucos anos, quando imigrou para a terra então conhecida como Mandato Britânico da Palestina.
Helen Mirren fuma em todas as cenas do filme. Golda Meir na vida real era uma fumante inveterada, a ponto de acender um cigarro atrás do outro, até mesmo fumar durante procedimentos médicos (como é visto no filme). Começa com uma citação sobre Israel recebendo uma lição pela sua 'arrogância', mas à medida que o filme avança, a intenção política do filme torna-se mais clara. As palavras “Palestina” ou “Palestino” nunca são pronunciadas neste filme e podemos tirar as nossas próprias conclusões disso. Mergulha-nos nos detalhes do combate da Guerra do Yom Kippur, e isso faz parte do seu dinamismo como filme. Um drama tenso, traumático e triste!
Drama biográfico verídico indicado a 2 estatuetas no Oscar: melhor atriz, Annette Bening, e melhor atriz coadjuvante, Jodie Foster. O filme foi baseado nas memórias de Diana Nyad de 2015, "Find a Way". O filme fala sobre as múltiplas tentativas da nadadora Nyad, no início de 2010, de nadar de Cuba até o Estreito da Flórida, com flashbacks de sua infância.
Estréia na direção de narrativa de longa-metragem de ficção do casal Elizabeth Chai Vasarhelyi e Jimmy Chin. Os dois foram os realizadores do filme Free Solo (18), vencedor do Oscar de melhor documentário. Para se preparar para o filme, Annette Bening trabalhou com a ex-atleta olímpica Rada Owen por cerca de 1 ano, além de personal trainer na academia. A travessia de Diana Nyad de Cuba para a Flórida não foi formalmente ratificada devido à falta de observadores independentes e a registos incompletos. O Livro Guinness de Recordes Mundiais revogou a conquista de Nyad.
Annette Bening e Jodie Foster são excelentes em uma comovente homenagem à nadadora de maratona aquática. Um retrato da determinação e coragem dos atletas que se esforçam ao máximo, independente da idade que estejam. O filme deixa algumas mensagens positivas de que tudo é possível na vida, mesmo depois dos 60 anos. Basta ter força de vontade, garra e determinação pra realizar seus sonhos, mesmo que aparentemente impossíveis.
Aventura de ficção da Walt Disney Pictures, Lucasfilm e Paramount Pictures indicado ao Oscar de melhor trilha sonora original; no Framboesa de Ouro, foi nomeado em 2 categorias: pior prequela, remake, rip-off ou sequela e pior roteiro. É a 5° e última parcela da série de filmes Indiana Jones e a sequência de Indiana Jones e o Reino da Caveira de Cristal (2008).
Único filme da série "Indiana Jones" que não teve créditos de abertura. O 1° filme de "Indiana Jones" distribuído pela Disney. Também foi o 1° a usar o logotipo do castelo da Disney. O filme mais longo de "Indiana Jones", com 2 horas e 34 minutos. Neste filme, Harrison Ford é mais de 20 anos mais velho do que Sir Sean Connery era quando interpretou o pai de Indy em Indiana Jones e a Última Cruzada (89). O único filme em que Indy não usa o chicote para balançar.
O filme não é tão ruim assim como parece, achei até melhor do que o filme anterior que, pra mim, foi o pior da franquia até agora. Tem boas cenas de ação (mesmo que exageradas ou com a ajuda de CGIs) e o veterano Harrison Ford continua em boa forma, apesar da idade avançada. O que mais prejudicou foram a duração excessiva e as várias sequências inverossímeis do roteiro que vou colocar apenas alguns pra não ocupar muito tempo:
aquela sequência do herói com o cavalo invadindo a estação do metrô e avançando nos trilhos antes do trem chegar é surreal; outra cena do idoso Indiana ter levado um baita murro na cara e na cena seguinte ter agido como se nada tivesse acontecido naquele momento; outra cena mal feita quando ele notadamente leva um tiro no peito e logo tá agindo normalmente nas imagens seguintes.
Produção japonesa que é um épico drama de ficção e terror indicada ao Oscar de melhores efeitos visuais produzido pela Toho Studios e Robot Communications e distribuído pela Toho, sendo o 37º filme da franquia "Godzilla". O filme é um remake solto inferior de Godzilla (54) - já que retrata o primeiro encontro do Japão com o monstro - reiniciado cerca de uma década antes, no período imediato do pós-guerra.
No final dos créditos finais, há sons dos passos de Godzilla e dos escombros desmoronando, terminando com o rugido de Godzilla. O "Menos Um" refere-se ao fato de que o Japão já havia sido devastado pela Segunda Guerra Mundial (reduzido a zero), mas com o surgimento de Godzilla, coloca o Japão no negativo. Isso se reflete no slogan original japonês do filme, que se traduz como "Japão do pós-guerra. De zero a menos". Este foi o 1° filme japonês do "Godzilla" a ser lançado nos cinemas no Brasil desde A fúria dos Monstros (75). Como apenas na versão americana de Godzilla 2000 (99), os créditos finais terminam com Godzilla rugindo na trilha sonora.
Por mais previsível e saturado que esteja, é quase sempre divertido assistir a estes filmes, principalmente se forem japoneses. É um dos melhores filmes já feitos até agora sobre o único "Rei dos Monstros", cuja versão asiática surge com todo o seu poder e orgulho contra as produções norte-americanas. Este funciona porque coloca o trauma da história bem no centro da história, criando, em última análise, uma história sobre seres humanos se unindo para curar e derrotar uma força inexplicável de destruição.
Co-produção dos Estados Unidos e Tailândia que é um drama de aventura de ficção e suspense indicado a 2 estatuetas no Oscar: melhores efeitos visuais e melhor som. O diretor e especialista em efeitos visuais Gareth Edwards foi o realizador de Monstros (10), Godzilla (14) e Rogue One: Uma história Star Wars (16).
A maior parte da equipe de produção recebeu o apelido no meio do nome, em homenagem a Alphie e aos "simulantes". O filme foi rodado na Sony FX3, uma câmera de cinema full-frame básica. O pseudônimo "Nirmata" significa "O Criador" na língua hindi (escrito Nirmaata).
Filme construído com estereótipos antigos e peças recicladas. As imagens impressionam, mas não são suficientes para salvar uma trama nada original. 'O Criador' mal consegue manter clara sua premissa. Visualmente impressionante, mas mal escrito, entediante, desleixado, brega e pouco convincente. Uma mistura desajeitada que não tem interesse em sondar as possíveis questões morais e espirituais levantadas pela inteligência artificial. Tudo ficou meio pesado, cansativo, desajeitado. Até o elenco não é convincente.
Co-produção da Espanha, Chile, Uruguai e Estados Unidos indicado a 2 estatuetas no Oscar: melhor filme internacional e melhor maquiagem e penteado; no BAFTA, foi nomeado a melhor filme de língua não inglesa; no Globo de Ouro, foi indicado a melhor filme em língua estrangeira. É uma adaptação do livro homônimo do jornalista uruguaio Pablo Vierci, que documenta os relatos de todos os 16 sobreviventes do acidente, muitos dos quais Vierci conhecia desde a infância.
O longa foi filmado em Sierra Nevada, Granada, em Andaluzia, na Espanha, em Montevideo, no Uruguai, e na Cordilheira dos Andes, no Chile, e na Argentina. Este drama de aventura e suspense de sobrevivência é uma refilmagem da produção mexicana Sobreviventes dos Andes (76), baseada na mesma história verdadeira, além de outra versão americana: Vivos (93), e diversos documentários, incluindo A Sociedade da Neve (07) e I am alive: Surviving the Andes Plane Crash (10). Um dos sobreviventes (Carlitos Paez) faz o papel do próprio pai (Carlos Páez Vilaró) no filme. Outro dos sobreviventes (Nando Parrado, como Fernando 'Nando' Parrado) desempenha o papel de Membro da Família do Aeroporto no filme.
O diretor espanhol J.A. Bayona fez um trabalho impecável técnica e narrativamente, e internamente é de muita profundidade e respeito. Sua estética é poderosa. Não há falhas narrativas. E todos os artistas são autênticos O filme é uma homenagem aos mortos. O uso da voz narrativa é nesse sentido muito interessante e o que dá sentido e diferencia este filme dos demais filmes sobre essa mesma história, triste e angustiante.
Co-produção anglo-ítalo-chinês-estadunidense que é um drama biográfico que foi baseado na biografia "Enzo Ferrari: The Man, the Cars, the Races, the Machine", de 1991, do jornalista de automobilismo Brock Yates (1933-2016). O filme acompanha as lutas pessoais e profissionais de Enzo Ferrari (1898-1988), o fundador italiano da fabricante de automóveis Ferrari S.p.A., durante o verão. de 1957.
O diretor Michael Mann vinha tentando fazer o filme há 30 anos. Por razões de seguro, Adam Driver não tinha permissão para dirigir nenhum dos carros de corrida clássicos originais. O co-astro Patrick Dempsey dirigiu réplicas dos carros conversíveis, que não ofereceram proteção aos motoristas expostos. Michael Mann dirigiu o marido de Penélope Cruz, Javier Bardem, em Collateral (04), enquanto a atriz interpretou a esposa de Enzo, Laura Ferrari.
Devido ao elevado número de mortos entre pilotos e espectadores, a Mille Miglia de 1957 foi a última em seu formato original. Houve 56 mortes conhecidas em 24 corridas (1927-1939 e 1947-1957), com 35 nos últimos 10 anos, à medida que os carros ficavam mais rápidos. Uma versão mais segura foi realizada de 1958 a 1961, depois a Mille Miglia foi cancelada permanentemente.
Este não é necessariamente um filme sobre corridas (apesar de ter várias sequências de corridas), é mais sobre as complexidades de um homem numa encruzilhada profissional e pessoal, e o piloto Adam Driver entrega de forma satisfatória, mas a vitória é de Penélope Cruz. O filme tem uma integridade que não pode ser ignorada. É um filme adulto sobre grandes ambições e os desastres que acontecem quando são colocados acima de tudo.
Co-produção anglo-canadense-estadunidense da Warner Bros.que é uma aventura musical de fantasia, sendo o 3° filme live-action baseado no romance de 1964 de Roald Dahl (1916-1990), depois de A fantástica Fábrica de Chocolate (71) e A fantástica Fábrica de Chocolate (2005), além de uma minissérie sueca feita para a televisão Kalle och chokladfabriken (83).
O diretor Paul King disse que ganhou "cerca de 50 quilos" com todo o chocolate que comeu no set e acrescentou: "É um milagre que Timmy [Timothée Chalamet] continue tão magro e bonito." Timothée Chalamet adoeceu várias vezes durante a produção devido à quantidade de chocolate e doces que comeu. Escrito, produzido e dirigido pela mesma equipe dos filmes de "Paddington". O elenco também conta com muitos ex-alunos de "Paddington". Rowan Atkinson já interpretou um clérigo em Quatro casamentos e um funeral (94), que também estrelou Hugh Grant.
Como qualquer bom chocolateiro, King concentrou-se obsessivamente na textura e no sabor. E são essas qualidades – sintonizadas com os gostos do mercado de massa, mas mantidas num equilíbrio especializado – que dão ao seu filme a sua irresistível doçura aveludada. “Wonka” é um filme divertido e deslumbrante que as famílias vão se divertir cantando enquanto saboreiam suas delícias favoritas do feriado.
Co-produção anglo-estadunidense da MGM que é um drama de suspense psicológico e humor negro escrito, dirigido e coproduzido por Emerald Fennell e filmado em 48 dias. O filme de Fennell foi inspirado em O mensageiro (71), de Joseph Losey.
A atriz e diretora Emerald Fennell é a mesma realizadora de Bela vingança (20), seu filme de estréia. Rosamund Pike morava na casa de Saltburn durante as filmagens. A estátua do Minotauro foi projetada usando o corpo de Barry Keoghan como referência. A trilha sonora é muito boa, especialmente na clássica "Rent" da banda Pet Shop Boys, cantada num karaokê por Oliver Quick, além da última canção "Murder on the Dancefloor", interpretada por Sophie Ellis-Bextor, quando Oliver aparece na cena final de forma inusitada.
Emerald Fennell criou uma intrincada teia de aranha em um filme que o deixará envolvido pela beleza da devassidão, apenas para ser picado por aquele clímax explosivo. O resto do elenco esteve brilhante e capturou perfeitamente aquele vazio rígido e rico que consomia suas almas. Não é isento de falhas: o voyeurismo da classe alta é indulgente e a estória é um pouco complicada. Mas há uma energia rica, agitada e envolvente em "Saltburn", pois a trama prende a atenção do início ao fim sem cansar.
Co-produção teuto-finlandesa que é uma comédia dramática romântica indicada a 2 prêmios no Festival de Cinema de Cannes: Palma de Ouro de melhor filme, e vencendo o Prêmio do Júri, além de ter participado de outros festivais pelo mundo. Foi filmado em Helsinque, na Finlândia.
O 4° volume da "Trilogia Proletariado" de Aki Kaurismäki, seguindo Sombras no Paraíso (86), Ariel (88) e A garota da fábrica de caixas de fósforos (90). A atriz principal e o cachorro de rua adotado por ela se chamam Alma. Este filme ficou em 7° lugar na lista dos 10 filmes favoritos de 2023 de John Waters.
O diretor refina à perfeição seu olhar pessoal e desolado sobre um mundo que está desmoronando. É quase uma obra-prima em seu vazio absoluto; com pura beleza suja, durante a guerra entre a Ucrânia e Rússia, onde Alma sempre procura ouvir as notícias da guerra. É uma estória muito simples, tocante, onde não há tantas ocasiões hoje para nos depararmos com um filme tão pessoal e tão puro.
Aventura épica e drama de guerra biográfico da Apple Studios, Moving Picture Company, Scott Free Productions e Columbia Pictures foi baseado na história real de Napoleão Bonaparte (1769-1821), retratando principalmente a ascensão do líder francês ao poder, bem como seu relacionamento com sua esposa, Joséphine de Beauharnais (1763-1814).
Sir Ridley Scott disse que as cenas de batalha utilizaram 11 câmeras, todas filmando ao mesmo tempo. O diretor disse que sua versão do diretor de quatro horas será lançada na Apple TV +. Josephine é a ancestral direta de cinco famílias reais atuais na Europa, incluindo as monarquias da Suécia, Dinamarca, Noruega e Bélgica e o Grão-Duque de Luxemburgo. Ela é frequentemente chamada de “Avó da Europa”. O verdadeiro Napoleão tinha 35 anos quando se tornou imperador da França. Joaquin Phoenix tinha 49 anos na época do lançamento do filme. Além disso, a verdadeira Joséphine era 6 anos mais velha que Napoleão, enquanto Phoenix é 14 anos mais velha que Vanessa Kirby.
O quase sempre regular Scott recria a invenção de forma espetacular, com emoção visual própria de seu gênio cinematográfico, boa parte dos momentos épicos que marcaram a trajetória da personagem retratado. É interessante, insólita e obstinado, tem sua base principal nas espetaculares cenas de batalha, mesmo que aparentemente bem violentas suas sequências. Em suma, a própria filmografia do diretor mostra que dificilmente ele decepcionou em seus trabalhos.
Comédia dramática da Gloria Sanchez Productions, Killer Films, MountainA, Project Infinity e Taylor & Dodge vagamente inspirado no escândalo Mary Kay Letourneau (1962-2020), que foi uma criminosa sexual e professora americana que se confessou culpada em 1997 de duas acusações de crime de estupro em segundo grau de uma criança.
Filmado em apenas 23 dias em Savannah, Geórgia. A ação se passa em 2015. Foi a 5° colaboração de Julianne Moore com o diretor Todd Haynes. Natalie Portman foi originalmente considerada para dirigir o filme. O roteiro foi incluído na edição de 2020 da Lista Negra.
Peculiar e exagerado. Como uma verdadeira história de crime, é retratado de forma subversiva e reflexiva, lascivo e insidioso. Deturpar a vida real, é um ato transgressor de indulto criminal. O coração e a alma do filme pertencem a Charles Melton como marido de Gracie Atherton-Yu, cerca de 30 anos mais novo que ela e para sempre preso na sombra do escândalo. Afinal, o que Portman e Moore estão fazendo neste filme chato e monótono desperdiçando seu tempo?
Co-produção anglo-irlandesa-estadunidense alternando imagens coloridas com outras em preto e branco, que venceu o Leão de Ouro de melhor filme no Festival de Cinema de Veneza. Este filme é uma comédia de humor negro e drama romântico de ficção que foi baseada no romance homônimo de 1992 de Alasdair Gray (1934-2019). As filmagens aconteceram em Glasgow, na Escócia, e em Budapeste, na Hungria.
O diretor grego Yorgos Lanthimos queria evocar uma sensação da velha Hollywood usando cenários pintados. Todas as cenas foram filmadas em um palco sonoro. O 1° filme do diretor com trilha sonora original de um compositor. Todos os seus filmes anteriores usaram apenas músicas existentes. Foi, também, a 1° adaptação de um romance por Lanthimos, o mesmo cineasta de O lagosta (15) e O sacrifício do servo sagrado (17)..
Visualmente extravagante e alegremente estranha e perturbada, esta destemida fantasia/odisséia feminista definitivamente deveria ser vista em um teatro! Uma estória feminista de maioridade, um filme de monstros bizarros e uma brincadeira sexual obscena e desbocada. Acostumado a realizar filmes exóticos e excêntricos (pelo menos os que eu vi dele), este filme com temática sobrenatural tem sexo (quase) explícito e muita nudez, mas não chega a ser tão apelativo. Emma Stone se sentiu bem a vontade como veio ao mundo. A maquiagem horrorosa de Willem Dafoe, muito bem feita, chega a assustar um pouco.
Drama romântico musical biográfico da Sikelia Productions, Amblin Entertainment, Fred Berner Films, Netflix e Lea Pictures, alternando cenas coloridas (dias atuais) com outras em preto e branco (flashbacks do passado). O longa gira em torno do relacionamento entre o compositor americano Leonard Bernstein (1918-1990) e sua esposa Felicia Montealegre (1922-1978).
Carey Mulligan desistiu de seu próximo projeto, Na ponta dos dedos (23), devido às filmagens suplementares deste filme. E ela estava grávida de 12 semanas na época das filmagens. Martin Scorsese e Steven Spielberg foram contratados para dirigir, antes de Bradley Cooper lhes mostrar Nasce uma estrela (18). Tanto Spielberg quanto Scorsese, estão entre os produtores. Leonard Bernstein não era apenas um músico talentoso, mas também um poliglota. Ele era fluente em vários idiomas, incluindo inglês, francês, italiano, alemão e hebraico. Esta habilidade linguística permitiu-lhe conectar-se com músicos e públicos de diferentes culturas e origens.
Complexo, bonito, caloroso, triste e brutal em relação à vida. Estou genuinamente surpreso e impressionado por Bradley Cooper ter feito este filme, seu 2° trabalho atrás das câmeras. É lindamente filmado, atuado e dirigido. Impressionante a maquiagem e a aparência física do compositor retratado através de seu intérprete. Um filme que consolida seu autor como um cineasta capital do atual cinema de Hollywood.
Comédia dramática da Miramax, CAA Media Finance e Focus Features ambientada no início dos anos 70 em um internato da Nova Inglaterra passado durante o mês do Natal.
Dominic Sessa, em sua estréia no cinema, disse que estava nervoso saindo com Paul Giamatti fora das filmagens, mas que ele era um cara muito legal, tranquilo e com um grande senso de humor. Ele disse que ambos eram fãs de programas de TV animados e os assistiam durante os intervalos das filmagens. A afro-americana Da'Vine Joy Randolph, uma não fumante, descobriu que fumar cigarros falsos não parecia realista. Randolph optou por fumar cigarros de verdade na tela para o papel, embora fosse muito sensível para não se tornar viciado em nicotina.
O retorno de Alexander Payne ao cinema belo, humanístico e até emocional é uma boa notícia, mas sentimos falta do risco e da falta de medo de decepcionar em seus melhores e mais completos filmes. Um retorno sensato, mas um pouco decepcionante. Mediano demais se isso for considerado um elogio. Confesso que tive mais sono do que prazer ao assistir este filme.
A Cor Púrpura
3.5 93Drama musical da Amblin Entertainment e Warner Bros. indicado ao Oscar de melhor atriz coadjuvante, Danielle Brooks; no Globo de Ouro, mais 2 nomeações: melhor atriz de comédia ou musical, Fantasia Barrino, e melhor atriz coadjuvante, Danielle Brooks; no BAFTA, mais 2 indicações melhor atriz, Fantasia Barrino, e melhor atriz coadjuvante, Danielle Brooks, além de diversas outras indicações em festivais pelos Estados Unidos.
Este filme foi baseado no musical teatral de mesmo nome, que por sua vez, foi baseado no romance homônimo de 1982, de Alice Walker. Steven Spielberg, Oprah Winfrey e Quincy Jones estão entre os produtores. Adaptado do filme homônimo A cor púrpura (85) e sua adaptação musical. Este foi o 6° filme dirigido pelo ganense Blitz Bazawule.
Fantasia Barrino (Celie) reprisa seu papel no filme, tendo assumido o papel originado por LaChanze na produção original da Broadway de 2005 de The Color Purple, e Danielle Brooks (Sophia) reprisa seu papel no revival da Broadway de 2015. Esta é a segunda vez que Taraji P. Henson interpreta uma personagem chamada Shug, depois de Ritmo de um Sonho (2005). Oprah Winfrey se recusou a aparecer no filme.
Atuações excelentes e os números musicais impressionantes garantem que este seja um remake que justifica sua existência. As músicas inspiradas no R&B e no gospel são inspiradas e alegres, as coreografias são bacanas e a energia das atrizes são melhores ainda. O filme apresenta suas notas de graça tão honestamente quanto presta homenagem à vida em sua forma mais sombria. Combina o melhor das adaptações anteriores num híbrido que une a profundidade da palavra escrita com a energia estrondosa da performance musical.
Ficção Americana
3.8 362 Assista AgoraComédia dramática da Orion Pictures e MGM indicado a 5 estatuetas no Oscar: melhor filme, melhor ator, Jeffrey Wright, melhor ator coadjuvante, Sterling K. Brown, melhor roteiro adaptado, e melhor trilha sonora; no Globo de Ouro, foi nomeado a mais 2 categorias: melhor filme de comédia ou musical e melhor ator de comédia ou musical, Jeffrey Wright; no BAFTA, foi indicado a melhor roteiro adaptado.
O filme foi baseado no livro de 2001 "Erasure", de Percival Everett. Estréia na direção de Cord Jefferson. A maioria dos títulos de livros de ficção dos finalistas do "Prêmio Literário" eram nomes de bandas cujos membros o roteirista Cord Jefferson era amigo durante o ensino fundamental e médio em Tucson. Embora haja muito jazz na trilha sonora, nada disso é de Thelonious Monk, que dá nome ao personagem principal. Um filme composto basicamente por atores afro-americanos em sua maioria.
Um trabalho inteligente e encantador para a próxima geração de escritores que lutam com as mesmas questões existenciais. Ele confronta e debocha da miopia do mercado cultural, zombando de como Hollywood e outros tentam comercializar a experiência afro-americana, em uma sátira contundente sobre raça e literatura que todos deveriam ver. É, por sua vez, divertido e silenciosamente comovente, ao mesmo tempo em que é fundamentado por uma reviravolta profundamente simpática, possivelmente a melhor até agora, de Jeffrey Wright.
Nimona
4.1 233 Assista AgoraAnimação de aventura, comédia e drama de ficção e suspense da Blue Sky Studios, indicado ao Oscar de melhor animação, além de ter participado de diversos festivais de cinema nos Estados Unidos, que foi baseado na história em quadrinhos de 2015 de mesmo nome, de ND Stevenson.
No final dos créditos, Nimona “etiqueta” a tela com um logotipo da Annapura semelhante a um grafite. Eugene Lee Yang foi o único ator a ler para Ambrosious Goldenloin, depois que o designer de produção sugeriu seu nome para o personagem a ser modelado, e então foi enviado para um teste. Lorraine Toussaint, que interpreta a rainha, também interpreta Shadow Weaver em She-Ra e as Princesas do Poder (18), criada por ND Stevenson. Incomum para um filme, são 15 minutos de créditos finais.
Uma obra coerente e louvável, um filme de aventura juvenil que cumpre maravilhosamente tudo o que se propõe, descaradamente impertinente e hilariantemente subversiva, que luta corajosamente contra o monstro da intolerância.
Elementos
3.7 467Comédia de aventura e drama romântico de animação da Walt Disney Pictures e Pixar Animation Studios indicado ao Oscar de melhor animação; no Globo de Ouro, foi nomeado a melhor filme de animação; no BAFTA, foi indicado a melhor longa-metragem de animação.
O filme foi baseado na vida do diretor Peter Sohn com seus pais imigrando da Coréia para os EUA - sem falar inglês e se estabelecendo no Bronx. A família de Sohn também abriu uma mercearia chamada Frutas e Legumes de Sohn - semelhante à família de Ember no filme. O 1° filme da Pixar desde a franquia Carros (06) que não apresentava nenhum humano (só tinha elementos como personagens).
Apesar de sua construção de mundo confusa e superlotada, tem momentos encantadores suficientes para sobreviver. O melhor é que não é apenas uma estória de amor; é uma estória sobre família, dever e sonhos. Consegue ser agradavelmente comovente, embora não tão profundo ou emocionante como alguns dos projetos anteriores dos estúdios.
Vidas Passadas
4.2 719 Assista AgoraCo-produção da Coréia do Sul e Estados Unidos indicado a 2 estatuetas no Oscar: melhor filme e melhor roteiro original; no Globo de Ouro, mais 5 nomeações: melhor filme de drama, melhor diretor, melhor atriz de drama, Greta Lee, melhor filme em língua estrangeira e melhor roteiro; no BAFTA, mais 3 indicações: melhor ator, Teo Yoo, melhor roteiro original e melhor filme em língua não inglesa; no Festival de Cinema de Berlim, foi nomeado ao Urso de Ouro de melhor filme. Estréia na direção de Celine Song.
Apesar do sotaque forte e do inglês ruim de seu personagem, Teo Yoo, que interpreta Hae Sung, na verdade, fala inglês muito fluentemente, além de 3 outros idiomas. Tanto Teo Yoo quanto Greta Lee moraram anteriormente no East Village de Manhattan, onde muitas das cenas do filme foram filmadas. O número 11 pode ser visto em algumas cenas. Sabe-se que o número 11 está associado ao conceito de Chamas Gêmeas, um relacionamento intenso e único entre duas pessoas em que são duas metades da mesma alma.
O enredo é semiautobiográfico e inspirado em acontecimentos reais da vida de Celine Song. É um filme ao mesmo tempo sóbrio e cheio de ardor, modesto mas transcendental e dotado de uma serenidade que transforma o amargo em algo resplandecente. Uma estória comovente sobre reencontros e amores interrompidos. Celine Song nos conta uma estória cheia de delicadeza, sensibilidade e empatia.
Homem-Aranha: Através do Aranhaverso
4.3 519 Assista AgoraFicção de aventura e fantasia, essa animação da Columbia Pictures, Marvel Entertainment e Sony Pictures Animation foi indicada ao Oscar de melhor animação; no Globo de Ouro, foi nomeado em 3 categorias: melhor filme de animação, melhor trilha sonora original e conquista cinematográfica e de bilheteria; no BAFTA, foi indicado a melhor longa-metragem de animação e melhor trilha sonora. Este foi o 10° filme relacionado ao "Homem-Aranha" a ser lançado nos cinemas.
Há um comunicado durante os créditos finais: Miles Morales retornará em ‘Homem-Aranha: Além do Verso-Aranha’. Antes dos créditos finais, há uma declaração: Continua. Com duração de 2 horas e 20 minutos (140 min), este é o filme de animação americano mais longo até hoje, superando o recordista anterior, Consuming spirits (12) em 4 minutos. O desenvolvimento do filme começou antes do lançamento de Homem-Aranha: No Aranhaverso (18).
Antes de mais nada, pra mim, foi um martírio acabar de ver a este filme superestimado. Achei tão chato e insuportável como foi o anterior. Esse negócio de múltiplas realidades, multiverso, essa enxurrada de Homens-Aranhas fazendo estripulias por todos os lados, cansa até a alma. Só é mais indicado àqueles fanáticos por desenhos animados de super-heróis, o que nunca foi o meu caso.
Guardiões da Galáxia: Vol. 3
4.2 799 Assista AgoraCo-produção franco-neo-zelandesa-canadense-estadunidense da Marvel Studios e Walt Disney Studios Motion Pictures indicado ao Oscar de melhores efeitos visuais; no Globo de Ouro, foi nomeado a melhores efeitos visuais. Baseado na Marvel Comics, é o 32º filme do Universo Cinematográfico Marvel.
Anunciado um mês antes do lançamento de Guardiões da Galáxia Vol. 2 (17). Durante os créditos finais, o criador da Marvel, Stan Lee (1922-2018), aparece brevemente em uma fotografia que surge junto com os créditos, assim como várias fotos dos Guardiões em várias poses. O diretor James Gunn foi homenageado pela PETA (Pessoas pelo Tratamento Ético dos Animais) por retratar experimentos com animais no filme.
Há uma cena no final dos créditos finais: uma nova escalação dos "Guardiões da Galáxia" entra em ação. “O Lendário Senhor das Estrelas retornará”. Acompanhando está uma cena de Peter Quill conversando com seu avô na Terra.
Este 3° capítulo da franquia é um filme realmente caloroso e confuso que às vezes faz você esquecer que está um pouco entediado com o ataque de filmes de super-heróis. Não tem novidades nenhuma em relação aos seus antecessores, as vezes é um tanto cansativo devido a longa duração desnecessária. Muitas vezes parece que James Gunn fez uma lista de reprodução de músicas de que gosta e depois criou cenas para acompanhá-las. O diretor encerra sua jornada na Marvel com uma carta de amor grande, estranha, confusa e genuinamente emocional para seu grupo maluco de heróis improváveis.
O Conde
3.2 92 Assista AgoraProdução chilena da Fábula e Netflix em preto e branco (a última cena de poucos segundos é em cores) indicado ao Oscar de melhor fotografia; no Festival de Cinema de Veneza, mais 2 nomeações: Leão de Ouro de melhor filme, e vencendo o Osela Dourada de melhor roteiro.
Humor negro, fantasia e terror que é uma sátira que retrata o ditador chileno Augusto Pinochet (1915-2006) como um vampiro de 250 anos em busca da morte. O filme teve fortes referências com o clássico do expressionismo alemão Nosferatu (22), cujo formato dos dentes de vampiro de Fyodor remete aos dentes do Conde Orlok. O título se traduz em "O Conde", uma alusão ao Drácula. Várias alusões foram feitas a outras estórias de vampiros como Drácula, Blade e Entrevista com o Vampiro. Ótima trilha sonora com músicas clássicas e coral de igreja.
Uma farsa política como um terror sombrio e engraçado sobre vampiros, oferecendo uma visão inventiva sobre por que os déspotas continuam afundando suas presas no mundo. Interessante dizer que Pinochet deu o golpe de Estado ao ver seu país se transformando em comunista e, muito provavelmente, caminhando para a ditadura. Conseguiu evitar o retrocesso desta ideologia macabra que estava por acontecer, apesar do preço caro que a população teve que pagar.
Rustin
3.3 80 Assista AgoraDrama biográfico da Higher Ground Productions e Netflix indicado ao Oscar de melhor ator, Colman Domingo; no Globo de Ouro, mais 2 nomeações: melhor ator de drama, Colman Domingo, e melhor canção original; no BAFTA, foi indicado a melhor ator, Colman Domingo. Os produtores executivos são o ex-presidente Barack Obama e a ex-primeira-dama Michelle Obama, que produziram vários projetos da Netflix.
O filme foi baseado na história real de Bayard Rustin (1912-1987), que ajudou Martin Luther King Jr. e outros a organizar a Marcha de 1963 em Washington. Bayard Rustin foi membro do conselho de administração da organização pró-democracia e de direitos humanos Freedom House. Colman Domingo e Glynn Turman estrelaram anteriormente o filme de George C. Wolfe, A voz suprema do Blues (20).
Colman Domingo tem uma atuação imponente e carismática em Rustin, um drama de ritmo acelerado que conta a história do subestimado líder dos direitos civis Bayard Rustin, um afro-americano gay, que tinha um relacionamento homossexual com outro homem negro (e de vez em quando, com um homem branco), um típico democrata/comunista da esquerda que se dizia oprimida, que travou várias batalhas públicas e privadas contra o racismo e a homofobia. Colman Domingo é hipnotizante em uma cinebiografia estereotipada.
Golda: A Mulher De Uma Nação
3.0 60Co-produção anglo-estaduninense que é um drama de guerra biográfico indicado ao Oscar de melhor maquiagem e penteado. O filme retrata a vida de Golda Meir (1898-1978), a 4ª Primeira-Ministra de Israel, principalmente durante a Guerra do Yom Kippur (73). O diretor israelense Guy Nattiv já havia ganhado um Oscar de melhor curta-metragem em live-action com Skin (18).
Helen Mirren passaria 3,5 horas na cadeira de maquiagem para se transformar em Golda. Os espectadores que sabem pouco sobre a história de vida de Golda Meir podem se surpreender ao ouvir a atriz britânica Helen Mirren interpretando o papel de uma Primeira-Ministra israelense com sotaque americano. Na verdade, Meir, que nasceu na atual Ucrânia, cresceu em Milwaukee, Wisconsin, depois que sua família imigrou para a América, quando ela tinha cerca de 8 anos de idade. Ela permaneceu nos Estados Unidos até os 20 e poucos anos, quando imigrou para a terra então conhecida como Mandato Britânico da Palestina.
Helen Mirren fuma em todas as cenas do filme. Golda Meir na vida real era uma fumante inveterada, a ponto de acender um cigarro atrás do outro, até mesmo fumar durante procedimentos médicos (como é visto no filme). Começa com uma citação sobre Israel recebendo uma lição pela sua 'arrogância', mas à medida que o filme avança, a intenção política do filme torna-se mais clara. As palavras “Palestina” ou “Palestino” nunca são pronunciadas neste filme e podemos tirar as nossas próprias conclusões disso. Mergulha-nos nos detalhes do combate da Guerra do Yom Kippur, e isso faz parte do seu dinamismo como filme. Um drama tenso, traumático e triste!
NYAD
3.7 152Drama biográfico verídico indicado a 2 estatuetas no Oscar: melhor atriz, Annette Bening, e melhor atriz coadjuvante, Jodie Foster. O filme foi baseado nas memórias de Diana Nyad de 2015, "Find a Way". O filme fala sobre as múltiplas tentativas da nadadora Nyad, no início de 2010, de nadar de Cuba até o Estreito da Flórida, com flashbacks de sua infância.
Estréia na direção de narrativa de longa-metragem de ficção do casal Elizabeth Chai Vasarhelyi e Jimmy Chin. Os dois foram os realizadores do filme Free Solo (18), vencedor do Oscar de melhor documentário. Para se preparar para o filme, Annette Bening trabalhou com a ex-atleta olímpica Rada Owen por cerca de 1 ano, além de personal trainer na academia. A travessia de Diana Nyad de Cuba para a Flórida não foi formalmente ratificada devido à falta de observadores independentes e a registos incompletos. O Livro Guinness de Recordes Mundiais revogou a conquista de Nyad.
Annette Bening e Jodie Foster são excelentes em uma comovente homenagem à nadadora de maratona aquática. Um retrato da determinação e coragem dos atletas que se esforçam ao máximo, independente da idade que estejam. O filme deixa algumas mensagens positivas de que tudo é possível na vida, mesmo depois dos 60 anos. Basta ter força de vontade, garra e determinação pra realizar seus sonhos, mesmo que aparentemente impossíveis.
Indiana Jones e a Relíquia do Destino
3.2 325 Assista AgoraAventura de ficção da Walt Disney Pictures, Lucasfilm e Paramount Pictures indicado ao Oscar de melhor trilha sonora original; no Framboesa de Ouro, foi nomeado em 2 categorias: pior prequela, remake, rip-off ou sequela e pior roteiro. É a 5° e última parcela da série de filmes Indiana Jones e a sequência de Indiana Jones e o Reino da Caveira de Cristal (2008).
Único filme da série "Indiana Jones" que não teve créditos de abertura. O 1° filme de "Indiana Jones" distribuído pela Disney. Também foi o 1° a usar o logotipo do castelo da Disney. O filme mais longo de "Indiana Jones", com 2 horas e 34 minutos. Neste filme, Harrison Ford é mais de 20 anos mais velho do que Sir Sean Connery era quando interpretou o pai de Indy em Indiana Jones e a Última Cruzada (89). O único filme em que Indy não usa o chicote para balançar.
O filme não é tão ruim assim como parece, achei até melhor do que o filme anterior que, pra mim, foi o pior da franquia até agora. Tem boas cenas de ação (mesmo que exageradas ou com a ajuda de CGIs) e o veterano Harrison Ford continua em boa forma, apesar da idade avançada. O que mais prejudicou foram a duração excessiva e as várias sequências inverossímeis do roteiro que vou colocar apenas alguns pra não ocupar muito tempo:
aquela sequência do herói com o cavalo invadindo a estação do metrô e avançando nos trilhos antes do trem chegar é surreal; outra cena do idoso Indiana ter levado um baita murro na cara e na cena seguinte ter agido como se nada tivesse acontecido naquele momento; outra cena mal feita quando ele notadamente leva um tiro no peito e logo tá agindo normalmente nas imagens seguintes.
Godzilla: Minus One
4.2 187Produção japonesa que é um épico drama de ficção e terror indicada ao Oscar de melhores efeitos visuais produzido pela Toho Studios e Robot Communications e distribuído pela Toho, sendo o 37º filme da franquia "Godzilla". O filme é um remake solto inferior de Godzilla (54) - já que retrata o primeiro encontro do Japão com o monstro - reiniciado cerca de uma década antes, no período imediato do pós-guerra.
No final dos créditos finais, há sons dos passos de Godzilla e dos escombros desmoronando, terminando com o rugido de Godzilla. O "Menos Um" refere-se ao fato de que o Japão já havia sido devastado pela Segunda Guerra Mundial (reduzido a zero), mas com o surgimento de Godzilla, coloca o Japão no negativo. Isso se reflete no slogan original japonês do filme, que se traduz como "Japão do pós-guerra. De zero a menos". Este foi o 1° filme japonês do "Godzilla" a ser lançado nos cinemas no Brasil desde A fúria dos Monstros (75). Como apenas na versão americana de Godzilla 2000 (99), os créditos finais terminam com Godzilla rugindo na trilha sonora.
Por mais previsível e saturado que esteja, é quase sempre divertido assistir a estes filmes, principalmente se forem japoneses. É um dos melhores filmes já feitos até agora sobre o único "Rei dos Monstros", cuja versão asiática surge com todo o seu poder e orgulho contra as produções norte-americanas. Este funciona porque coloca o trauma da história bem no centro da história, criando, em última análise, uma história sobre seres humanos se unindo para curar e derrotar uma força inexplicável de destruição.
Resistência
3.3 263 Assista AgoraCo-produção dos Estados Unidos e Tailândia que é um drama de aventura de ficção e suspense indicado a 2 estatuetas no Oscar: melhores efeitos visuais e melhor som. O diretor e especialista em efeitos visuais Gareth Edwards foi o realizador de Monstros (10), Godzilla (14) e Rogue One: Uma história Star Wars (16).
A maior parte da equipe de produção recebeu o apelido no meio do nome, em homenagem a Alphie e aos "simulantes". O filme foi rodado na Sony FX3, uma câmera de cinema full-frame básica. O pseudônimo "Nirmata" significa "O Criador" na língua hindi (escrito Nirmaata).
Filme construído com estereótipos antigos e peças recicladas. As imagens impressionam, mas não são suficientes para salvar uma trama nada original. 'O Criador' mal consegue manter clara sua premissa. Visualmente impressionante, mas mal escrito, entediante, desleixado, brega e pouco convincente. Uma mistura desajeitada que não tem interesse em sondar as possíveis questões morais e espirituais levantadas pela inteligência artificial. Tudo ficou meio pesado, cansativo, desajeitado. Até o elenco não é convincente.
A Sociedade da Neve
4.2 709 Assista AgoraCo-produção da Espanha, Chile, Uruguai e Estados Unidos indicado a 2 estatuetas no Oscar: melhor filme internacional e melhor maquiagem e penteado; no BAFTA, foi nomeado a melhor filme de língua não inglesa; no Globo de Ouro, foi indicado a melhor filme em língua estrangeira. É uma adaptação do livro homônimo do jornalista uruguaio Pablo Vierci, que documenta os relatos de todos os 16 sobreviventes do acidente, muitos dos quais Vierci conhecia desde a infância.
O longa foi filmado em Sierra Nevada, Granada, em Andaluzia, na Espanha, em Montevideo, no Uruguai, e na Cordilheira dos Andes, no Chile, e na Argentina. Este drama de aventura e suspense de sobrevivência é uma refilmagem da produção mexicana Sobreviventes dos Andes (76), baseada na mesma história verdadeira, além de outra versão americana: Vivos (93), e diversos documentários, incluindo A Sociedade da Neve (07) e I am alive: Surviving the Andes Plane Crash (10). Um dos sobreviventes (Carlitos Paez) faz o papel do próprio pai (Carlos Páez Vilaró) no filme. Outro dos sobreviventes (Nando Parrado, como Fernando 'Nando' Parrado) desempenha o papel de Membro da Família do Aeroporto no filme.
O diretor espanhol J.A. Bayona fez um trabalho impecável técnica e narrativamente, e internamente é de muita profundidade e respeito. Sua estética é poderosa. Não há falhas narrativas. E todos os artistas são autênticos O filme é uma homenagem aos mortos. O uso da voz narrativa é nesse sentido muito interessante e o que dá sentido e diferencia este filme dos demais filmes sobre essa mesma história, triste e angustiante.
Ferrari
3.3 90 Assista AgoraCo-produção anglo-ítalo-chinês-estadunidense que é um drama biográfico que foi baseado na biografia "Enzo Ferrari: The Man, the Cars, the Races, the Machine", de 1991, do jornalista de automobilismo Brock Yates (1933-2016). O filme acompanha as lutas pessoais e profissionais de Enzo Ferrari (1898-1988), o fundador italiano da fabricante de automóveis Ferrari S.p.A., durante o verão. de 1957.
O diretor Michael Mann vinha tentando fazer o filme há 30 anos. Por razões de seguro, Adam Driver não tinha permissão para dirigir nenhum dos carros de corrida clássicos originais. O co-astro Patrick Dempsey dirigiu réplicas dos carros conversíveis, que não ofereceram proteção aos motoristas expostos. Michael Mann dirigiu o marido de Penélope Cruz, Javier Bardem, em Collateral (04), enquanto a atriz interpretou a esposa de Enzo, Laura Ferrari.
Devido ao elevado número de mortos entre pilotos e espectadores, a Mille Miglia de 1957 foi a última em seu formato original. Houve 56 mortes conhecidas em 24 corridas (1927-1939 e 1947-1957), com 35 nos últimos 10 anos, à medida que os carros ficavam mais rápidos. Uma versão mais segura foi realizada de 1958 a 1961, depois a Mille Miglia foi cancelada permanentemente.
Este não é necessariamente um filme sobre corridas (apesar de ter várias sequências de corridas), é mais sobre as complexidades de um homem numa encruzilhada profissional e pessoal, e o piloto Adam Driver entrega de forma satisfatória, mas a vitória é de Penélope Cruz. O filme tem uma integridade que não pode ser ignorada. É um filme adulto sobre grandes ambições e os desastres que acontecem quando são colocados acima de tudo.
Wonka
3.4 381 Assista AgoraCo-produção anglo-canadense-estadunidense da Warner Bros.que é uma aventura musical de fantasia, sendo o 3° filme live-action baseado no romance de 1964 de Roald Dahl (1916-1990), depois de A fantástica Fábrica de Chocolate (71) e A fantástica Fábrica de Chocolate (2005), além de uma minissérie sueca feita para a televisão Kalle och chokladfabriken (83).
O diretor Paul King disse que ganhou "cerca de 50 quilos" com todo o chocolate que comeu no set e acrescentou: "É um milagre que Timmy [Timothée Chalamet] continue tão magro e bonito." Timothée Chalamet adoeceu várias vezes durante a produção devido à quantidade de chocolate e doces que comeu. Escrito, produzido e dirigido pela mesma equipe dos filmes de "Paddington". O elenco também conta com muitos ex-alunos de "Paddington". Rowan Atkinson já interpretou um clérigo em Quatro casamentos e um funeral (94), que também estrelou Hugh Grant.
Como qualquer bom chocolateiro, King concentrou-se obsessivamente na textura e no sabor. E são essas qualidades – sintonizadas com os gostos do mercado de massa, mas mantidas num equilíbrio especializado – que dão ao seu filme a sua irresistível doçura aveludada. “Wonka” é um filme divertido e deslumbrante que as famílias vão se divertir cantando enquanto saboreiam suas delícias favoritas do feriado.
Saltburn
3.5 845Co-produção anglo-estadunidense da MGM que é um drama de suspense psicológico e humor negro escrito, dirigido e coproduzido por Emerald Fennell e filmado em 48 dias. O filme de Fennell foi inspirado em O mensageiro (71), de Joseph Losey.
A atriz e diretora Emerald Fennell é a mesma realizadora de Bela vingança (20), seu filme de estréia. Rosamund Pike morava na casa de Saltburn durante as filmagens. A estátua do Minotauro foi projetada usando o corpo de Barry Keoghan como referência. A trilha sonora é muito boa, especialmente na clássica "Rent" da banda Pet Shop Boys, cantada num karaokê por Oliver Quick, além da última canção "Murder on the Dancefloor", interpretada por Sophie Ellis-Bextor, quando Oliver aparece na cena final de forma inusitada.
Emerald Fennell criou uma intrincada teia de aranha em um filme que o deixará envolvido pela beleza da devassidão, apenas para ser picado por aquele clímax explosivo. O resto do elenco esteve brilhante e capturou perfeitamente aquele vazio rígido e rico que consomia suas almas. Não é isento de falhas: o voyeurismo da classe alta é indulgente e a estória é um pouco complicada. Mas há uma energia rica, agitada e envolvente em "Saltburn", pois a trama prende a atenção do início ao fim sem cansar.
Folhas de Outono
3.8 99Co-produção teuto-finlandesa que é uma comédia dramática romântica indicada a 2 prêmios no Festival de Cinema de Cannes: Palma de Ouro de melhor filme, e vencendo o Prêmio do Júri, além de ter participado de outros festivais pelo mundo. Foi filmado em Helsinque, na Finlândia.
O 4° volume da "Trilogia Proletariado" de Aki Kaurismäki, seguindo Sombras no Paraíso (86), Ariel (88) e A garota da fábrica de caixas de fósforos (90). A atriz principal e o cachorro de rua adotado por ela se chamam Alma. Este filme ficou em 7° lugar na lista dos 10 filmes favoritos de 2023 de John Waters.
O diretor refina à perfeição seu olhar pessoal e desolado sobre um mundo que está desmoronando. É quase uma obra-prima em seu vazio absoluto; com pura beleza suja, durante a guerra entre a Ucrânia e Rússia, onde Alma sempre procura ouvir as notícias da guerra. É uma estória muito simples, tocante, onde não há tantas ocasiões hoje para nos depararmos com um filme tão pessoal e tão puro.
Napoleão
3.2 320 Assista AgoraAventura épica e drama de guerra biográfico da Apple Studios, Moving Picture Company, Scott Free Productions e Columbia Pictures foi baseado na história real de Napoleão Bonaparte (1769-1821), retratando principalmente a ascensão do líder francês ao poder, bem como seu relacionamento com sua esposa, Joséphine de Beauharnais (1763-1814).
Sir Ridley Scott disse que as cenas de batalha utilizaram 11 câmeras, todas filmando ao mesmo tempo. O diretor disse que sua versão do diretor de quatro horas será lançada na Apple TV +. Josephine é a ancestral direta de cinco famílias reais atuais na Europa, incluindo as monarquias da Suécia, Dinamarca, Noruega e Bélgica e o Grão-Duque de Luxemburgo. Ela é frequentemente chamada de “Avó da Europa”. O verdadeiro Napoleão tinha 35 anos quando se tornou imperador da França. Joaquin Phoenix tinha 49 anos na época do lançamento do filme. Além disso, a verdadeira Joséphine era 6 anos mais velha que Napoleão, enquanto Phoenix é 14 anos mais velha que Vanessa Kirby.
O quase sempre regular Scott recria a invenção de forma espetacular, com emoção visual própria de seu gênio cinematográfico, boa parte dos momentos épicos que marcaram a trajetória da personagem retratado. É interessante, insólita e obstinado, tem sua base principal nas espetaculares cenas de batalha, mesmo que aparentemente bem violentas suas sequências. Em suma, a própria filmografia do diretor mostra que dificilmente ele decepcionou em seus trabalhos.
Segredos de um Escândalo
3.5 264 Assista AgoraComédia dramática da Gloria Sanchez Productions, Killer Films, MountainA, Project Infinity e Taylor & Dodge vagamente inspirado no escândalo Mary Kay Letourneau (1962-2020), que foi uma criminosa sexual e professora americana que se confessou culpada em 1997 de duas acusações de crime de estupro em segundo grau de uma criança.
Filmado em apenas 23 dias em Savannah, Geórgia. A ação se passa em 2015. Foi a 5° colaboração de Julianne Moore com o diretor Todd Haynes. Natalie Portman foi originalmente considerada para dirigir o filme. O roteiro foi incluído na edição de 2020 da Lista Negra.
Peculiar e exagerado. Como uma verdadeira história de crime, é retratado de forma subversiva e reflexiva, lascivo e insidioso. Deturpar a vida real, é um ato transgressor de indulto criminal. O coração e a alma do filme pertencem a Charles Melton como marido de Gracie Atherton-Yu, cerca de 30 anos mais novo que ela e para sempre preso na sombra do escândalo. Afinal, o que Portman e Moore estão fazendo neste filme chato e monótono desperdiçando seu tempo?
Pobres Criaturas
4.2 1,1K Assista AgoraCo-produção anglo-irlandesa-estadunidense alternando imagens coloridas com outras em preto e branco, que venceu o Leão de Ouro de melhor filme no Festival de Cinema de Veneza. Este filme é uma comédia de humor negro e drama romântico de ficção que foi baseada no romance homônimo de 1992 de Alasdair Gray (1934-2019). As filmagens aconteceram em Glasgow, na Escócia, e em Budapeste, na Hungria.
O diretor grego Yorgos Lanthimos queria evocar uma sensação da velha Hollywood usando cenários pintados. Todas as cenas foram filmadas em um palco sonoro. O 1° filme do diretor com trilha sonora original de um compositor. Todos os seus filmes anteriores usaram apenas músicas existentes. Foi, também, a 1° adaptação de um romance por Lanthimos, o mesmo cineasta de O lagosta (15) e O sacrifício do servo sagrado (17)..
Visualmente extravagante e alegremente estranha e perturbada, esta destemida fantasia/odisséia feminista definitivamente deveria ser vista em um teatro! Uma estória feminista de maioridade, um filme de monstros bizarros e uma brincadeira sexual obscena e desbocada. Acostumado a realizar filmes exóticos e excêntricos (pelo menos os que eu vi dele), este filme com temática sobrenatural tem sexo (quase) explícito e muita nudez, mas não chega a ser tão apelativo. Emma Stone se sentiu bem a vontade como veio ao mundo. A maquiagem horrorosa de Willem Dafoe, muito bem feita, chega a assustar um pouco.
Maestro
3.1 260Drama romântico musical biográfico da Sikelia Productions, Amblin Entertainment, Fred Berner Films, Netflix e Lea Pictures, alternando cenas coloridas (dias atuais) com outras em preto e branco (flashbacks do passado). O longa gira em torno do relacionamento entre o compositor americano Leonard Bernstein (1918-1990) e sua esposa Felicia Montealegre (1922-1978).
Carey Mulligan desistiu de seu próximo projeto, Na ponta dos dedos (23), devido às filmagens suplementares deste filme. E ela estava grávida de 12 semanas na época das filmagens. Martin Scorsese e Steven Spielberg foram contratados para dirigir, antes de Bradley Cooper lhes mostrar Nasce uma estrela (18). Tanto Spielberg quanto Scorsese, estão entre os produtores. Leonard Bernstein não era apenas um músico talentoso, mas também um poliglota. Ele era fluente em vários idiomas, incluindo inglês, francês, italiano, alemão e hebraico. Esta habilidade linguística permitiu-lhe conectar-se com músicos e públicos de diferentes culturas e origens.
Complexo, bonito, caloroso, triste e brutal em relação à vida. Estou genuinamente surpreso e impressionado por Bradley Cooper ter feito este filme, seu 2° trabalho atrás das câmeras. É lindamente filmado, atuado e dirigido. Impressionante a maquiagem e a aparência física do compositor retratado através de seu intérprete. Um filme que consolida seu autor como um cineasta capital do atual cinema de Hollywood.
Os Rejeitados
4.0 316Comédia dramática da Miramax, CAA Media Finance e Focus Features ambientada no início dos anos 70 em um internato da Nova Inglaterra passado durante o mês do Natal.
Dominic Sessa, em sua estréia no cinema, disse que estava nervoso saindo com Paul Giamatti fora das filmagens, mas que ele era um cara muito legal, tranquilo e com um grande senso de humor. Ele disse que ambos eram fãs de programas de TV animados e os assistiam durante os intervalos das filmagens. A afro-americana Da'Vine Joy Randolph, uma não fumante, descobriu que fumar cigarros falsos não parecia realista. Randolph optou por fumar cigarros de verdade na tela para o papel, embora fosse muito sensível para não se tornar viciado em nicotina.
O retorno de Alexander Payne ao cinema belo, humanístico e até emocional é uma boa notícia, mas sentimos falta do risco e da falta de medo de decepcionar em seus melhores e mais completos filmes. Um retorno sensato, mas um pouco decepcionante. Mediano demais se isso for considerado um elogio. Confesso que tive mais sono do que prazer ao assistir este filme.